Mit Ausnahme von genau zwei Gemälden umfasst die Ausstellung ausschließlich Werke, die Tiere darstellen. Die einen sind in den Käfigen der Zoos gefangen; die anderen, im letzten Teil der Ausstellung, der Aillauds Reise nach Kenia im Winter 1998 gewidmet ist, leben frei in den weiten Weiten der afrikanischen Savanne. Das sagt jedoch viel aus, sowohl über die Menschen als auch über die Tiere, ganz im Sinne des Engagements von Gilles Aillaud, der 1928 geboren wurde und in den sechziger Jahren im richtigen Alter war – und genau dorthin muss man zurückgehen, um dem Künstler seine wahre Bedeutung zu verleihen. Insbesondere auf seine Freundschaft mit Arroyo und Recalcati, ihre gemeinsamen Werke, auf seinen Vorsitz beim „Salon de la jeune peinture“ sowie auf seinen Beitrag zu den Slogans und Plakaten des Mai ’68. Ja, dort liegen die Wurzeln von Gilles Aillaud, der die Philosophie aufgab, nachdem er in der mündlichen Prüfung in der Rue d’Ulm durchgefallen war, um sich endgültig der Malerei zu widmen.
Das Gemälde ist nicht in der Ausstellung im Centre Pompidou zu sehen, aber der Kurator Didier Ottinger hat es in seinem hervorragenden Text erwähnt. Es stammt aus den Jahren 1964–1965 und stellt den Menschen dem Tier gegenüber, wodurch die Subjektivität der drei Künstler in den Hintergrund tritt. Es trägt den Titel „Une passion dans le désert“ – ein vorausschauender Titel für Gilles Aillaud, der von einer damals wenig bekannten Novelle von Balzac ausgegangen war. Zwei Wesen, die sich ähneln, sei es auch nur durch das Fell der Robbe, das dem Schnurrbart des Mannes entspricht, und fortan – auch wenn er sich dagegen wehrt – das menschliche Dasein zu schildern, wenn er Tiere darstellt, die stets eingesperrt sind, wird man kaum zögern, die zeitgenössische Verbindung zu Foucault und seinem Werk „Überwachen und Strafen“ sowie zu Debord und seiner „Gesellschaft des Spektakels“ hervorzuheben.
Für den Besucher entsteht in dieser Ausstellung, die bis Februar 2024 zu sehen ist, also gewissermaßen ein Spiegeleffekt. Umso mehr, als die sehr raffinierte Inszenierung von Pauline Phelouzat den Besucher mal zu einer anderen Art der Begegnung einlädt – zum Beispiel mit nur einem Teil des riesigen Elefantenrüssels, der mit all seinen Falten eingefangen wurde, wobei die Gitterstäbe im Vordergrund in ihrer ganzen Starrheit hervortreten, mal zu einem umfassenderen Blick, bei dem man von einem Werk zum anderen wechselt und diese miteinander konfrontiert. Es kommt selten vor, dass man sich in einem Ausstellungsraum mit einem solchen Gefühl der Freiheit bewegt (im Gegensatz zur Gefangenschaft der Tiere), mit einer sehr luftigen Hängung von etwa vierzig Werken (zu denen eine umfangreiche Serie von Lithografien in einer Art Enklave hinzukommt).
Jedes der Bilder würde sich für Kommentare eignen – zur Haltung und zum Verhalten der Tiere. So auch bei diesem Elefanten, der hier als Halbfigur hinter einer beängstigenden Reihe von Nägeln dargestellt ist, die seine Bewegungsfreiheit einschränken. Oder diese apathischen Löwen: „ sein Blick ist vom Vorübergehen der Stäbe/ so müde geworden… “ (Rilke). Diese Papageien, denen nur ein paar Schwingbewegungen auf Holzstangen gestattet sind. Besonders hervorzuheben sind die großartigen Bildkompositionen von Gilles Aillaud, diese Art, wie er uns mit dem konfrontiert, was aus all diesen Bildern hervorgeht: eine fatale „Trennung“ des Menschen von seiner Umwelt, ein Bruch im Leben.
Sein Malstil wirkt entschlossen, als wolle er diese Feststellung, diese Verurteilung unterstreichen. In den Gemälden, die er von seiner Kenia-Reise mitbrachte, wird sein Stil leichter, mit fast impressionistischen Pinselstrichen. Die Tiere sind kaum noch zu erkennen, so sehr verschmelzen sie mit der Landschaft, so sehr gehen beide ineinander über. Aus Afrika brachte Aillaud auch den zweiten Band einer Enzyklopädie aller Tiere mit; nach dem Vorbild von Buffon wurde diese 1990 und 2000 um zwei weitere Bände erweitert.
Die beiden Bilder – darauf muss man noch einmal zurückkommen –, in denen in der Ausstellung keine Tiere vorkommen: Zum einen ist da in den Reisfeldern Vietnams ein gefangener amerikanischer Soldat, der von einer jungen Kämpferin bewacht wird, zum anderen zwei Bergleute, die eng in ihrer Kabine sitzen, die Gesichter vom Kohlenstaub geschwärzt. Sie stammen aus den Jahren 1968 und 1971 und sind Bilder des Kampfes, die noch deutlicher zum Ausdruck kommen.
