Science-Fiction – die Kunst des Möglichen

Man könnte endlos über die kreativen Möglichkeiten nachdenken, die ein Ort bietet, der der beste wäre und der gerade deshalb in Wirklichkeit gar nicht existieren würde. Was der Philosoph Thomas More (1478–1535) als Erster als „Utopie“ bezeichnete. Ein Begriff oder vielmehr eine spekulative Annahme, die den Ausgangspunkt für die Überlegungen bildet, die in der neuen Ausstellung des Centre Pompidou-Metz angestellt werden – fünfzehn Jahre nach „Tomorrow Now – when Design meets Science fiction“ im Mudam. Das Werk, das die Ausstellung „Les Portes du possible. Art & Science-Fiction, fasst die Ausrichtung der Kuratorin Alexandra Müller gut zusammen. Es handelt sich um „Der Mann, der von seiner Wohnung aus ins All flog“ (1985), eine Installation im Maßstab 1:1, die wir dem Ukrainer Ilya Kabakov verdanken. Dort entdeckt man die nachgebildete, verlassene Wohnung in einem Mehrfamilienhaus, deren Wände mit Plakaten zu Ehren des kommunistischen Regimes geschmückt sind, und vor allem die aufgerissene Decke, durch die sich ein Mann in den Himmel katapultieren konnte… Die Installation wird von schriftlichen Zeugenaussagen von Nachbarn begleitet, die dieses plötzliche Verschwinden bestätigen. Ganz im Sinne dieser aufdringlichen Nachbarschaft ist das Publikum aufgefordert, seinerseits zum Voyeur zu werden und einen neugierigen Blick auf die Szene zu werfen, die zwischen Tatort und Theater des Absurden schwankt. In der ehemaligen Sowjetunion war Science-Fiction ein blühendes literarisches Genre, zu dem bedeutende Persönlichkeiten wie Stanisław Lem (Solaris) oder die Brüder Arkadi und Boris Strugatski gehörten. In einer erstarrten, erstickenden, vollständig staatlich gelenkten Welt brachte die „Sci-Fi“ einen Hauch frischer Luft. Unter dem Vorwand, einen Blick auf die Welt von morgen zu werfen, bietet sie einen einfallsreichen Umweg, den die Autoren nutzen, um eine fundierte Kritik am bestehenden System zu üben. Kurz gesagt: Das Thema der Science-Fiction ist weniger eine hypothetische Zukunft als vielmehr die Gegenwart selbst.

