Die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig wurde unter außergewöhnlichem politischem Druck eröffnet, was die Fachbesuchstage vor der Eröffnung für das breite Publikum zu einem turbulenten Marathon machte. Der Grund: die Rückkehr Russlands zur Biennale nach vierjährigem Ausschluss sowie die Präsenz des israelischen Pavillons. Nach dem Rücktritt der Jury, Protestbriefen, Drohungen bezüglich der europäischen Fördermittel und Boykottaufrufen heizte eine spektakuläre Aktion von Pussy Riot und Femen vor dem russischen Pavillon die Stimmung noch weiter an. Die vor diesen Pavillons postierten Polizisten erinnern daran, dass die internationale geopolitische Lage die Anwesenheit von Ländern im Krieg (deren Staatschefs vom Internationalen Strafgerichtshof wegen Verbrechen gegen die Menschlichkeit verfolgt werden) potenziell explosiv macht, auch im Bereich der Kunst. Die Spannung erreichte am vergangenen Freitag mit dem Streik und der Demonstration, die von der „Art not genocide alliance“ (Anga) organisiert wurden, ihren Höhepunkt. Mitarbeiter der Biennale, zahlreiche Künstler, Kuratoren und Kunstschaffende versammelten sich, um die Präsenz des israelischen Pavillons anzuprangern. Mehr als 2.000 Menschen marschierten unter den Slogans „Stop al Padiglione genocidio“ („Nein zum Völkermord-Pavillon“) oder „No art washing“.
Am Vorabend der Eröffnung für die Öffentlichkeit wurden mehrere Pavillons aus Protest und aus Solidarität geschlossen. Einige blieben den ganzen Tag über geschlossen (Österreich, Belgien, Niederlande, Japan, Korea), andere schlossen ab 16 Uhr ihre Pforten (Frankreich, Polen, Libanon, Großbritannien, Ägypten, Finnland). Auch der luxemburgische Pavillon schloss sich dieser Aktion an, ohne dabei jedoch speziell Israel ins Visier zu nehmen. „Diese vorübergehende Schließung ist eine Geste der Solidarität mit Künstler*innen und Kulturschaffenden auf der ganzen Welt, die unter Bedingungen der Unterdrückung, Zensur oder Unterdrückung ihrer Stimme leben und arbeiten“, war im Pavillon zu lesen. An anderen Orten zierten die Farben der palästinensischen Flagge Flugblätter, Plakate und Slogans, die an das Drama erinnerten, das sich in Gaza und im Westjordanland abspielt.
Diese Aufregung, die eine seltene Intensität erreicht, lässt die ewige Debatte über das Verhältnis zwischen Kunst und Politik wieder aufleben. Aline Bouvy (geb. 1974 in Brüssel), die Künstlerin, die Luxemburg vertritt, geht darauf nicht direkt ein. „Ich denke, dass jede persönliche Entscheidung politisch ist. Wahre Politik ist die, die jeder von uns täglich durch seine persönlichen Entscheidungen betreibt“, meint sie. Ihr künstlerisches Schaffen vermeidet jede wörtliche, illustrative oder militante Darstellung und beschreitet stattdessen Umwege, um ihre Aussage zu formulieren: eine Übung in künstlerischer Freiheit, die sich einer Anpassung an gesellschaftliche Erwartungen verweigert. „Keine Angst davor zu haben, die Dinge so zu tun, wie ich sie tun möchte. Die Darstellung so weit zu treiben, dass sie fast schon problematisch wird, damit sich der Betrachter oder die Betrachterin hineinversetzen und seine oder ihre eigenen Gefühle hinterfragen kann.“
Aline, die Außerirdische
Welche Bedeutung hat dann ihre Installation „La Merde“, ihr bislang neuestes Werk? Der Titel spricht für sich: Aline Bouvy lenkt die Aufmerksamkeit auf etwas zutiefst Alltägliches, Gewöhnliches und Universelles, das dennoch verborgen bleibt, ja sogar als beschämend empfunden wird: das, was wir ausscheiden, wenn wir die Toilettenspülung betätigen. „Früher diente der Kot in der Landwirtschaft als Dünger, der neue Fruchtbarkeit ermöglichte; heute wird er unsichtbar gemacht: technisch kontrolliert, räumlich entfernt, kulturell tabuisiert“, betont Stilbé Schroeder, Kuratorin der Ausstellung.
