Im 18. