Zu Recht wies der Kritiker Harry Bellet von „Le Monde“ anlässlich des Todes von Königin Elisabeth II. darauf hin, dass die britische Krone über den größten privaten Kunstbesitz der Welt verfügt. Rund 200.000 Werke – das entspricht fast einem Drittel des Bestands des Louvre –, das ist schon eine beachtliche Zahl. Vor etwa zehn Jahren wurde der Wert auf über elf Milliarden Euro geschätzt. Darunter sind rund 7.000 Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Druckgrafiken, Fotografien, Möbel, Schmuck und Wandteppiche. Doch die Königin selbst hat nur wenig davon erworben. All dies – oder fast alles – reicht sehr weit zurück, bis ins 15. Jahrhundert zu den Tudors. Im folgenden Jahrhundert ließ Heinrich VIII. sein Porträt von Holbein dem Jüngeren anfertigen, ein Werk, das 1698 bei einem Brand zerstört wurde und durch zahlreiche Kopien bekannt ist.
Dieses Porträt sagt viel über die Absicht des Kunden – oder besser gesagt des Auftraggebers – aus und zeugt neben dem Talent des Künstlers auch von dessen Gefälligkeit, ja sogar von seiner Unterwürfigkeit in jener Zeit. Heinrich VIII. in seiner königlichen Pracht steht breitbeinig da, die Hände auf die Hüften gestützt, mit vielleicht düsterem Gesichtsausdruck und Blick – wie dem auch sei, alles strahlt, ja strotzt geradezu vor Macht und Stärke. Und genau das ist es, was die Geschichte von ihm in Erinnerung behalten hat, bis hin zur Hinrichtung von zwei seiner sechs Ehefrauen.
Wir befinden uns noch in der Zeit der Paläste und ihrer Ausstattung, einer Kunst, die die Macht widerspiegelt, sowie der Kuriositätenkabinette, der Wunderkammern, die in der Renaissance auftauchten – der ersten Etappe auf dem Weg zu einer wissenschaftlicheren Erfassung der Welt. Mit der bunten Mischung der italienischen „Studioli“, eben jener Kunst- und Wunderkammer von Erzherzog Ferdinand II. im Schloss Ambras. Um es mit den Worten des Littré zu sagen: Naturalien, Artificialien, Scientifica, Exotica. Und doch begann bereits die Herausgabe von Katalogen und illustrierten Inventaren; man entwickelte eine Vorliebe für die Verbreitung, und die Nachfrage der europäischen Gelehrten wirkte anregend.
Wir werden nicht versuchen, zwischen denen zu entscheiden, die für sich beanspruchen, im Wettlauf der Museen die Ersten zu sein – jedenfalls haben die Naturkundemuseen die Nase vorn. Für unser Thema, die bildende Kunst, ziehen zwei Konkurrenten die Aufmerksamkeit auf sich, beide aus der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Zum einen der Louvre, der aus einer 1775 entstandenen Vorstudie zur Präsentation der Meisterwerke der Kronensammlung hervorging. Er wurde 1793 unter dem Namen „Muséum central des arts de la République“ (Zentrales Kunstmuseum der Republik) eröffnet. Zum anderen das Fridericianum in Kassel, das auf dem Gelände entstand, das durch den Abriss der Befestigungsanlagen nach dem Siebenjährigen Krieg frei wurde. Es verdankt seinen Namen seinem Initiator, dem Landgrafen Friedrich II. Mit dem Baubeginn im Jahr 1779 war es das erste Gebäude, das von Anfang an als Museum konzipiert wurde.
