Künstler im Zeichen des Klimakollapses

Getreu der öko-ästhetischen Linie, die bei seiner Teilnahme an der letzten Ausgabe der Luxembourg Art Week vorgestellt wurde, präsentiert der Ausstellungsraum Octave Cowbell anlässlich seines zwanzigjährigen Bestehens eine bedeutende Auswahl von Künstlern, die sich im Zeitalter des Klimakollapses sowohl von der Natur inspirieren lassen als auch mit deren Zustand auseinandersetzen. Schon der Titel „La Tempête des échos“ lässt die poetische (neoromantische?) Ausrichtung der Ausstellung in Metz erahnen, die sich im Verlauf des Rundgangs weiterentwickelt. Ein einfühlsamer Ansatz, der sich beim Lesen der am Eingang ausgehändigten Broschüre bestätigt, die unter der Schirmherrschaft von Ursula K. Le Guin und ihrem „Temerer“-Zyklus steht und in der folgende Absichtserklärung zu finden ist: „&Kein Tag vergeht, ohne dass elementare Kräfte auftauchen, die das Leben tiefgreifend verändern. Zwischen Himmel und Erde tanzen die urzeitlichen und unbezähmbaren Drachen, die an eine Lebenskraft erinnern, die für das Gleichgewicht notwendig ist. Unser Haus ist das feine, atmungsaktive Netz einer kritischen Zone. An seiner Schwelle spüren wir die mächtigen Auswirkungen dieser ebenso faszinierenden wie tragischen Umwälzungen. Die manchmal gewaltigen Nachhallwirkungen und Folgen dieser Erscheinungen laden uns dazu ein, das Ausmaß unserer Existenz im Zeitmaßstab zu ermessen und demütig nach Wegen zu suchen, um Systeme des Zusammenspiels mit dem Lebendigen und dem Kosmos (wieder)zufinden. “

Der weitläufige Raum, in dem früher die Galerie „Faux Mouvement“ untergebracht war und der heute dem „Espace Octave Cowbell“ zur Verfügung steht, wird hervorragend genutzt und schafft durch die Zusammenführung sorgfältig inszenierter Kunstwerke Wechselwirkungen zwischen verschiedenen Elementen (Licht, Sand, Wasser, Pflanzen). „La Tempête des échos“ eröffnet die Ausstellung mit dem beeindruckenden „Chernobyl Herbarium“ (2011), dem Langzeitprojekt von Anaïs Tondeur, das in Zusammenarbeit mit dem Philosophen Michael Marder und dem Biogenetiker Martin Hajduch entstanden ist. Es handelt sich um mehr als dreißig fotografische Abzüge, die im Rayogramm-Verfahren entstanden sind, das den Vorteil hat, durch leuchtende Flecken eine radioaktive Kontamination sichtbar zu machen, die für das bloße Auge normalerweise nicht wahrnehmbar ist. Die verstrahlten Pflanzen, aus denen dieses Herbarium des Unglücks besteht, wurden von Martin Hajduch direkt am Ort der Atomkatastrophe vom 26. April 1986 gezüchtet. Durch diese materiellen Spuren wird die ökologische Tragödie darstellbar, denkbar, vorstellbar. Das lichtempfindliche Verfahren, für das sich Anaïs Tondeur entschieden hat, erinnert zudem an die Zeit der ersten Experimente mit lichtempfindlichen Materialien, als diese noch direkt durch Kontakt mit dem fotografierten Objekt durchgeführt wurden. Die Serie war seitdem Gegenstand bedeutender Publikationen, wie beispielsweise des Werks von Jean-Michel Durafour, das am Eingang eingesehen werden kann (Tchernobyliana. Ästhetik und Kosmologie des radioaktiven Zeitalters, 2021, Verlag Vrin).

