Nur wenige Minuten vom Stadtzentrum von Arles entfernt wütet ein Feuer. Fünf Löschflugzeuge werden entsandt, 250 Feuerwehrleute sind im Einsatz. Die Vororte von Arles werden evakuiert. Die Festivalbesucher, die zu den „Rencontres de la Photographie“ gekommen sind und am Stadtrand untergebracht sind, suchen bereits Zuflucht bei Bekannten, die ihnen notfalls aushelfen können. In der Stadt gibt es keinen Strom, kein WLAN und keine Bildschirme mehr.
In der Trinitaires-Kirche sind zwei riesige Kästen schwarz geworden. Seit Beginn der „Rencontres“ wurden auf der einen Seite brennende Palmen und auf der anderen Seite Palmen, die in einem Fluss versanken, vor einer Dschungelkulisse projiziert. Eine albtraumhafte Vision in Form einer monumentalen Installation von faszinierender Schönheit. „Phoenix“ von Noémie Goudal ist eine der eindrucksvollsten Ausstellungen des Festivals, eine immersive Installation, die sich mit Paläoklimatologie befasst, also der Erforschung vergangener Klimata über geologische Zeiträume hinweg. Als in der Natur geschaffene und aus Papier gefertigte optische Täuschungen sind diese beiden Videos („Below the Deep South“ und „Inhale, Exhale), sind ebenso fesselnd wie süchtig machend und bilden den Höhepunkt der Ausstellung der französischen Künstlerin, die in diesem ehemaligen heiligen Ort eine apokalyptische Atmosphäre heraufbeschwört. In Noémie Goudals Werk nimmt diese fragile und fantasievolle Natur verschiedene Formen an, wie beispielsweise diese Bilder von Palmenhainen aus Streifen, die in den Zwischenräumen die wahre Natur durchscheinen lassen und neu fotografiert wurden. Die Hängung an Stahlgittern verleiht dieser bemerkenswerten Arbeit eine fantastische Ebene und stellt die lange Zeit der Erde der viel kürzeren Zeit des Menschen gegenüber – ein Anblick, den man sich nicht entgehen lassen sollte.
Das Thema Klimakrise steht auch im Mittelpunkt der Arbeit von Seif Kousmate, einem der zehn für den „Prix Découverte“ ausgewählten Künstler. In seinem Projekt „Waha“ (arabisch für „Oase“) bespritzt der marokkanische Künstler, der von Haus aus Ingenieur ist, seine Palmenhain-Landschaften mit Säure, fügt Überreste der lokalen Flora hinzu oder lässt einen Dichter direkt auf das Bild eingreifen. Die daraus resultierende Erforschung der bildnerischen Möglichkeiten der Fotografie ist fesselnd, zutiefst lyrisch und zugleich engagiert und ermöglicht ein besseres Verständnis dieser marokkanischen Oasen, die im Sterben liegen, die durch wiederkehrende Dürren übernutzt und verwüstet und letztendlich von den neuen Generationen verlassen wurden.
Die Vielfalt und die inhärente Qualität der im Rahmen dieses „Prix Découverte“ versammelten Beiträge machen diese Ausstellung vielleicht zur interessantesten (Gruppen-)Ausstellung dieser 53. Rencontres. Zwar ist Rahim Fortune (der Gewinner des Jurypreises) seit der Auswahl seines großartigen, sehr persönlichen Buches *I Can’t Stand to See You Cry* beim Aperture-/ Paris Photo im vergangenen November bekannt ist – dessen zentrales Thema die Rückkehr ans Krankenbett seines leidenden Vaters in seiner texanischen Heimat ist –, so gilt dies nicht unbedingt für die anderen nominierten Künstler. Einer unserer Favoriten ist Daniel Jack Lyons, ein Kalifornier mit sozialanthropologischem Hintergrund und Schöpfer einiger der schönsten Bilder, die wir dieses Jahr in Arles sehen konnten. Sein Projekt „Like A River“ widmet sich einer Gemeinschaft marginalisierter LGBTQ-Jugendlicher am Ufer des Flusses Tupana im Herzen des brasilianischen Amazonasgebiets. Fernab von Klischees zeichnet Daniel ein einfühlsames Porträt dieser jungen Menschen mit vielfältigen Identitäten, zwischen Hoffnungen und Enttäuschungen. Eine einfühlsame Arbeit über eine Bevölkerungsgruppe, die man sich im Herzen dieses unwirtlichen Dschungels nicht unbedingt vorstellen kann.
