Seltsames Bestiarium

Mitten im Naturpark der Vogesen diente das Atelier Meisenthal lange Zeit als Atelier von Damien Deroubaix. Seitdem hat sich das weitläufige Anwesen aus rosafarbenem Sandstein zu einem grenzüberschreitenden Kunst- und Ausstellungsort entwickelt. Nach Luca Bertolo im vergangenen Jahr zeigt das Atelier Meisenthal nun die neuesten Werke von Sophie Ullrich, einer jungen deutschen Künstlerin, die von der Galerie Nosbaum-Reding vertreten wird. Zwei Monate lang, von März bis April 2025, konnte sich die junge Frau ganz ihrer Arbeit widmen, fernab vom Lärm und Trubel der Städte. Rund zwanzig Gemälde sind vor Ort bis September zu entdecken, zeitgleich mit dem seltsamen Bestiarium von Max Coulon, das in der Grande Halle von Meisenthal ausgestellt ist. Das sind zwei bedeutende Ausstellungen in einem Dorf mit kaum 700 Einwohnern.

Während ihrer Ausbildungszeit an der Kunstakademie Düsseldorf, einer renommierten Kunsthochschule, an der Eigenständigkeit und kritisches Denken im Vordergrund stehen, wurde Sophie Ullrich von Aberhard Havekost (1967–2019), einem herausragenden Vertreter der Dresdner Schule, unterrichtet. In seinem Gefolge legt Sophie Ullrich – ähnlich wie Tatjana Doll – Wert auf flächige Farbgebung sowie auf die Ausdruckskraft von Pinselstrich und Farben. Als Perfektionistin bereitet die junge Künstlerin zudem ihre Pigmente selbst vor und fertigt ihre Leinwände nach Maß an. Die Gemälde, die sie im Atelier Meisenthal präsentiert, bewegen sich zwischen Figuration und Abstraktion. Alle weisen im Hintergrund abstrakte Flächen auf, auf denen bis zu fünf oder sechs Schichten Ölfarbe (und manchmal auch Sprühfarbe) aufgetragen wurden, um die Präsenz der Figuren, die in ihren Kompositionen sehr oft isoliert sind, besonders deutlich hervorzuheben. Eine merkwürdige Figur, die man nur fragmentarisch wahrnimmt (ein Arm, eine Hand, Füße, ganz langgestreckt), kehrt diskret von Leinwand zu Leinwand zurück, wie ein narrativer roter Faden. Diese Figur habe „weder Namen noch Geschlecht“, präzisiert der Künstler, doch an ihrem fadenförmigen Erscheinungsbild und ihren elastischen Formen erkennt man den ästhetischen Einfluss des Comics. Diese Figur hält das Ganze zusammen: Sie verbindet innerhalb der Komposition die unterschiedlichsten Elemente miteinander – Tiere, Werbeobjekte oder Kitsch. So auch bei „Holly Hunger“ (2025), einem mittelgroßen Gemälde, das vor einem von Grün- und Blautönen dominierten Hintergrund zwei von Händen gestützte Figuren zeigt: auf der einen Seite ein Glas mit Gewürzgurken, auf der anderen eine kitschige Marienstatue. Letztere ist eine Anspielung auf das Dorf Meisenthal, in dem es von Statuen und Kalvarienbergen nur so wimmelt. Eine Möglichkeit für die Künstlerin, ihre Arbeit an einem Ort zu verankern und in einen Kontext zu stellen. Was das Glas mit Gewürzgurken angeht, so war das alles, was sie im Kühlschrank vorfand, als sie am ersten Tag ihres Aufenthalts hungrig ankam. Im Nachhinein stellte sich heraus, dass zwischen diesen beiden Motiven eine Verbindung besteht: Sagt man in Deutschland nicht, dass schwangere Frauen Cornichons essen? In Frankreich kennt man die süße Legende: Schwangere Frauen hätten Lust auf Erdbeeren. Genau diese Art von kulturellen Unterschieden begeistert Sophie Ullrich, die ihren Aufenthalt genutzt hat, um Französisch zu lernen. Dieses Erlernen der Sprache geht einher mit der Entdeckung von Wortspielen, die die Künstlerin gerne bildlich umsetzt. Dies gilt auch für dieses mittelgroße Gemälde mit dunklem Hintergrund, das den Titel „Fantômes en verre“ (2025) trägt. Da Sophie Ullrich gewarnt worden war, dass das Atelier de Meisenthal ein Spukort sei, entwarf sie zwei grüne Figuren, die im Bildraum schweben und deren weiche, elastische Formen miteinander harmonieren. Anschließend setzte die Künstlerin das Wortspiel in Keramik um, wobei sie auf einen Glasbläser aus Meisenthal zurückgriff. So entstanden zwei kleine Geister, diesmal aus Glas, die dem ursprünglichen Gemälde gegenüberstehen.

