Das Museum ist in seiner Funktion als Ausstellungsort zweibeinig – oder, um uns von anthropomorphen Vorstellungen zu lösen, stützt sich auf zwei Säulen. Erstens eine Sammlung, aus der die Kuratoren nach Belieben schöpfen können – Bestände, in denen sich die Ankäufe im Laufe von Jahrzehnten oder noch länger angesammelt haben, je nach den Vorlieben der Verantwortlichen oder den aktuellen Trends. Andererseits – und beides schließt sich nicht gegenseitig aus – gibt es den Rückgriff auf Wechselausstellungen mit externen Beiträgen, die zu bestimmten Anlässen stattfinden. Und die Sammlung selbst kann Anlass für tiefgreifende Einsichten geben, wobei ein neuer Blickwinkel einen Perspektivwechsel bewirkt. Vor unseren Augen entfaltet sich dann eine andere Erzählung, eine Ausstellung, die im besten Fall stets eine Weiterentwicklung, eine Darlegung darstellt. „Collections/Revelations“ (auf Englisch, also ohne Akzente) verspricht eine neue Präsentation im Nationalmuseum für Archäologie, Geschichte und Kunst am Marché-aux-Poissons. Letztendlich ist es jedoch eher eine Enttäuschung, die durch zu viel Verwirrung hervorgerufen wird.
Dabei fängt es doch so gut an – mit der Weiße, der Reinheit und der wirbelnden Bewegung in „Shaping“ von Su-Mei Tse: eine Hand, die dem Material auf einer Töpferscheibe Gestalt verleiht. Ein schönes Einstiegsbild für einen Rundgang durch die bildende Kunst. Leider begibt sich der Besucher gleich danach auf einen schmalen, überladenen Gang, der mit recht großen Gemälden vollgestopft ist, ohne dass man Abstand gewinnen kann – man steht direkt davor. Es ist nicht nur diese Schwierigkeit der Wahrnehmung und des Erfassens; nur das Gemälde von Michel Majerus entgeht dem, vorausgesetzt, man entfernt sich in die Öffnung eines anderen Raums, um nicht nur den Pinselstrichen gegenüberzustehen, die in ihrem isolierten Schwung gefangen sind. Übrigens: Wie lässt sich dieses Gemälde von 1999 in diesem Gesamtkontext einordnen, beispielsweise neben Werken von Bissière und Jorn, zumal es zudem einen Kommentar zu den Auswirkungen des Zweiten Weltkriegs enthält? Der Ausstellungsabschnitt trägt den Titel „Chaos“, „eine Reflexion über das Gleichgewicht zwischen Ordnung und Unordnung“ (man sollte zu diesem Thema noch einmal Bergson lesen); vielleicht wollte man ihm damit eine aktuellere und zudem einheimischere Note verleihen.
Zwar konnten die begrüßenswerten Renovierungsarbeiten nichts an der Enge der Räume ändern. Doch glücklicherweise sieht es anderswo ganz anders aus, in den Sälen, in denen sowohl Besucher als auch Kunstwerke ausreichend Platz zum Atmen haben. Es ging um die Bezeichnung des Eingangs, um die ersten Schritte. Die Kuratoren haben sich für eine thematische Gliederung entschieden (was durchaus vertretbar ist), da eine chronologische Anordnung oft als Notlösung oder als bequemer Ausweg erscheinen kann, und wollen „Parallelen zwischen Werken unterschiedlicher Epochen und Gattungen ziehen“. Allerdings erweisen sich die gewählten Kategorien, die Klassen, in die die Werke eingeordnet werden sollen, als so allgemein, dass sie letztlich keine wirkliche Bedeutung mehr haben. Und viele Werke könnten problemlos von einem Saal in einen anderen wechseln. Urteilen Sie selbst: Auf „Chaos“ folgen „Faces“, „Nature“, „Shapes and Forms“ und schließlich „Colour“.
Man könnte fast sagen: Man könnte sich genauso gut an die Nomenklatur der Bildformate wie „Figur“, „Landschaft“ und „Seestück“ klammern. Niemand bestreitet die Rolle, die die Darstellung des Menschen in der Kunstgeschichte spielt, aber man müsste dann noch einen Schritt weiter gehen, und die bloße Gegenüberstellung beispielsweise von über ein Jahrhundert alten bürgerlichen Posen und verschwommenen oder faunartigen Gesichtern führt nirgendwohin. Gönnen wir dem zusammengewürfelten Ganzen aus Magrittes Gouache und dem (stark vergrößerten) Polyesterharz der Feipels und Bechameils jedoch einen Hauch von Humor. So wie bei der Bulldogge von François Pompon, die den Elefanten zu grüßen scheint, der sich auf dem Gemälde von Tina Gillen ganz oben auf dem Bauwerk aufrichtet (und man denkt an das Projekt eines großen Dickhäuters auf den Champs-Élysées, eine Idee Napoleons, bevor er sich für einen Triumphbogen entschied).
Am Ende befindet sich der Raum, der der Farbe gewidmet ist – der einzigen Farbe: Blau. So viele Blautöne. Allerdings zeigen die Gemälde von Aillaud und Monory – um nur diese zu nennen, dazu noch „Die Nacht der Epiphanie“ von Manessier wegen des Lichts – deutlich, dass es bei ihrem Thema keineswegs um den Einsatz einer bestimmten Farbe geht; und außerdem wäre es interessanter und für die Demonstration, die jede Ausstellung ja darstellt, lohnender gewesen, zu sehen, wie Künstler mit Harmonien und Dissonanzen spielen, dabei Mut beweisen und uns überraschen.
Auf dem Balkon in Cannes ist es dunkel, der Himmel ist nur ein wenig erhellt ; es ist ja auch Abenddämmerung. Die Rede ist von dem Gemälde von Picasso, das Sie nun in natura sehen werden, nachdem es aus Amerika zurückgekehrt ist (bei der Vernissage musste man sich mit einem Foto begnügen). Eine ziemlich unglaubliche Geschichte, diese Präsenz in der Sammlung des MNAHA. Das Gemälde, das 1999 von einer Schweizer Galerie für eine Ausstellung über die École de Paris ausgeliehen worden war, wurde beim Abnehmen beschädigt und für sechs Millionen Dollar gekauft. Nach der Restaurierung und nachdem es vom Staat dem Museum als Leihgabe überlassen worden war, versuchte der Minister für Haushalt und Finanzen vergeblich, es zu verkaufen – selbst zu einem niedrigeren Preis. Im Jahr 2014 wurde es schließlich in den Bestand aufgenommen. Zusammenfassend lässt sich also sagen, dass es immer aufschlussreich ist zu wissen, wann und wie ein Werk in die Sammlung gelangte – was ebenso sehr vom Kunstmarkt wie von solchen politischen Entscheidungen abhängt, abgesehen natürlich von der Wahl der Verantwortlichen. Als Sicherheitsvorkehrung dient dabei seine Unveräußerlichkeit.