Begeben wir uns mit den Gemälden der Südkoreanerin Yang Sémine auf eine Reise in die Weiten des Meeres – diesmal zu einem maritimen Thema. Die in Dijon lebende Künstlerin, die sich im Porträtieren von Menschen (und Tieren) ebenso geschickt zeigt wie in der Landschaftsmalerei, setzt sich hier mit den Unruhen der Wellen, der Gischt und dem unaufhörlichen Brandungsrauschen auseinander. Ein besonders schwieriges Motiv, das insofern absolut unmalerisch ist, als es sich ständig in Bewegung befindet. In Anlehnung an Courbet taucht Yang Sémine ihre Pinsel in das Innere der Wellen ein. Mit dem schelmischen „Candy Wave“ schafft sie ein riesiges „Bonbon“ in zuckersüßen Farben, bei dem man jedoch am unteren Bildrand die dichten Knoten der Wellen erkennt. Ihre nervösen, zufälligen und geschwungenen Formen heben sich dabei deutlich vom Hintergrund ab, der von brav geradlinigen Farbflächen dominiert wird. Der kraftvolle Pinselstrich der Malerin wirkt im Vergleich zu den beiden anderen in der Ausstellung gezeigten Gemälden, deren Farbpalette auf Schwarz und Weiß beschränkt ist (Doodle Waves I; Doodle Waves V), noch intensiver. Der spontane, energische, turbulente Pinselstrich nimmt nun den gesamten Bildraum ein; er wird zum eigentlichen Thema des Gemäldes, während das maritime Motiv eher als Vorwand dient, um der bildenden Künstlerin die Möglichkeit zu geben, sich körperlich zu engagieren. Die Kurven winden sich, verflechten sich und lösen sich dann allmählich in der Helligkeit der Gischt auf.

Nach dem radioaktiven Garten von Anaïs Tondeur und dem tobenden Meer von Yang Sémine ist es an der Zeit, den Blick zu den Sternen zu richten. Das große Mobile von Cécile Beau ist eine erste Einladung, den Blick gen Himmel zu richten. Dieser seltsame Baum trägt nämlich ungewöhnliche weiße Früchte, die im Laufe der Jahrzehnte in einem Bunker in der Normandie durch Verkalkung entstanden sind. Vor der Schließung dieses Gedenkortes entnahm Cécile Beau Stalaktiten von dessen Decke, die sie anschließend mithilfe ihres rotierenden Mobiles (Si Muove) in die Luft schwebend anbrachte. Die von Jingfang Hao und Lingjie Wang konzipierte Installation mit dem Titel „Gravity“ stellt eine weitere Möglichkeit dar, den Himmel zu erkunden. Auf dem Boden ist eine schmale Fläche aus gelbem Sand zu erkennen, in deren Mitte ein Magnet eine an einem Faden befestigte Nadel hält. Folgt man diesem Faden bis zu seinem gegenüberliegenden Ende, stößt das Auge auf eine geheimnisvolle Inschrift: „Gliese-667 C“, den Namen eines roten Zwergsterns. Auch die Künstlerin Sarah Nance greift bei ihrer Installation „Gastropod Pendulum“ auf die Aufhängung mit Fäden zurück. In der Wüste hat die junge Frau ein Ammonitenfossil gesammelt, das sie am Ende eines Silberfadens wie ein Pendel aufhängt – in einer für ihr Werk charakteristischen Mischung aus handwerklichen Artefakten und natürlichen Elementen. Zu dieser geologischen Präsenz fügt Sarah Nance ein japanisches Gedicht hinzu, das sie wunderschön im Rhythmus der Gezeiten vorträgt. Viele weitere Werke gibt es in der Ausstellung zu entdecken. Im gleichen hybriden Stil wie „Gastropod pendulum“ ist das experimentelle Video von Astrid de la Chapelle mit dem Titel „Masalangeray“ zu erwähnen, das auf einer impressionistischen und scheinbar repetitiven Montage verstreuter Elemente aus der Natur (Berge, Dampf, Korallen), aber auch aus dem Design, das Ganze veredelt durch das Schwarz-Weiß des 8-mm-Films. Carolina Fonseca und Kim Détraux laden ihrerseits zu einem gemeinsamen Mahl ein, das im Sitzen auf Augenhöhe mit den beiden Statuen genossen wird, die sie für diesen Anlass angefertigt haben und die sich gegenüber stehen (Substantielles). Drei Wochen lang ließen sie Gemüse mit einer Prise Salz in ihren Ton-Skulpturen gären. Das ist Kochkunst, die wieder modern wird.