Zahlreiche Tiere bevölkern die Bilder von Sophie Ullrich. Vielleicht dient dies dazu, die Angst zu bannen, die beispielsweise eine Spinne in ihr weckt, die sie daraufhin mit zahlreichen Augen versieht – ein Motiv, das in der Ausstellung in vielfältigen Varianten (Brustwarzen, Knöpfe) auftaucht. Aber auch Reptilien spielen eine Rolle, wegen der Faszination des Fremden, die mit ihrem prähistorischen Ursprung verbunden ist, wie diese gelbe Python zeigt, die sich um einen Arm windet – eine vom Menschen eingeführte invasive Art, die ganze Ökosysteme durcheinanderbringt. Die Katze, die in skurrilen Situationen dargestellt wird, verkörpert den Humor der Künstlerin (Autonome Katzen, 2025), ebenso wie die Wölfe, die im Profil, im ägyptischen Stil, neben unserer geheimnisvollen Figur (Romulus & Remus, 2025). Außerdem sind Darstellungen von Haien zu sehen (Im Salon den Nautilius, 2025) sowie ein kleines Gemälde, das das seltsame Aussehen einer Weichtierart wiedergibt, die in Anlehnung an Jules Verne „Nautilius“ genannt wird und als ferne Erinnerung an ein vergangenes Zeitalter angesehen werden kann – sie wird übrigens oft als lebendes Fossil bezeichnet.

Überqueren wir die Straße, um nun zur Halle Verrière in Meisenthal zu gelangen und das kuriose Bestiarium zu entdecken, das Max Coulon für seine Installation „Le Feu au lac“ entworfen hat. Der französische Künstler, der ein Schüler von Stephan Balkenhol war, ist bislang der jüngste Künstler, der in diesem gigantischen Ausstellungsort ausstellt. Erstaunlicherweise findet man dort eine ganze Schar von Haien (Le Feu au lac, 2025), die diesmal jedoch an einem großen Ring aufgespießt sind, der an einem Faden hängt. „Der Ausgangspunkt dieses Werks“, erklärt Max Coulon gleich zu Beginn, „war, diese Halle zum idealen Ort zu machen, um mit der Frage der Distanz zu spielen, indem ich einen Ansatz formuliere, den man beim Betreten nicht sofort versteht.“ Der Betrachter muss sich daher dem Werk nähern, um die aus Schaumstoff gefertigten Haie zu erkennen, deren Konturen absichtlich grob geformt wurden. Eine gewaltsame Bearbeitung, aus der sich im Kontrast dazu ein Eindruck von Sanftheit ergibt, der mit der Schwebeposition und der luftigen Beweglichkeit des Werks zusammenhängt. Eine Möglichkeit für den Bildhauer, die männlichen und aggressiven Konnotationen zu dekonstruieren, die üblicherweise mit dem Hai verbunden sind.

An anderer Stelle sind kleine Betonskulpturen direkt auf dem Boden angeordnet, darunter ein Kuh-, ein Bären- oder ein Schafskopf, die die gotische Tradition der Wasserspeier auf verspielte Weise neu interpretieren. Man darf nicht vergessen, dass der aus Straßburg stammende Künstler seine unglaubliche Kathedrale tagtäglich vor Augen hatte. Ähnliche Fabelwesen waren übrigens bereits in den Skulpturenparcours der vergangenen Luxembourg Art Week integriert worden. Weiter vorne bildet eine lange Reihe aus zusammengesetzten Objekten eine gerade Linie („Deuxième phrase“, 2025). Es handelt sich um bewusst bescheidene Werke aus allerlei Krimskrams, die an den Geist des Dadaismus anknüpfen und uns daran erinnern, dass künstlerisches Schaffen aus Begegnungen, Improvisationen und willkommenen Zufällen besteht. All dies sind Rätsel, die an die Vorstellungskraft des Betrachters gerichtet sind. Inmitten dieses Sammelsuriums entdeckt man eine Hand, die einen Baum hält – eine Anspielung auf die derzeit in Nantes ausgestellte Skulptur (Luffy and the Tree, 2024); man erkennt darin auch das Modell von „Le Feu au lac“, bei dem die Haie durch Bonbons in ihrer Gestalt dargestellt werden, aber auch das Modell, das auf der Grundlage von „No Reason to Move“ (2024) entstanden ist, dieser riesigen Kinderhütte, die auf zwei mit der Kettensäge geschnitzten Holzbeinen ruht. Als Höhepunkt der Ausstellung in der Grande Halle verkörpert diese poetische Behausung die Idee, dass jedes noch so winzige Objekt eines Tages in großem Maßstab umgesetzt werden kann. In dieser Perspektive, in der Maßstäbe umkehrbar sind, birgt „Deuxième phrase“ ebenso viele Projekte, die realisiert werden könnten. Wie so viele unerfüllte Kindheitsträume, die auf den richtigen Moment warten.