Es kommt selten vor, dass der erste Eindruck einer Ausstellung bereits die gesamte Bandbreite der Fragestellungen in sich trägt, und ebenso – da das eine die Voraussetzung für das andere ist –, dass die Werke in so strenger oder konsequenter Weise aufeinander eingehen, dass sie ein Ganzes bilden, aus dem nichts entfernt werden kann. Natürlich könnte man einwenden, dass ein Eindruck subjektiv bleibt. Versuchen wir es dennoch, und das betreffende Gefühl ist nicht unbedeutend. Es geht um Gelassenheit, um Frieden oder Ruhe ; dies liegt zum Teil an der Helligkeit der Galerie Nosbaum Reding, vor allem aber an der Anordnung der Werke und am Inhalt der meisten von ihnen. Mindestens sechs Fotografien aus einer Serie mit dem Titel „Rom“ zeigen zwar keine griechischen Meisterwerke, doch die Worte von Johann Joachim Winckelmann aus der Mitte des 18. Jahrhunderts drängen sich sofort auf: „Edle Einfalt, stille Größe“. Dies wären die Merkmale der klassischen Bildhauerei, und was für die Gruppe des Priesters Laokoon und seiner von Schlangen erwürgten Söhne gilt, trifft erst recht auf solche Kouros oder Korè, auf solche Porträts oder Torsos zu.
Diese Fotografien sind unregelmäßig an einer der Seiten des Raumes angeordnet und reihen sich an zwei alte Stühle im Empire-Stil an, die in der Luft schweben. Zwei weitere Fotografien derselben Serie zeigen eine Hand, die einen Granatapfel mit seinen Kerne aus makellos weißem Marmor reicht, sowie einen Weidenkorb, der mit Tannenzapfen gefüllt ist.
An anderer Stelle im Raum steht auf einem antiken Stuhl (man sagt uns, er sei Friedrich Schinkel zugeschrieben; wir bewegen uns hier definitiv nicht in denselben Jahrhunderten) eine Distel, auf einem Couchtisch stehen Keramiktöpfe. Zwei weitere Fotos: das eine zeigt zwei Hände, die etwas halten – vielleicht Reiskörner –, eine Handvoll Millionen Jahre; das andere lässt Morgenlicht durch die wehenden Vorhänge eines offenen Fensters herein. Auf einem Tisch liegen Porzellanblätter, man ahnt, für welche Palimpsest-Übungen sie bestimmt sind. Schließlich steht neben einer Wandinstallation aus einem mehr oder weniger kindlichen Universum deren Foto; ein zweites Foto stellt einen Text von wenigen Zeilen und eine Schöpfkelle aus Bambusholz nebeneinander.
Wie man sich denken kann, vereint die Ausstellung Elemente, die Teil einer Art Intimität sind, mit Gesten, die zur Kunstgeschichte gehören; sie bringt Zeiten, die weit voneinander entfernt sind, ja sogar Kontinente und Zivilisationen zusammen. Dies führt zu dem oben beschriebenen Effekt, den man in der antiken Philosophie mit den Worten „Gleichheit der Seelen“ bezeichnen würde.
Das wäre zu schön, zu einfach. Man muss genauer hinschauen. Angefangen bei den Unterschieden in den Aufhängehöhen, dann gibt es die Fotos der Skulpturen, von denen zwei gedreht wurden, mit dem Kopf zur Seite oder nach unten, ganz im Stil von Baselitz. Eine Anordnung, die Unordnung mit sich bringt, so gering sie auch sein mag, sowie ein Unbehagen, und die ursprüngliche Harmonie wird zudem noch leicht durch einen bräunlichen Streifen in Frage gestellt – das Zeichen des Wasserstands, der einst über die Ränder schwappte und nun zurückgegangen ist. Da wird einem bewusst, wie sehr die Werke zum Zeitpunkt der Überschwemmung des Ateliers in Gefahr waren und dass die Ausstellung eine Katharsis darstellt, eine reinigende und rettende Überwindung. Paradoxerweise beschwört Winckelmann die Tiefe eines ruhigen Meeres herauf, im Gegensatz zu einer aufgewühlten Oberfläche, während er in den Skulpturen Ausdrucksformen würdigt, die „bei allen Leidenschaften eine große und gesetzte Seele“ zeigen.
Dem aufmerksamen Besucher wird in der Ausstellung ein weiteres Detail auffallen. In den Keramiktöpfen entdeckt er geschmiedete Messingbuchstaben, die zwei Wörter bilden, dieselben auf Deutsch und Englisch: Macht, Power. Da ist die Kraft, die Gewalt der Natur, der Naturphänomene. Es ist jene Kraft, die im Menschen wohnt – ob angeboren oder erworben, spielt keine Rolle. Und von der man sich befreien muss, derer man sich jederzeit bewusst sein muss, um sich von ihr zu lösen. Nehmen Sie die Fotografien mit den Händen, die sich uns entgegenstrecken, mit dem Granatapfel oder den Reiskörnern. Gesten des Schenkens, in diesem Sinne auch der Befreiung.
Es fungiert als Metapher für die Ausstellung: Man muss sich Zeit nehmen – etwa ein Dutzend Minuten –, in der Abgeschiedenheit eines zweiten, kleineren Raums, der dadurch persönlicher wirkt, und sich den Bildern einer in Endlosschleife laufenden Videoprojektion widmen: eine Töpferscheibe, das Drehen von Hand, Hände, die in ihrer Bewegung das weiße Material berühren, dessen Farbe annehmen und ihm Form geben. Daher der Name des Werks: Shaping, und genau darum geht es immer in der Ästhetik – und von Aristoteles bis Rawls wären weitere Namen willkommen –, nein, weniger in der Ethik, sondern bis hin zur Politik.
