Ton- und Lichtinszenierung von Cerith Wyn Evans

Fast zwanzig Jahre nach seiner letzten großen Einzelausstellung im Musée d’art moderne in Paris kehrt Cerith Wyn Evans mit „Lueurs empruntées“ in Metz nach Frankreich zurück. Das Centre Pompidou-Metz hat zu diesem Anlass rund zwanzig Skulpturen sowie Licht- und Klanginstallationen des Künstlers zusammengestellt und dabei klugerweise auf lokales Know-how zurückgegriffen, beispielsweise auf „Les Pépinières de Metz“ oder die Kristallmanufaktur von Saint-Louis, um bestimmte Werke zu realisieren. Diese Verknüpfung von internationaler und regionaler Ebene ist mittlerweile zu einer festen Praxis dieser Institution geworden.

Cerith wurde 1958 in Wales geboren und ist der Sohn des renommierten Fotografen und Malers Sulwyn Evans. Nach einem Kunststudium Ende der 1970er Jahre an der Saint Martin’s School of Art (London) schloss er sich der britischen Underground-Szene an, in der sich eine rasante Erneuerung der Künste vollzog – vom Punk über den Tanz und das Theater bis hin zum Kino. Es ist roh, laut, schön und hässlich zugleich. Vor allem weckt es die Sinne und die Menschen. Cerith Wyn Evans begann seine Karriere im experimentellen Film als Assistent von Derek Jarman. Er wirkte an einigen seiner Werke mit, wie zum Beispiel dem großartigen „Caravaggio“ (1986), zweifellos das schönste Porträt, das dem Meister des Chiaroscuro gewidmet wurde. Ein beeindruckender Einstieg an einer der besten britischen Kunsthochschulen, der Evans’ Schaffen nachhaltig prägen sollte. Um sich davon zu überzeugen, genügt ein Blick auf seinen Kurzfilm „Degrees of Blindness“ (1988), in dem unter anderem Tilda Swinton und Michael Clark, ein bei Merce Cunningham ausgebildeter Punk- und Queer-Tänzer, mitwirken. In einem Magma aus Farben und Erfindungen, das ein breites Spektrum abdeckt – von den Fresken Masaccios bis hin zu Arcade-Spielen, nicht zu vergessen eine bis zum Äußersten getriebene Kunst des Make-ups und der Kostüme –, ist Jarmans Einfluss ganz deutlich spürbar. Man erkennt darin dieselbe Neigung zur Künstlichkeit, zur Exzentrik, zur Vermischung des Profanen mit dem Sakralen, während der Übergang vom Naturzustand zur Konsum- und Verbrauchsgesellschaft vollzogen wird, die von Flammen und der Hölle des Geldes beherrscht wird… Als visuelles Spektakel, das vom Motiv des Auges besessen ist, inszeniert Evans mit „Degrees of Blindness“ den postmodernen Karneval einer Epoche, die mit nichts anderem vergleichbar ist. Der Künstler hat auch an Musikvideos von Bands wie The Smiths oder Throbbing Gristle mitgewirkt.

Die 1990er Jahre sind geprägt vom Übergang zur Bildhauerei und zu Installationen, auch wenn das Kino – die Kunst der Bewegung und des Lichts – weiterhin präsent ist. So wie 2003 auf der Biennale in Venedig, als der walisische Künstler einen alten Projektor aus dem Zweiten Weltkrieg nutzte, um einen Lichtstrahl zu erzeugen, der zeitweise blinkte und Morsecode wiedergab. Die Faszination für das Unendliche, für die Transkodierung (die Übersetzung eines Signals in ein anderes) und für Lichtzustände steht im Mittelpunkt der Ausstellung im Centre Pompidou-Metz. Bereits im Forum, der großen Eingangshalle, in der monumentale Werke als Einführung in die Ausstellung angeordnet sind, versetzt uns Evans weit weg, Lichtjahre entfernt, insbesondere durch die Präsentation von zwei großen Amethysten, die in ihrem Inneren mit all ihren Kristallen schimmern. Neben diesen Zeugnissen einer unvordenklichen Zeit stehen Pflanzen in Plastiktöpfen, eine x-te Variation des Wintergartens des Künstlers, von dem bekannt ist, dass er ein begeisterter Anhänger von Marcel Broodthaers ist. Es handelt sich sowohl um eine Hommage als auch um eine Anspielung auf den belgischen Konzeptkünstler, dem wir 1974 „Un Jardin d’hiver“, bei dem die Ausstellung von Palmen mit einem Diskurs einherging, der darauf abzielte, das Museum zu einem Ort zu machen, der alles, was dort ausgestellt wird, seiner Lebenskraft beraubt – ganz im Sinne der Kolonialisierung und ihrer aus geplünderten Stücken bestehenden Sammlungen. Ein Beweis dafür ist, dass der walisische Künstler auf dem Dach des Forums ein Skelett aufgestellt hat, ein speziell für diesen Raum konzipiertes Werk, dessen Schatten sich doppelt auf dessen Wände spiegelt. Inmitten dieser Vegetation erstreckt sich das Werk mit dem Titel S=U=P=E=R=S=T=R=U=C=T=U=R=E (2010), zwei riesige dorische Säulen von über zehn Metern Höhe, die unbeleuchtet bleiben und somit zweckentfremdet sind. Da ihr jeglicher Gebrauchswert fehlt, präsentiert sich diese gewaltige Skulptur als Überbleibsel der westlichen Zivilisation.