Unabhängig von den Umständen bekennen sich alle zur Ideologie der Aufklärung, woraus sich die dreifache Funktion des Museums ergibt – zumindest so, wie sie rund 240 Jahre lang bis vor kurzem verstanden wurde: ein Ort, an dem Werke gesammelt und aufbewahrt, bei Bedarf restauriert werden; an dem sie (zum Vergnügen und zur Bildung der Öffentlichkeit) ausgestellt oder im Depot gelagert werden; an dem sie katalogisiert und erforscht werden oder zumindest Forschern die Möglichkeit dazu geboten wird. Museen kaufen heute aus Geldmangel immer weniger ein ; Sind unsere Staaten etwa ärmer geworden oder geiziger, entlasten sie sich von einer drückenden Last, oder geben sie einem neoliberalen Trend nach, der das Private gegenüber dem Öffentlichen bevorzugt? Dieser Weg wird eingeschlagen, wovon nicht nur die Kunstwerke zeugen, sondern auch die Menschen, die sich eigentlich um sie kümmern und sie pflegen sollten: Der Fachkräftemangel muss Anlass zur Sorge geben: Zum Zeitpunkt der Abfassung dieser Zeilen verlässt die Leiterin der Abteilung für Konservierung und Sammlungen des Musée d’Orsay das Museum, um in die Privatwirtschaft und zur Galerie Kamel Mennour zu wechseln. Ist es eine Frage der Bezahlung, der Arbeitsbedingungen?
Stiftungen, Stiftungsfonds – es entstehen immer mehr davon. Man umgibt sich mit Kunst, die als Deckmantel für Schandtaten dienen kann, wie im Fall der Familie Sackler (Eigentümer von Purdue Pharma und Mundipharma), gegen die Nan Goldin wegen der Milliarden Dollar, die sie mit Opioiden verdient hat, und wegen der amerikanischen Opfer vorgeht. Natürlich wird man den Leitern solcher Institutionen und Unternehmen nicht absprechen, dass sie kunstbegeisterte Kenner sind. Die Frage ist jedoch berechtigt, ob es nicht in erster Linie um Marketing, um Ansehen, um nicht zu sagen um vulgäre Werbung oder Propaganda geht – im Falle von Staaten, die mitunter denselben Weg einschlagen, nämlich die Abkehr von der Berufung der Aufklärung zugunsten von Eventmanagement und Kommunikation sowie Networking, das sich dabei als wirksames Instrument erweist.
Man wird gerne einräumen, dass auch die Kunst im Laufe der letzten beiden Jahrhunderte nicht unverändert und beständig geblieben ist. Und dass der Wandel seit den 1980er Jahren tiefgreifender und radikaler war als je zuvor – es ging nicht mehr nur um den Stil. Er hat das berührt, was man wohl als das eigentliche Paradigma der Kunst bezeichnen muss: Die Documenta 15 (abgesehen von oder jenseits anderer Kontroversen) lieferte dafür einen eindrucksvollen Beweis: mit den Kollektiven der Kuratoren, den Künstlern, den Verfahren mehr als den Werken, dem Aktivismus und folglich der Ethik mehr als der Ästhetik. Doch unser Anliegen betrifft vor allem den Umgang mit der Kunst, ihre Rezeption in der Gesellschaft, und gerade in Kassel sprechen die heftigen Reaktionen bereits bei der Wahl von ruangrupa durch die Organisatoren Bände: Gegen diese neue Ausrichtung der Kunst haben sich bestimmte Kräfte erhoben, nämlich der Markt, der es gewohnt ist, den Wert anhand der auf dem Spiel stehenden Summen zu bestimmen.
Geschäftsmagnaten und Milliardäre sind heute auf allen Gebieten aktiv – in Auktionshäusern, Stiftungen und Ausstellungen; dieselbe Finanzialisierung hat die Kunst ebenso erfasst wie den Fußball. Der Gipfel wird mit dem Pinault-Konzern erreicht, der einerseits Christie’s und andererseits die Kunstzentren Dogana und Palazzo Grassi in Venedig sowie die Bourse de Commerce in Paris besitzt. Arnault und Leclerc, um bei Frankreich zu bleiben, folgen mit etwas Abstand. Doch man entkommt dem nirgendwo, selbst in den kleinen Ländern nicht.
„Geschäftsmann oder Sammler?“, fragte sich vor kurzem das Wirtschaftsmagazin „Challenges“ in Bezug auf François Pinault (zugegebenermaßen hält LVMH unter der Leitung von Bernard Arnault vierzig Prozent des Kapitals des Magazins, und die Rivalität zwischen den beiden Männern ist bekannt). Im Titel des Artikels wurde ein anderer Begriff verwendet: der „Pate der zeitgenössischen Kunst“, den jeder nach Belieben interpretieren kann. Von Heinrich VIII. bis Pinault – oder die Wandlungen der Macht.
