Fotografische Trugbilder

Sein Name weckt sofort Assoziationen mit dem Himmel – einem Ort, den seine Familie über mehrere Generationen hinweg wie keine andere geprägt hat. Olivier Dassault ist nämlich der Enkel von Marcel Dassault, dem Gründer eines französischen Luftfahrtimperiums. Olivier Dassault, der 2021 bei einem Hubschrauberunfall ums Leben kam, war eine außergewöhnliche Persönlichkeit. Er war nicht nur Unternehmer und Politiker, sondern auch ein renommierter Pilot, wie die zahlreichen Geschwindigkeitsrekorde beweisen, die er aufgestellt hat. Die Ausstellung „Expressions abstraites“, die in der Galerie Indépendance der BIL stattfindet, zeigt eine weitere Leidenschaft: die Fotografie.

Olivier Dassault wurde 1951 in Boulogne-Billancourt geboren und trat in die Fußstapfen seiner Familie, als er 1974 sein Diplom als Luftfahrtingenieur erwarb. In der Kunstszene musste er jedoch die Vorurteile gegenüber seinem Namen überwinden, wie beispielsweise bei einem von der Fnac organisierten Wettbewerb, bei dem er sich anonym bewarb, in der Hoffnung, ausgewählt zu werden. Dies war der Fall und bildete den Ausgangspunkt für eine Vielzahl von Ausstellungen auf der ganzen Welt. Zu Beginn seiner Karriere widmete er sich der Prominentenfotografie und machte sich einen Namen mit seinen raffinierten Porträts von Musik- und Filmstars, von Serge Gainsbourg bis Isabelle Huppert, von Jane Birkin bis Isabelle Adjani. Schon damals arbeitete er mit Unschärfebereichen wie Lichtprismen, die die Erkennbarkeit der Figuren beeinträchtigten. 1975 erschien sein erstes Buch, „Fugues“, in dem (noch) erkennbare Modelle einem Übergang zur Abstraktion unterliegen. Einer der Meister der Farbfotografie, der Österreicher Ernst Haas, war der Auslöser für den stilistischen Wandel von Olivier Dassault. Die Farbkraft und die Energie seiner Stadtansichten prägten den jungen Mann nachhaltig. Dassault wendet sich anschließend dem Himmel zu, den seine Familie durchquert, und dessen Sonnenuntergänge sowie die Spiegelungseffekte mit der Erde er in impressionistischer Manier verherrlicht. Darin lässt sich der Wunsch erkennen, die Ästhetik von Malerei und Fotografie einander anzunähern. Schließlich entscheidet er sich für eine Bildsprache, die vollständig von jeglichem narrativen und figurativen Ballast befreit ist. „Das Bedürfnis, mich von der Malerei zu befreien, hat mir den Blick für eine abstraktere Sichtweise des Alltags eröffnet“, verrät er. Die Vollendung dieses Prozesses feiert heute die Ausstellung in der BIL, die beeindruckende Aufnahmen zeigt, die Dassault mit seiner Minolta XD7 an verschiedenen Orten der Welt (Frankreich, USA, Marokko, Spanien) eingefangen hat.

Ein riesiges Fotomosaik (210 × 560 cm) markiert den Eingang zur Ausstellung. Es handelt sich um „Ouvrage Montresso“ (2016), das sechs Aufnahmen vereint, die von einem Gerüst in Marrakesch aus entstanden sind. Die Methode basiert auf der Montage und Umkehrung von Bildern, um eine Abstraktion zu erzielen, die aus sehr konkreten Elementen aufgebaut ist: Wenn man näher kommt, erkennt man Betonblöcke sowie rote Pfosten, was insgesamt einen besonders dynamischen optischen Effekt erzeugt. Damit wird Dassaults Vorliebe für Symmetrie und geometrische Figuren deutlich, die sich auch in anderen Werken wiederfinden, aber auch für markante Linien, wobei hier eine Vorliebe für die Schräge besteht. In der breiten Allee, die zu diesem großen Wandgemälde führt, heben sich mehrere Werke kleinerem Formats durch ihre gedeckten Farbtöne (Grau, Schwarz und Weiß) ab. Eines davon, mit dem Titel „Intervalle“ (2016), erinnert mit seinen weißen Kratzspuren auf schwarzem Hintergrund an die zerrissenen Leinwände von Lucio Fontana. Ein anderes, in seiner Komposition komplexeres Werk verflechtet geschwungene und lineare Formen, ohne auf einen bekannten Bezugspunkt hinzuweisen („Eurythmie“, 2016). Das macht es schwierig, das zu benennen, was sich der allgemeinen Erfahrung und jeder Möglichkeit visueller Identifikation entzieht. Für Dassault zählen vielmehr das Spiel der Formen, der Rhythmus der Komposition und das Geheimnis, das davon ausgeht. Zwischen diesen beiden Werken steht „Circulation d’art“ (2016), ein Werk aus den Sammlungen des Centre Pompidou, das im Jahr 2023 von Natacha Dassault dem Museum gestiftet wurde. Zwei Farbtöne, Rot und Gold, stehen hier im Kontrast zueinander und strukturieren die Komposition kreuzförmig. Nicht weit davon thronen zwei Skulpturen (Signature, 2018), die das künstlerische Schaffen von Dassault erweitern.

Die anderen ausgestellten Abzüge zeigen, wie sehr die Fotografie eine sich wandelnde Kunstform ist. Ein besonders gelungenes Werk erkundet die Pflanzenwelt und entfaltet ein Bouquet aus Malven- und Goldtönen wie so viele Blütenblätter („Poésie emmurée“, 2015). Ein Wasserstrahl wird darin zu einer Sternkonstellation (Jet d’eau, 1995), ebenso wie „Genèse“ (2011) eine besonders interessante wässrige Textur wiedergibt, die durch die in die Komposition eingebrachten grafischen und tachistischen Schichten geprägt ist. Das Gleiche gilt für „Cascade“ (2017), das aus einem Lichtregen besteht, der von horizontalen Streifen unterbrochen wird. In einer Serie ist die Fotografie für Dassault ein Mittel, bestimmten Malern Tribut zu zollen, indem er deren Stil nachahmt – von Braque bis Nicolas de Staël. Andere erinnern durch die Musikalität ihrer Linien vielmehr an die Gemälde von Hartung oder Kandinsky. Eine weitere Serie, diesmal mit dem iPhone aufgenommen, bestätigt mehr denn je Dassaults Ruf als hartnäckiger Kolorist; ein Foto führt zurück zu den Ursprüngen der Negativabdrücke, die an den Felswänden von Lascaux hinterlassen wurden (Multicolor Nr. 12). So wird die Obsession eines Mannes für die Darstellung des Lichts offenbart. Das Licht als Material und Thema, als Essenz allen Lebens, das Dassault durch Überbelichtung und Bildbearbeitungssoftware verherrlicht, um völlig neue Ansichten zu schaffen. Das Spektakel ist vollkommen, wenn das Tageslicht ins Spiel kommt und seinerseits diese Aufnahmen mit seinen Spuren überzieht – wie eine harmonisch zufällige Mise en Abîme von Dassaults Werk.