1 Achtung, lassen Sie sich nicht vom Titel der Ausstellung täuschen, die noch bis zum kommenden Mai in der Villa Vauban zu sehen ist: „Summer of ’69“ (und das auch noch auf Englisch). Man muss direkt zum Untertitel schauen, denn darin werden die beiden Künstlerinnen Berthe Lutgen und Misch Da Leiden genannt, deren Werke (die meisten davon entstanden nach dem angegebenen Datum) in fast allen Räumen ausgestellt sind. Nur der Eingangsraum, sozusagen als Einführung, führt zurück in die späten 60er Jahre, Jahre des Umbruchs, dessen Wellen bis in unser Land reichten. Aber von dort bis hin zu Begriffen wie Subversion oder Revolte – diese Wörter haben eine bestimmte Bedeutung – spricht Edmond Thill, dem wir einen fundierten Blick auf die betreffende Epoche verdanken, von Jahren des Protests, einer passenderen Bezeichnung.
Im Anschluss an die Mai-Unruhen, die erste auch nur ansatzweise rebellische Aktion, fand bereits im Oktober 1968 im Rahmen der Ausstellung des „Cercle artistique“ statt: das lebende Bild der (für diese Zeit charakteristischen) Arbeitsgruppe Kunst, in Badeanzügen an einem künstlich angelegten Strand mit Wiese, blauem Himmel und Sonne, Bäumen und Blumen. Die Pressemappe enthält ein sehr aussagekräftiges Foto: die Badegäste und ihnen gegenüber, anlässlich eines offiziellen Besuchs, drei oder vier Männer, darunter Minister Bodson, gut gekleidet in dunklen Anzügen, mit einem verlegenen Lächeln auf den Lippen. Bei unseren Nachbarn in Trier ging es noch radikaler zu, mit den jungen Künstlern unter der Leitung von Beuys, insbesondere Katharina Sieverding und Imi+Imi (Giese und Knoebel), die eine wenig wundersame Vervielfältigung des „Heiligen Rocks“ inszenierten.
„La Pétrusse“ und ihre „Ligne brisée“, „Prüm“ und sein „Salle électrique“ – weitere Veranstaltungen folgten, bevor die erste nicht-affirmative und kooperative Ausstellung zeitgenössischer Kunst der Gruppe „Initiative 69“ stattfand und die „GRAP“ (Forschungsgruppe für politische Kunst) gegründet wurde. Daneben gab es seit 1967 die Aktivitäten der „Granges de Consdorf“, die von politischen Meinungsverschiedenheiten geprägt waren, was schließlich zu Spaltungen und zur Auflösung der Gruppe führte.
2 In „Arden“, dem symbolischen Paradies von 1968, war Berthe Lutgen die einzige Frau – schon damals durfte man sich über den idyllischen Charakter nicht täuschen. Ihrerseits wurde die Ausstellung 1969 geradezu anklagend und fordernd, mit den fünf Gemälden von Frauenkörpern, deren Körperteile von Höschen bedeckt waren, von vorne und von hinten betrachtet, und in der Ausstellung standen zwischen den Bildern vier junge Frauen mit verschränkten Armen. Sie befinden sich nicht mehr in der Villa Vauban, doch die Gemälde haben nichts von ihrer Wirkung eingebüßt; sie sind übrigens in die Sammlung der Stadt Luxemburg übergegangen. Eingefasst von leuchtend roten Partien besitzen diese Frauenbilder jene Kraft, die zur Gründung der MLF führen sollte, die bereits damals eine Befreiung forderte.
Etwa zehn Jahre später hat die Serie die vertrauten Räumlichkeiten der BnL verlassen, hier sind die sechs Siebdrucke, Unikate, in denen Berthe Lutgens grafische Kreativität – die sich mit einer in der Werbung so abgedroschenen Kunstform spielt – einen kleinen Überblick über die Darstellung von Frauen gibt: ein Moment großer und schöner formaler Suche und Vielfalt im Dienste einer Sache, Momente, die mal berührend und bewegend, mal packend und eindringlich sind – es sind Bilder, die auf diese Weise wie Faustschläge wirken.
Man kennt den neueren Stil von Berthe Lutgen, wie er sich auf zwei Wänden eines Raums entfaltet: „Marche des femmes“ – über die Landesgrenzen hinaus, mit universeller Dimension. Am Ende steht ein Triptychon, das sie selbst als „historisch“ bezeichnet – als Zusammenfassung, als Essenz eines engagierten Lebens und einer engagierten Kunst. Für die Würde aller.
3 Da Misch Da Leiden seit langem in Düsseldorf lebt und arbeitet, kehrte er 2016 dennoch für eine Ausstellung im Schlassgoart in Esch-sur-Alzette in seine Heimat zurück. Diese Erinnerung ermöglicht es, solche Lücken in der Auswahl der Werke in der Villa Vauban zu schließen. Doch die Aufmerksamkeit wird dort zunächst von einem großformatigen Werk auf sich gezogen, zwei mal zwei Meter groß, in Form von drei Streifen, die wie Filmbilder gestaltet sind – etwa zehn etwas unscharfe Bilder – und am Ende ein Text sowie das Bild in Rot, auf dem zu lesen ist, dass in einer Fabrik gestreikt wird. Ein Filmstreifen zwar, doch die Realität ist fest in der Form selbst verankert: Fließbandarbeit, so lautet der Titel, und die Gesten sprechen Bände.
Andere Werke aus den 70er Jahren, wie beispielsweise ein Triptychon aus Polaroid-Bildern, hätten einen interessanten Vergleich mit Berthe Lutgen ermöglicht. Hier wird jedoch jeder Künstler für sich betrachtet. Und die Ausstellung legt für Misch Da Leiden den Schwerpunkt auf das, was zur Jahrhundertwende vorherrscht: Kompositionen, die den Bildraum öffnen, mit Überlagerungen und Verflechtungen. Das Ergebnis sind Kaleidoskope des modernen Lebens, insofern, als Fragmente davon zusammengetragen werden, Momentaufnahmen, die in einer Verschiebung miteinander verbunden werden, um eine neue, noch nie dagewesene Einheit zu bilden. „Multilaterale Figuration“, so bezeichnen es manche Kritiker, um das zu charakterisieren, was auch Züge der Montage aufweist.
4 Es sind zwei – man könnte sich fragen, ob man nicht noch einen dritten Mitstreiter hätte hinzufügen sollen. Er ist auf dem Foto von 1968 im Vordergrund rechts zu sehen. Marc Reckinger, wie man sich denken kann, hätte in diesem Zusammenhang keineswegs fehl am Platz gewirkt, ganz im Gegenteil. Durch sein unermüdliches Engagement, durch etwas anderes, das in einer Kunst des Protests wichtig ist: Wie kann man möglichst wirkungsvoll sein, wie findet man den passenden ästhetischen Ausdruck, der zur Botschaft passt (sobald man, sagen wir einmal, die Kunst um der Kunst willen verworfen hat).
Wo wir gerade bei dieser Rückblende auf eine längst vergangene Ära der Kunst in diesem Land sind: Alle sind durch die Galerie Horn gegangen, dort hatten sie oft ihre erste Ausstellung. Es ist höchste Zeit, Ernest Horn zu würdigen, dem Talentsucher und innovativen Galeristen, dem lediglich der Geschäftssinn fehlte.
