Die Fondation Cartier für zeitgenössische Kunst in Paris zeigt noch bis einschließlich Sonntag, den 16. März 2025, eine großartige Retrospektive, die Olga de Amaral gewidmet ist, einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der kolumbianischen zeitgenössischen Kunst und Pionierin der Fiber Art. Mit ihren skulpturalen Webarbeiten hinterfragt Olga de Amaral unser Verhältnis zu Erinnerung, Materialität und Licht und präsentiert ein Werk, das die Grenzen von Zeit und Disziplinen völlig überschreitet.
Diese groß angelegte Ausstellung vereint 80 Werke, die zwischen den 1960er Jahren und 2024 entstanden sind; einige davon werden zum ersten Mal außerhalb Kolumbiens, dem Heimatland der Künstlerin, gezeigt. Mit dieser bemerkenswerten Präsentation hat die Fondation Cartier den bedeutenden Werdegang einer Künstlerin gebührend gewürdigt, der es gelungen ist, die Textilkunst neu zu erfinden, indem sie diese an die Schnittstelle von Malerei, Skulptur und Architektur führte und sich dabei auf traditionelles handwerkliches Können stützte. Es handelt sich um einen Werdegang zwischen Modernismus und traditioneller Handwerkskunst.
Olga de Amaral wurde 1932 in Bogotá geboren und studierte zunächst Architektur – ein Fachgebiet, das später ihre Sichtweise auf Raum und Volumen prägen sollte. Schon sehr früh fühlte sie sich von Materialien, Texturen und dreidimensionalen Strukturen angezogen. In den Vereinigten Staaten, an der Cranbrook Academy in Michigan, entdeckte sie unter der Leitung von Marianne Strengell – einer finnisch-amerikanischen Künstlerin und Symbolfigur des modernistischen Textildesigns, insbesondere für Automobiltextilien – die Kunst des Webens. Diese Begegnung markiert einen echten Wendepunkt in Amarals künstlerischem Ansatz, der die Prinzipien der westlichen Moderne mit dem überlieferten Erbe präkolumbianischer Kulturen verbindet. Diese Kulturen und ihre besondere Sakralität spiegeln sich in jedem der in der Fondation Cartier ausgestellten Werke wider, insbesondere im Untergeschoss. Manchmal fragt man sich, ob es sich bei einigen der vollendeten Webarbeiten um archäologische Funde handelt. Spätestens wenn man die verwendeten Materialien betrachtet, insbesondere die zarten Streifen aus Polyethylen, wird klar, dass es sich um zeitgenössische Kunst handelt.
Gleich nach ihrer Rückkehr nach Kolumbien nach ihrem Studium in den Vereinigten Staaten begann Olga de Amaral, sich mit Textilien auseinanderzusetzen, wobei sie das Weben zu einem zugleich skulpturalen und malerischen Medium machte. Ihre Werke sind nicht bloß Webstoffe – sie werden zu organischen Flächen, zu leuchtenden und sinnlichen Landschaften, die mit allem um sie herum in Dialog treten, dem Raum und der Körperlichkeit der Besucher – ich würde sagen, es handelt sich fast um eine Alchemie zwischen den Materialien, dem Raum und dem Licht. Die Besucher sehen sich mit dem Kostbaren und dem Geheimnisvollen konfrontiert.
Einer der faszinierendsten Aspekte von Olga de Amarals Werk ist ihr Experimentieren mit Materialien. Sie verwendet vielfältige Materialien wie Leinen, Baumwolle, Pferdehaar, Gesso, Kunststoff sowie Blattgold und spielt mit all diesen Texturen und ihren Reflexen, um ihren Werken Bewegungen zu verleihen, die den mystischen Vorstellungen von der Welt und ihren Wellenbewegungen sowie ihrer Rotation entsprechen.
Olga de Amaral verwendet Blattgold und Blattsilber, die sie in ihre Webarbeiten einarbeitet – ein Verfahren, das ihren Kreationen einen sakralen und fast spirituellen Charakter verleiht. Diese Technik erinnert an die Traditionen der präkolumbianischen Goldschmiedekunst, beispielsweise an die Bräuche der Muisca- und Quimbaya-Kulturen, die bis ins 6. Jahrhundert zurückreichen, im 17. Jahrhundert verschwanden und für ihre in heiligen Ritualen verwendeten Goldfiguren berühmt waren. Durch die Verwendung von Gold und Silber scheint Olga de Amaral nicht nur danach zu streben, ihre Werke zu verschönern, sondern ihnen eine symbolische Bedeutung zu verleihen, die auf die Existenz einer angestammten Kultur verweist, die für den Verlauf der Zivilisationsgeschichte von wesentlicher und großer Bedeutung ist.
