Kein Zweifel, es wird sicherlich Institutionen geben, die dem Centre Pompidou-Metz neidisch sind. Kaum hatte es für die Ausstellung, die mit Werken des Italieners Maurizio Cattelan gespickt ist, aus den Beständen des Mutterhauses nach Herzenslust schöpfen können, da geht es schon in eine außergewöhnliche Zusammenarbeit mit dem Louvre. Seine Direktorin Chiara Parisi und der Pariser Berater für zeitgenössische Programme, Donation Grau, haben nämlich rund hundert Künstler eingeladen, sich aus den Sammlungen des Louvre ein Werk auszusuchen und sich eine Kopie davon vorzustellen. Der Schwerpunkt liegt dabei auf Fantasie, Kreativität und somit Originalität, während der Begriff „Kopie“ – selbst für Kopisten vor den Meisterwerken eines Museums, geschweige denn für die Unbegabten – eher eine einfache Reproduktion suggeriert (die in längst vergangenen Zeiten für die Verbreitung der Kunst nützlich war). Das „Kopieren und Einfügen“ von einst.
Die Moderne (um es kurz und bündig zu sagen) stand der Nachahmung ablehnend und feindselig gegenüber. Takesada Matsutani von der japanischen Avantgarde-Bewegung Gutai, der die Nachahmung rundweg ablehnte, ist in der sogenannten „Copistes“-Ausstellung vertreten, wobei man sich an eine Bezeichnung erinnert hat, die er in den 1980er Jahren oft verwendete: „Propagation“, „ein neues Wesen hervorbringen…“. Der Begriff „Aneignung“ würde ebenso gut passen, oder man könnte sagen, dass diese Künstler, ganz wie die Bienen, dazu berufen waren, ihren Honig aus den Werken des Louvre zu gewinnen.
Pierre Buraglio ist in der Ausstellung nicht vertreten, obwohl er in einem Großteil seines Schaffens „nach … rund um … mit …“ vorgeht, dies jedoch mit einem eher analytischen Ansatz tut. Während sich in Galerie 3 in Metz Künstler unterschiedlichster Herkunft, verschiedener Stilrichtungen und mit unterschiedlichen Ansätzen nach Herzenslust dem Arrangieren, Anpassen und Umdeuten hingeben. Ah, vielleicht ist das der Grund, warum unsere Vorlieben denen gelten, die mit den wenigsten Worten am meisten sagen – wie zum Beispiel Christodoulos Panayiotous hübscher Trick gleich am Eingang der Ausstellung mit „Expressément“, Gouache und Aquarell auf Leinwand, auf der eine Seite aus Delacroix’ Testament befestigt ist. Oder weiter hinten ein schönes Beispiel für Schlichtheit und Strenge: die Terrakotta-Skulptur eines „Orant“ aus der Ur-Kultur von Antony Gormley, deren Selbstverständlichkeit dennoch nicht frei von Geheimnis ist.
Das war zu erwarten. Es gibt Werke im Louvre, von Künstlern der Vergangenheit, die schon so manchen angezogen haben. Und warum sollte man Delacroix, seiner „Freiheit“, oder Géricault, seinem „Floß“, natürlich der „Mona Lisa“, der „Nike von Samothrake“ und vielen anderen entgehen? Erstaunlicher ist es, dass drei „ Nachahmer“ sich von dem Marmor eines schlafenden Hermaphroditen aus der Zeit um 100–150 inspirieren ließen, darunter eben Matsutani oder Jeff Koons, der ihn mit Glaskugeln versieht, die alles um sich herum widerspiegeln. Hier präsentiert sich das ursprüngliche Werk dennoch weiterhin so, wie es ist; an anderen Orten hingegen – oft, ja sogar immer (abgesehen von den vollkommen bekannten Fällen) – kann es nützlich sein, die Ausstellung mit dem Katalog in der Hand zu durchstreifen, in dem die Ausgangspunkte abgebildet sind, so verbindet man auf diese Weise einen sehr abwechslungsreichen Rundgang durch den Louvre mit dem Besuch der „Copistes“. Und die spektakuläre Seite der Ausstellung wird dadurch nur noch stärker betont.
So wie die eingeladenen Künstler – von den berühmtesten bis hin zu denen, die man erst kennenlernt – ihre Auswahl aus den Sammlungen des Louvre treffen konnten und man ihre Unentschlossenheit manchmal erahnen oder erraten kann, so werden auch die Besucher der Ausstellung „Les Copistes“ durch die Säle schlendern – vielleicht nur, um sich dem rasanten Rhythmus der Aneignungen oder Weiterverbreitungen, ihrer Zerstreuung und ihrer Zersplitterung hinzugeben, um am Ende zu bestimmten Werken zurückzukehren und dort verweilen. Dies kann sowohl vom Original als auch von der Kopie abhängen, von der Entfremdung, die man als besonders fesselnd oder bereichernd empfindet.
Bleiben wir noch einmal bei Eugène Delacroix: Wie Agnès Thurnauer die symbolträchtigen Figuren der Freiheit zwischen den Zeilen eines Romans von Monique Wittig, „Les Guérillères“, aus dem Jahr 1969, zum Leben erweckt, der Zeitpunkt ist wichtig, ein Moment des Kampfes an sich; damals wurde er als feministische Utopie oder als Epos nach dem Vorbild der Amazonen wahrgenommen ; wie Bertrand Lavier seinerseits dasselbe Gemälde auf die darin abgebildeten Gegenstände reduziert – Bajonettgewehr, Pistole, Fahne –, es bleibt eine Struktur, eine Materialität. Und wir verabschieden uns von den „Copistes“ mit einer weiteren weiblichen Figur, die ebenfalls von Delacroix entlehnt ist, „Junge Waise auf dem Friedhof“: Bei dem Maler des 19. Jahrhunderts ist sie isoliert in einem gekonnt gestalteten Bildraum platziert, bei Djamel Tatah hingegen – und man wird weder ihren Gesichtsausdruck noch ihren Blick in die Ferne jemals vergessen.