Im ersten Stock der „Sale d’Armi“ im Arsenale, zwischen den Backsteinwänden und den massiven Deckenbalken, bildet das Herzstück des luxemburgischen Pavillons einen halbkreisförmigen Vorführraum, in dem die Besucher auf Klappstühlen Platz nehmen. Bevor sie diesen betreten, begegnen sie ihrem Spiegelbild in einem Zerrspiegel und entdecken eine Skulptur, die an E.T. erinnert, die von Steven Spielberg erdachte Kreatur. Vom Alien zu seinem Anagramm Aline ist es nur ein kleiner Schritt, den der Künstler vollzieht, indem er seine eigene Gestalt mit der des kleinen Wesens verschmilzt. Aus „E.T. The Extra-Terrestrial“ wird „E.T. The Excremential“ – so lautet der Titel dieser Skulptur.
In einer Endlosschleife ohne Anfang und Ende begleitet der Film „La Merde“ 34 Minuten lang eine Frau in Form eines Haufens in verschiedenen Momenten ihres Lebens und durch unterschiedliche filmische Formen. „Diese Figur taucht wie ein Haar in der Suppe auf und sorgt für einen Bruch im Alltag. Durch diese Figur, deren Anwesenheit niemand in Frage zu stellen scheint, werden wir mit uns selbst, unseren Ängsten und unserem Unbehagen konfrontiert“, beschreibt der Künstler. So durchlebt der Scheiß groteske, pathetische, ironische oder zärtliche Momente, die die Mechanismen der Ablehnung und deren Grenzen offenbaren. Mal ist sie eine Marionette, die als Lehrmittel in einem Hygienekurs für Kinder dient, mal als Videospielfigur, die von Reinigungskräften gejagt wird, mal als einfache 2D-Zeichnung, die in einer Straßenbahn herumgeschubst wird, mal unsichtbar und in einer Kläranlage versunken, mal abstrakt und klangvoll in einem Plastikbehälter – am Ende bleibt sie als Spur auf dem Boden zurück, die von einem Hund abgeleckt wird. Doch die stärksten Momente des Films sind jene, die mit Schauspielern unter „echten Filmbedingungen“ gedreht wurden. In einer Bar trifft die Scheiße (verkörpert von der Schauspielerin Lucie Debay, die in eine Prothese gezwängt ist, die nur ihre Augen und ihren Mund sichtbar lässt) Freunde wieder und lernt eine Frau kennen. Zwischen den beiden entsteht auf recht bewegende Weise ein Wechselspiel zwischen Ekel und Begierde.
In der eindrucksvollsten Szene wird der Kot einem Publikum gegenübergestellt, das sich zu einer öffentlichen Performance versammelt hat. „Ich habe mich an ‚Identification/Projection‘ orientiert, einer der letzten Performances von Dan Graham aus dem Jahr 1977, die er nicht selbst durchgeführt, sondern von einer jungen Frau aufführen ließ. Er wies sie an, Personen aus dem Publikum auszuwählen, die sie attraktiv fand, und diese Anziehungskraft zu beschreiben “, erklärt Aline Bouvy. Die Scheiße richtet sich an den Saal (die Zuschauer werden von Künstlern und Ausstellungskuratoren gespielt), flirtet mit einigen und löst bei den einen Unbehagen, bei den anderen eine verstörte Faszination aus. Als sie ihre Erregung nicht mehr zurückhalten kann, schwitzt ihr Körper, brodelt, eine braune Flüssigkeit spritzt heraus und bespritzt die angewidert zuschauenden Zuschauer. Die Performance gleitet nach und nach in Koprophilie ab, während die Figur ihre Äußerungen erotisiert. Die Besucher des Pavillons sitzen auf denselben Stühlen, in derselben Anzahl und Position wie die auf der Leinwand, und sind sozusagen der Spiegel dessen, was sich im Film abspielt. Sie werden zwar nicht physisch bespritzt, doch das verlegene Lachen, die überraschten Ausrufe und die angewidertem Gesichtsausdrücke passen perfekt zu dem, was gefilmt wird.