Der Ansatz dieser umfangreichen Ausstellung, die sich über zwei ganze Galerien sowie einen weiten Zeitraum von den 1960er Jahren bis heute erstreckt, ist daher entschieden kritisch. Mit ihrer spektakulären Inszenierung, die das Hauptschiff einnimmt, um dort monumentale Werke in der Höhe zu präsentieren, und ihren Bildleisten mit rissigen oder abgerissenen Rändern, die die für diesen Anlass zusammengetragenen Werke freilegen, scheint der Geist Kabakovs selbst den Ausstellungsparcours durchdrungen zu haben. In diesem ersten Kapitel mit dem Titel „Schöne neue Welt“ wandeln wir auf den Spuren etablierter Autoren – Aldous Huxley, Alain Damasio oder auch Benoît Peeters und François Schuiten (die Ausstellung entlehnt ihren Titel dem Album „Les Portes du possible“) –, um daran zu erinnern, wie sehr politische Kämpfe auch Konflikte der Vorstellungswelten sind. Diese Idee konkretisiert sich ganz besonders in der Architektur, da Bauwerke uns eigentlich überdauern sollen. So auch die „Zwölf idealen Städte“, die das italienische Architektenkollektiv Superstudio als „Vorahnungen einer städtebaulichen Parusie“ präsentiert. Begleitet von Beschreibungen und Zeichnungen für jedes städtische Modell verdeutlicht dieses Projekt auf absurde Weise die Widersprüche und entfremdenden, ja sogar totalitären Aspekte, die sich aus dogmatischen und rationalistischen Visionen ergeben. Der Mensch fehlt darin stets, wird stets geleugnet. In einem ähnlichen Ansatz, nicht weit entfernt vom vom Atelier Van Lieshout entworfenen Komplex „Slave City“, vermischt Laurent Grasso in „Soleil Double“ (2014) Space Opera, faschistische Mythologie und Fiktion und nutzt dabei das imaginäre Potenzial sowohl dokumentarischer als auch historischer Quellen. Gedreht in Rom, im Stadtteil EUR, der unter Mussolini für die Weltausstellung 1942 errichtet wurde, versucht der Film, die Ebenen zu vermischen, indem er Anspielungen auf den Planeten Tatooine aus „Star Wars“ (1977) einfügt und so die historische und die fiktionale Anekdote einander näherbringt. Auf der anderen Seite der Bilderschiene ist ein Auftragswerk des Centre Pompidou-Metz zu sehen, das Nicolas Daubanes geschaffen hat; er greift dabei eine farbige Postkarte eines elsässischen Dorfes auf, um daraus ein dystopisches Universum zu erschaffen. Wenn man sich der eigens für diesen Anlass angefertigten Wandzeichnung nähert, fällt die kontrastreiche Textur der Landschaft auf, deren Konturen mit Hilfe von magnetisiertem Stahlpulver erzielt wurden. Die Arbeit mit dem Negativ geht zu Lasten des ursprünglichen Trägers und erinnert an den bevorstehenden Albtraum – den des Konzentrationslagers, das dem Werk seinen Namen gibt (Struthof, 2022).

Der weitere Verlauf der Ausstellung ist jedoch leichter. Angefangen mit dieser riesigen Statue eines dickbäuchigen Mannes von John Isaacs, die wie ein westlicher Sumo-Ringer wirkt und auf humorvolle Weise den weiteren Teil des Rundgangs einleitet, der dem „Neuromancer“ gewidmet ist und sich mit der Umgestaltung unseres Lebens durch die Technowissenschaften befasst. Der Begriff „Cyberspace“, der 1980 von William Gibson geprägt wurde, hat sich in unserer Zeit schließlich durchgesetzt, allerdings in einer völligen Umkehrung seiner ursprünglichen Bedeutung, da er im Kontext der Cyberpunk-Gegenkultur entstanden war – weit entfernt von den multinationalen Konzernen, die daraus Profit geschlagen haben. Die von Julian Charrière errichteten Salzsäulen verkörpern dieses Paradoxon: Blöcke dieses „weißen Goldes“ aus Bolivien, das für den Abbau von Lithium dient, bilden unwahrscheinliche Totems (Future Fossil Spaces, 2017). Es folgt eine Reihe von Werken, die sich auf fantasievolle Weise mit Cyborgs und anderen hybriden Figuren auseinandersetzen, die frei gewählte Identitäten ermöglichen – so wie Lee Bull es anhand einer menschlichen Büste darstellt, die zugunsten eines technoiden Erscheinungsbildes in den Hintergrund tritt (Vanish, 2002) oder auch der großartige, schwebende „Astronaut Jesus“ (2013) von Tavares Strachan. Der letzte Teil des Rundgangs widmet sich vor allem der Neuschreibung von Geschichte und Mythologien, ganz im Sinne der Afrofuturisten, die sich bisher allzu westlich geprägte Erzählungen wieder zu eigen gemacht haben. Mit 180 Werken aus den wichtigsten Medien (Videos, Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen, Installationen usw.) bietet die Ausstellung eine Vielzahl von Ansätzen. Ihr Thema hat den Vorteil, das Publikum der Institution in Metz deutlich zu verjüngen. Und das sogar ohne Ausschnitte aus der Serie „Black Mirror“. Mit anderen Worten: eine Meisterleistung.