In der Galerie 3, deren zwei Fensterfronten einen Panoramablick auf die Stadt bieten, werden diesmal weitere dorische Säulen beleuchtet. Unter ihrem neuen Titel „StarStarStar/Steer“ (2019) funkeln fünf Säulen abwechselnd und allmählich, wobei die Intensität wie bei einem Atemzug von völliger Dunkelheit bis zur Blendung variiert. Der Raum, in dem dieser Teil der Ausstellung stattfindet, gleicht einem Spiegelsaal: Alle Wände wurden mit Spiegeln verkleidet, in Anlehnung an die Buren-Ausstellung, die dort 2011 stattfand. Unweit dieser Säulen befinden sich die „Neon Forms“ (2015–2019), hängende Skulpturen aus Neonröhren. Im Gegensatz zu Lucio Fontana, der als Erster dieses Material einsetzte, verleiht Evans seinen Neonarbeiten Bewegung und übersetzt diese Lichtsprache in Gesten, die vom Nō-Theater inspiriert sind, wie etwa das Aufklappen eines Fächers. Einen ähnlich sensiblen Ansatz verfolgt er in seinen „Metz Drift“ (2021), in Anlehnung an die bläuliche Lichtfarbe, die man im Grand Est vorfindet. Eine weitere, seltsam anmutende Installation hat die Form eines Spinnennetzes; es handelt sich um „Composition for 37 Flutes“, für die Evans 2018 den Hepworth-Preis für Skulptur gewann. Von diesem eigenständigen Werk geht kein Licht aus; es funktioniert zirkulär in Wechselwirkung mit seiner Umgebung. Tatsächlich saugt ein Motor Luft aus dem Raum an. Diese strömt durch Rohre, an deren Enden sich Kristallflöten befinden. So wird die Luft zu Klang – nach einem Prinzip der Umwandlung von Elementen, das in den meisten Installationen von Evans zum Tragen kommt. So auch bei seinem Werk „Mantra“ (2016), einer Skulptur aus Kronleuchtern unterschiedlicher Größe. Ausgestattet mit elektronischen Verarbeitungsvorrichtungen interpretieren die Kronleuchter mittels intermittierender Lichtsignale die Aufnahme eines vom Künstler komponierten Klavierstücks neu. Ebenso verhält es sich mit „Sounding Felix“ (2022), einer Installation aus zusammengesetzten Elementen (gestapelte Stühle, Becken, Rettungsdecken), in die ein Vortrag des Psychoanalytikers Felix Guattari integriert ist, den dieser 1975 an der Universität Vincennes gehalten hat. So wie Musik auch aus Stille besteht, spielen bestimmte Skulpturen statt mit Licht mit der Transparenz von Oberflächen, wie etwa die Windschutzscheiben von PKWs und LKWs, die Evans mit einem Hammer zerschlagen hat, um beim Betrachter Wahrnehmungsverzerrungen hervorzurufen. In seinem ständigen Dialog mit anderen Künstlern greift der bildende Künstler in seiner Serie „Neon after Stella“ auf die „Black Paintings“ zurück, die Frank Stella Ende der 1950er Jahre schuf. Es handelt sich um große Lichtbilder, in denen das Negative zum Positiven wird, nach dem Vorbild der analogen Fotografie: „  Ich betrachte Stellas Originale als eine Art Partitur, die ich spiele, indem ich sie in ein anderes visuelles und räumliches Register übertrage “, bemerkt der bildende Künstler. Es handelt sich zweifellos um eine der gelungensten Installationen der Veranstaltung in Metz. Mit dem Vorteil für das Publikum, durch diese Lichtgemälde hindurchblicken zu können, als müsse man jedes Mal die Materie, den Träger, allein durch die Ausstrahlung des Lichts überwinden. Cerith Wyn Evans ist zweifellos ein großer Metaphysiker.