„Ein kollektives Abführmittel“
Letztendlich ist „La Merde“ kein provokatives oder sinnloses Experiment. Das komplexe und nuancierte Werk berührt die Zuschauer in ihrem tiefsten Innersten. Der Film rückt das in den Vordergrund, was normalerweise verschwiegen oder verborgen wird, um Diskussionen anzuregen und Emotionen zu wecken. „Ich nehme mir die Freiheit, bestimmte Normen oder Vorstellungen ins Wanken zu bringen und gesellschaftliche Strukturen sowie Machtmechanismen zu hinterfragen“, erklärt die Künstlerin. So untersucht der Film Scham als soziales Konstrukt und die Art und Weise, wie der Mensch eingestuft, toleriert, unterdrückt oder disqualifiziert wird. Er wird zudem zu einer Reflexion über Verdrängung und über die Mechanismen, durch die eine Gesellschaft den Blick von sich selbst abwendet. Um die bittere Pille besser schluckbar zu machen, bedient sich der Künstler einer gewissen Form von Humor, jenem von Selbstironie geprägten Surrealismus, der in Belgien, dem Herkunftsland des Künstlers, gepflegt wird.
Die ästhetische und klangliche Qualität der Installation verstärkt die Wirkung des Projekts noch weiter. „Wir wollten einen LED-Bildschirm, für den der Raum nicht abgedunkelt werden muss, sowie eine räumliche Klanggestaltung, um eine verkörperte, lebendige und quasi autonome Einheit zu schaffen“, erklärt die Kuratorin Stilbé Schroeder. Der Ton nimmt somit eine zentrale Rolle ein und versetzt das Publikum mitten ins Geschehen. Seufzer, Zähneknirschen, Verdauungsgeräusche, klebrige Substanzen, platzende Blasen: Eine ganze organische Textur durchdringt den Raum.
Für Aline Bouvy lässt sich dieses Projekt auch aus feministischer Perspektive betrachten: „Frauen müssen mit den meisten Körperflüssigkeiten zurechtkommen, aber das darf man ihnen nicht ansehen. Ihr Körper muss versiegelt, gepanzert sein. Dabei quillt es in Wirklichkeit von allen Seiten über. “ Sie weitet die Metapher auf die gesamte Gesellschaft aus : „ Ich betrachte den Film als ein kollektives Abführmittel. Er soll dazu beitragen, die Schleusen zu öffnen, in einer Zeit, in der wir alle ein wenig verkrampft, festgefahren und durch gesellschaftliche Spannungen und politische Blockaden behindert sind. “
Exkremente und Abfälle – seien sie materieller, emotionaler oder symbolischer Natur – sind ein starker Träger subversiver Energie. Ein Aspekt, auf den die internationale Presse ausführlich hingewiesen hat, indem sie den luxemburgischen Pavillon mehrfach mit dem österreichischen Pavillon von Florentina Holzinger in Verbindung brachte, in dem Urin, Toiletten und ein Geruch nach Abwasser eine herausragende Rolle spielen. „Diese Toiletten in Venedig bringen die Kunstwelt zum Spülen“, titelte die New York Times. Der Guardian fügt hinzu: „Glücklicherweise war Geruch kein Bestandteil von Aline Bouvys fäkalem luxemburgischem Pavillon mit dem Titel ‚La Merde‘.“
Allgemeiner betrachtet beschäftigt sich die Kunst schon seit langem mit der Skatologie. Man denke an die „Cloaca“-Maschinen von Wim Delvoye, die bereits mehrfach im Mudam und im Casino Luxembourg ausgestellt wurden. Das Begleitbuch zur Ausstellung „La Merde“ wird zu einer Art Anthologie von Werken, die Fäkalien symbolisch oder ganz konkret thematisiert haben. Darin sind gut hundert Bilder aus allen Epochen versammelt. „Es ist ein Thema, das sich durch die gesamte Kunst zieht, von populären Karikaturen aus der Zeit der Französischen Revolution bis hin zu zeitgenössischen Künstlern wie dem britischen Künstlerduo Gilbert & George, über Toulouse-Lautrec, Joan Miró und natürlich Piero Manzonis ‚Merda d’artista‘“, erklärt Stilbé Schroeder. Hinter dem luxemburgischen Pavillon verbirgt sich somit eine lange Tradition der Grenzüberschreitung, als ob das menschliche Dasein im Grunde genommen doch eine zutiefst beschissene Angelegenheit bliebe.