Das andere herausragende Werk dieser von Taous Dahmani in der Kirche der Predigerbrüder brillant kuratierten Auswahl ist das ergreifende „I Have Done Nothing Wrong“ von Mika Sperling, der Gewinnerin des Publikumspreises. In einer herzzerreißenden Installation entblößt sich die junge deutsch-russische Künstlerin und offenbart der Welt ihre Geschichte des Inzests. Zu sehen sind unter anderem Familienfotos, auf denen die Silhouette ihres Großvaters verschwunden oder ausgeschnitten ist, oder andere, auf denen nur sein weißer Rücken zu erkennen ist, bei denen jedoch die textliche Beschreibung, die das Nicht-Bild begleitet, ausreicht. Man versteht diese Gefühle des Schmerzes und der Scham, die die Opfer solcher Verbrechen beherrschen. Der Titel, schrecklich vielsagend und vieldeutig, offenbart zugleich die Stimme eines verwirrten Kindes und die Worte eines Großvaters, der sich der Tat nicht bewusst ist.
Einer der Schwerpunkte des von Christoph Wiesner in diesem Jahr vorgeschlagenen Rundgangs ist die Betonung der Fotografinnen. Auch wenn die amerikanische Fotografin Lee Miller der breiten Öffentlichkeit vielleicht bekannt ist, wird man vor allem in der umfangreichen Ausstellung „Une Avant-garde Féministe“ fündig, um einige Juwelen zu entdecken, die mit Stereotypen aufräumen. Die Ausstellung findet in der „Mécanique Générale“ statt – eine Anspielung auf den Ort, an dem 2021 die der Männlichkeit gewidmete Ausstellung stattfand. Die rund 200 präsentierten Werke, die sich mit der Konstruktion von Weiblichkeit in den 1970er Jahren auseinandersetzen, strukturelle Ungleichheiten anprangern und einen pluralistischen Feminismus befürworten, stammen aus der Wiener Verbund-Sammlung, die auf einer europäischen Perspektive basiert (umfasst jedoch Künstler*innen aus aller Welt, darunter die äußerst gefragte Cindy Sherman) und ist das Ergebnis intensiver Recherchen, die zeigten, dass dieses Schaffen damals zwar durchaus existierte, aber eindeutig unterrepräsentiert war.
Die Ausstellung vereint Werke von mehr als 70 Frauen, die die Kamera als Waffe einsetzen, manchmal im Rahmen performativer Praktiken, und stützt sich dabei auf das berühmte Zitat von Simone de Beauvoir: „Man wird nicht als Frau geboren, man wird dazu.“ Die Ausstellung ist in fünf Themenbereiche gegliedert, die sich mit folgenden Aspekten befassen: der Reduzierung von Frauen auf die Rollen als Ehefrau, Mutter und Hausfrau; dem daraus resultierenden Gefühl der Eingeschlossenheit; die Infragestellung von Schönheitsdiktaten und Darstellungen des weiblichen Körpers; die Erforschung der weiblichen Sexualität (besonders hervorzuheben ist das Bild des Vogelnests auf dem Unterbauch von Birgit Jürgenssen); und, fast schon als Abschluss, die Bekräftigung ihrer vielfältigen Rollen und Identitäten (mit dem wiederkehrenden Thema der Darstellung eines Erstickungsgefühls und der Hoffnung, sich davon zu befreien, was durch Orlans Werk „Versuch, mit unverhülltem Gesicht aus dem Rahmen auszubrechen“ hervorragend veranschaulicht wird).
Dieses Manifest gegen Sexismus und geschlechtsspezifische Ungleichheiten steht im Einklang mit neueren Arbeiten, wie beispielsweise denen von Sandra Brewster, einer kanadischen Künstlerin, die unscharfe Porträts (die Serie heißt Blur ) im sehr großen Format, die mittels einer Gel-Transfertechnik, die ein Abreiben erfordert, unvollkommen direkt auf die Wand gedruckt werden. Diese unscharfen Porträts fungieren als Metaphern für Wandel und Bewegung und verweisen auf die Vielfältigkeit und Fluidität unserer Identitäten. Die aus Nigeria stammende norwegische Künstlerin Frida Orupabo, eine ehemalige Soziologin, arbeitet mit Collagen, die die sich wiederholenden Bilder hinterfragen, die in populären Darstellungen schwarzer Frauen vermittelt werden. Eine zugleich intime und kraftvolle Bildsprache, die aus der Überlagerung von Bildern aus digitalen Kolonialarchiven besteht, im menschlichen Maßstab geschaffen, aus vergrößerten, verzerrten, ausgeschnittenen und wieder zusammengesetzten Körpern, manchmal unter Einbeziehung von Gegenständen, die das Trauma, das Verlangen und das Überleben schwarzer Körper verkörpern.