Die 1996 entstandenen „Estelas“ (Sterne) zeichnen sich durch ihre Seriencharakteristik und die Einarbeitung von Blattgold aus, was an Kintsugi erinnert – eine japanische Technik zur Reparatur und Verschönerung von Keramik. Diese Werke wirken wie leuchtende Stelen, die mit dem Licht spielen und den Raum in eine Konstellation verwandeln. Es handelt sich nicht um dekorative Objekte, sondern sie können eine Art Tor zu anderen Dimensionen darstellen, zur Geschichte oder zum Ahnengedächtnis.
Andere Serien, wie beispielsweise „Brumas“ (Nebel), die 2013 ins Leben gerufen wurde, erkunden einen eher luftigen Ansatz des Webens. Die geometrischen Muster, die in mehreren Schichten direkt auf die Baumwollfäden gemalt werden, schaffen fast schwebende Kompositionen; der Blick verliert sich in einer Komposition aus Bewegung und Transparenz. Diese Serie weckt Erinnerungen an wolkenverhangene Berglandschaften – eine Anspielung auf die kolumbianischen Anden mit ihrem spektakulären Nebel und ihren leuchtenden Reflexen.
Das Werk von Olga de Amaral ist in einen größeren Kontext eingebettet, nämlich in die Entwicklung der Kunst in Kolumbien im Laufe des 20. Jahrhunderts. Die kolumbianische Kunstszene, die lange Zeit von der figurativen Kunst der mexikanischen Wandmaler inspiriert und geprägt war, erfand sich ab den 1950er Jahren neu. Dabei ging es um eine Hinwendung zur Abstraktion und zu plastischen Experimenten. Olga de Amaral gehört zu jener Generation kolumbianischer Künstler, die – wie Fernando Botero oder auch Edgar Negret – Verbindungen zwischen internationalen Einflüssen und lokalen Traditionen herstellten. Sie gehört der Bewegung „Los Once“ an, jener Künstlergruppe, die in den 1950er- und 1960er-Jahren die radikale Abstraktion gegen den Akademismus verteidigte. Was ihr Werk jedoch auszeichnet, ist die handwerkliche Bearbeitung des Textils. Sie bewahrt die Materialität der Stoffe sowie die Verbindungen zu traditionellem und überliefertem Know-how. Sie bewahrt sie und erfindet sie zugleich neu, verortet sie in einer unbestreitbaren Universalität und Modernität. Sie steht im Gegensatz zur Polin Magdalena Abakanowicz, die ebenfalls gewebte und geknüpfte Skulpturen schuf – monumentale, formal meisterhafte Werke, jedoch mit dem direkten Anspruch auf freie Meinungsäußerung. De Amaral hingegen bleibt eher formal und bewahrt die Geheimnisse hinsichtlich der Botschaften oder der erzählten Geschichten.
Die in der Fondation Cartier in Paris konzipierte Ausstellung bietet eine besondere Gelegenheit, sich von der vorherrschenden Tristesse und den zunehmend beunruhigenden Echos zu lösen und in das fesselnde Universum von Olga de Amaral einzutauchen. Die von der Architektin Lina Ghotmeh entworfene Ausstellungsgestaltung nimmt den Besucher mit auf eine sinnliche und intellektuelle Reise, bei der das Zusammenspiel von Material und Licht in den Vordergrund gerückt wird, und regt gleichzeitig zum Nachdenken darüber an, was von den alten Kulturen übrig geblieben ist, die unsere Zivilisationen geprägt haben, die jedoch von Eindringlingen abgelehnt und oft brutal zerstört wurden und dennoch ihre Nachkommen faszinieren.
Die Anordnung der Werke im Raum ermöglicht ein Eintauchen, bei dem der Besucher fast zum Mitwirkenden wird und dazu eingeladen ist, zwischen vibrierenden, leuchtenden oder undurchsichtigen Flächen umherzuschlendern, die in ständigem Dialog mit den Formen, der Universalität, der Geschichte, aber auch der Natur und dem Heiligen stehen. Diese Retrospektive unterstreicht nicht nur die Bedeutung von Olga de Amaral in der Geschichte der Textilkunst, sondern ganz konkret auch in der internationalen zeitgenössischen Kunst. Sie ist eine zentrale Figur für das Verständnis der Entwicklung der Kunst in Kolumbien, aber auch weltweit. Ihr Werk, das sich zwischen Moderne und Tradition bewegt, fließt weiterhin in die Forschungen und Experimente der neuen Künstlergenerationen ein und bestätigt auf diese Weise den einzigartigen Platz, den sie in der zeitgenössischen Kunstszene einnimmt.