Künstlerischer Werdegang
In mehreren Interviews erzählt Aline Bouvy, dass sie nicht in einem kulturellen Umfeld aufgewachsen ist. Sie ist der Ansicht, dass ihre ersten ästhetischen Erfahrungen ihr durch ihre beiden Großmütter vermittelt wurden, die beide als Putzfrauen in Brüssel arbeiteten. Die eine nahm sie mit in die bürgerlichen Häuser, in denen sie arbeitete und in denen es zahlreiche Bücher und Kunstwerke gab. Die andere führte sie an das Basteln und das handwerkliche Gestalten heran. Sie erzählt auch von ihrer ersten Jugendliebe, einem Jungen, der sich mit Bildhauerei beschäftigte und ihr die zeitgenössische Kunst näherbrachte. „Er erzählte mir von Bruce Nauman, ich tat so, als wüsste ich, wer das war, und suchte dann in der Bibliothek nach Informationen. Da wusste ich, dass es genau das war, was ich machen wollte.“ Sie studierte an der École de Recherche Graphique (ERG) in Brüssel und an der Jan van Eyck Academie in Maastricht. Zwischen 2000 und 2013 arbeitete sie im Duo mit ihrem Partner John Gillis.
In jüngster Zeit wurden ihre Arbeiten im Triangle-Astérides in Marseille (2024), in der Kunsthal Gent in Gent (2021), im New Space in Lüttich (2020) und im Künstlerhaus Bethanien in Berlin (2019) ausgestellt. Ihr künstlerischer Ansatz hinterfragt Körper, Räume und Normen aus einer feministischen Perspektive, die Konventionen bewusst auf den Kopf stellt. So sind beispielsweise in „Cruising Bye“ im Grand-Hornu (2022) die Wände mit Flachreliefs verziert, die nackte Polizisten mit expliziten Geschlechtsmerkmalen darstellen. Im vergangenen Jahr erkundete „Hot Flashes“ im Casino Luxembourg untersuchte „Hot Flashes“ den Übergang von der Kindheit zum Erwachsenenalter und warf dabei einen kritischen Blick auf die Lebensabschnitte, die im Korsett erzieherischer, sozialer, moralischer, familiärer und politischer Normen gefangen sind, den Blicken anderer ausgesetzt sind und nur eine relative Freiheit genießen. In früheren Werken und Forschungsarbeiten hat sich Aline Bouvy bereits mit Ausscheidungen beschäftigt: Sie hat Gipsabgüsse aus Urin angefertigt, sich mit Urinalen (die auf den Kopf gestellt wie Vulven aussehen) oder Körperflüssigkeiten auseinandergesetzt.
In wenigen Wochen wird Aline Bouvy im Rahmen der 16. Ausgabe der Wanderbiennale Manifesta in Bochum ausstellen. Die Installation „La Merde“ wird Ende des Jahres im Salzburger Kunstverein zu sehen sein, der als Koproduzent der Ausstellung fungiert. Auch das Casino Luxembourg plant, den Film in den kommenden Monaten in seinen Räumlichkeiten zu zeigen.