Der luxemburgische Beitrag zum großen internationalen Fotografie-Event hat in diesem Jahr etwas sehr Bewegendes an sich, da der verstorbene Romain Urhausen, der während der „Rencontres 2021“ verstorben ist, Gegenstand einer sehr schönen Ausstellung im Espace Van Gogh ist. Die Chapelle de la Charité fällt daher in diesem Jahr weg, da sie für die Aufbewahrung älterer und empfindlicherer (und kostspieligerer) Fotografien ungeeignet ist. Die Ausstellung trägt den Titel „Romain Urhausen en son temps“, und die kuratorische Entscheidung von Paul di Felice fiel auf eine Dekonstruktion und Kontextualisierung des Werks des Künstlers im Umfeld seiner Zeitgenossen, wodurch eine Besonderheit von Romain Urhausen deutlich wird: seine Einflüsse, die sich sowohl in der humanistischen französischen Fotografie als auch in der subjektiven deutschen Fotografie, der Erbin des Bauhauses, wiederfinden. Neben den Bildern von Romain Urhausen sind daher Originalabzüge von Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson, Monika von Boch, Heinz Hajek-Halke, Roger Catherineau sowie Otto Steinert, Romains Lehrer an der Staatlichen Schule für Kunst und Handwerk in Saarbrücken, der es sich zur Gewohnheit gemacht hatte, die Arbeiten seiner Studenten in seine Ausstellungen einzubeziehen.
Die Ausstellung gliedert sich in fünf Hauptthemen: sein poetischer und humanistischer Blick auf den Alltag; seine Dokumentation des Marktes „Les Halles“, aus der in Zusammenarbeit mit Jacques Prévert ein Buch hervorging ; der arbeitende Mensch und die Industrielandschaft, Fotografien, in denen Feuer und Stahl von Esch-sur-Alzette dominieren ; die experimentelle Fotografie, basierend auf Überlagerungen, Solarisationen, Fotogrammen und anderen informellen Techniken; sowie Frauenfiguren und Akte, die ebenfalls mit dem Arsenal der subjektiven Sprache behandelt werden. Ein ganzes Leben zieht vor unseren Augen vorbei, eine Art, die Welt zu betrachten, zwischen Poesie, Gutherzigkeit, Plastizität und Experimentierfreude, und Romain selbst taucht am Ende der Ausstellung auf, in Form von schrägen Selbstporträts und einem Video, das bei ihm zu Hause während der Retrospektive gedreht wurde, die das CNA ihm 2016 gewidmet hatte. Diese hervorragend ausgewogene Ausstellung hat etwas zutiefst Melancholisches an sich; sie ist zugleich originalgetreu, originell, lehrreich und liebenswert ist und es ermöglicht, das Werk dieser schelmischen Persönlichkeit, eines Pioniers der luxemburgischen Fotografie, im Rahmen einer Neuinterpretation zweier bedeutender Strömungen der 1950er- und 1960er-Jahre einzuordnen.
Es ist unmöglich, das gesamte Programm zu besprechen, das sich zwar weitgehend sozialen und ökologischen Themen widmet, aber recht uneinheitlich ist und etwas zu oft bestimmte nervige Tendenzen der zeitgenössischen Kunst widerspiegelt, insbesondere die wenig überzeugende Anwendung von Konzepten, die sich auf den Schaffensprozess beziehen und nur vage mit dem Thema in Verbindung stehen. Nebenbei hätten wir Ihnen gerne etwas mehr über „Talashi“ erzählt, eine Arbeit von Alexis Cordesse über alltägliche Fotografien syrischer Flüchtlinge (präsentiert im Rahmen der eher langweiligen Ausstellung„Un monde à guérir“ im Palais de l’Archevêché gezeigt wurde), von den verspielten Wolken mit menschlichen Konturen des südkoreanischen Duos Shin Seung Back und Kim Yong Hun („Cloud Face“, aus der Ausstellung „Chants du Ciel“ im Monoprix) oder auch RaMell Ross’ Sicht auf Amerika im Rahmen der von Paul Graham kuratierten postdokumentarischen Ausstellung (But Still, It Turns im Musée Départemental Arles Antique), die sich auf die Rhythmen und Energien konzentriert, die das Leben schwarzer Menschen bestimmen. Aber am besten ist es, selbst hinzugehen.
