In der zeitgenössischen westlichen Kunst gibt es mehrere Begriffe, die die verschiedenen Formen von Performances beschreiben. Die „konkrete Performance“ ist eine künstlerische Aktion vor Publikum; das „Manöver“ bezeichnet den Versuch des Künstlers, in seine Umgebung einzudringen; das „Happening“, eingeführt von Allan Kaprow und inspiriert von John Cage; die „Aktionspoesie“, von Julien Blaine und Bernard Heidsieck vorgeschlagen, verbindet Text und körperliche Präsenz; die „Body Art“ der 60er und 70er Jahre versucht, die körperlichen Grenzen auszuloten. Darüber hinaus führen andere Traditionen, wie die zeitgenössische javanische Kunst, Konzepte wie das Jeprut ein, eine nicht vorab festgelegte Verhaltensaktion.
Die Performance-Kunst birgt Herausforderungen, wie etwa die Debatte über das Wesen oder den Begriff „Aufführung“, die von Künstlern wie Allan Kaprow und Theoretikern wie Guy Debord angestoßen wurde. Das Konzept der Performance hat sich seit den 1970er Jahren erweitert, insbesondere mit dem Aufkommen der „Performance Studies“ von Richard Schechner und Barbara Kirshenblatt-Gimblett. Der Begriff der „Performativität“ verweist auf die Vorstellung, dass jede Handlung eine Performance sein kann. Die Arbeiten von John Langshaw Austin und Jacques Derrida haben die Rolle der Sprache in diesem performativen Potenzial beleuchtet.
In der Welt der Performance kann die Sprache zwar eine Rolle spielen, doch der Körper spielt eine entscheidende Rolle: insbesondere die Gewalt der Gesten gegenüber dem Körper. In Indonesien beispielsweise entstanden die ersten performativen Aktionen bereits in den 1960er Jahren im Kontext von Studentenunruhen, mit denen die Studenten ihren Widerstand gegen politische Entscheidungen zum Ausdruck brachten. Ziel war es, das gesellschaftliche Bewusstsein zu hinterfragen. Diese Unruhen brachten neue Ausdrucksformen hervor. Zu dieser Zeit wurde der Begriff „Performance-Kunst“ oder „Art Performance“ lediglich als „experimentelle Kunst“ bezeichnet; dabei handelte es sich um alle möglichen, aber nicht traditionellen Formen des künstlerischen Ausdrucks. In der indonesischen Sprache wurde der Begriff jedoch unter drei Bezeichnungen erfasst: Jeprut, Perengkel Janequi und Blah Blah War. Jeprut ist die Ausführung einer ungewöhnlichen Geste, die gängigen Denkweisen zuwiderläuft. Eine Geste, bei der der Protagonist einen Bruch mit der Kontinuität schafft. Perengkel Janequi ist eine verrenkte oder verdrehte Bewegung, die in direktem Zusammenhang mit dem Körper steht. Blah Blah War ist eine poetische Aktion, die sich gegen Krieg oder jeglichen bewaffneten Kampf richtet. Seit Beginn der 2000er Jahre, im Anschluss an das Jakarta International Performance Art Festival, hat sich der Begriff „Performancekunst“ auch in Indonesien etabliert.
Heute, ganz allgemein und insbesondere in Luxemburg, wird die Performancekunst immer attraktiver. Alle Museen scheinen danach zu verlangen. Alle Museen oder Kunstzentren möchten die Grenzen der konventionellen zeitgenössischen Kunst überschreiten oder ins Wanken bringen. Joel Valabrega, der eine Ausbildung in Architektur hat, weiß, dass sich die Performance in einem bestimmten Raum vollzieht, mit diesem spielt, mit dem Publikum interagiert, es im besten Fall aufrüttelt, im schlimmsten Fall abschreckt und ein flüchtiger Akt bleibt. „ Aber eine Performancekunst muss einen inneren Konflikt erzeugen, fast einen unmittelbaren Schock oder eine Nachwirkung. Mich interessiert die Performancekunst unter dem Gesichtspunkt der Katastrophe, der Umwälzung, ich selbst bin weder direkt politisch engagiert noch Aktivistin, aber ich frage mich, was in der Welt geschieht, wie wir Katastrophen eine nach der anderen einfach abtun, wie ich selbst das tue “, vertraut sie an.
Als Verantwortliche für die Konzeption eines speziellen Performance-Programms im Mudam hat sie eine Vision: „ Ich möchte den Performancekünstlern in dem von mir organisierten Programm Raum geben, diese angekündigte Katastrophe – unsere Katastrophe – anzunehmen und zu umarmen. “ Und sie warnt: „ Performancekunst ist sexy, aber Museen sind sich manchmal der produktionstechnischen Zwänge, des Kontexts der Betreuung der Performancekünstler, ihrer Requisiten – die wie Kunstwerke zu betrachten sind – sowie der technischen, aber auch menschlichen Bedürfnisse nicht bewusst. Das erfordert ein Budget und eine gute Vorbereitung. “ Ein Jahr nach ihrer Ankunft im Mudam im Jahr 2020 realisierte sie ein zweiwöchiges Projekt mit dem Titel „Illusion of an End“, das der Performancekunst gewidmet war. Sie erinnert sich, dass es hart war und dass das Team noch nicht sehr gut vorbereitet war. Diese Erfahrung habe es ihnen ermöglicht, zu lernen, was für diese Art von Veranstaltung und diese vergängliche Kunstform erforderlich ist. „ In diesem Jahr erstreckt sich das Programm über drei Monate; es wird eine Ausstellung rund um die Performancekunst sein, die auch die Performance „After Laughter Come Tears – a performative exhibition in four acts“ umfasst. Das Publikum wird dabei zur aktiven Teilnahme aufgefordert. Die Performancekunst gewinnt an Bedeutung “, schließt Joel Valabrega.
Das ist eine gute Perspektive. Die Kunstperformances lösen beim luxemburgischen Publikum Reaktionen aus und bieten die Möglichkeit, über Themen zu diskutieren, die mit der Gesellschaft und ihrer – eher katastrophalen – Zukunft zu tun haben; eine Diskussion, die oft fehlt.
Im nächsten und letzten Teil dieser Reihe über Performancekunst werden zeitgenössische Projekte, vor allem im luxemburgischen Kontext, betrachtet und analysiert. Es gab sie, es gibt sie und es wird sie geben, insbesondere im Rahmen der Programme verschiedener Kulturinstitutionen: Mudam, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain, Konschthal in Esch-sur-Alzette, Spektrum in Rumelange. Und auch im Programm des Cercle Cité, dessen Direktorin und Kuratorin Anastasia Chaguidouline unter anderem die Künstlerin Trixi Weis im Rahmen der Gruppenausstellung „Hors d’Œuvre“ einladen wird, ihre Performance „Economy Class“ aufzuführen.
Wir werden einen Blick auf die verschiedenen beruflichen Angebote im Bereich der Performancekunst werfen, auf diese „Kommunikationscoups“, die wie freiere Elektronen existieren. Wer sind die Performancekünstler? Gibt es welche, die ausschließlich Performances machen, oder sind diese Teil ihrer bildenden und visuellen Arbeit? Wer sind diejenigen, die Performancekunst-Projekte organisieren, also die lokalen Kuratorinnen und Kuratoren? Sind die technischen, logistischen und finanziellen Mittel in diesem Kontext angemessen für diese Kunstform, die man als peripher betrachtet, weil sie vergänglich ist?
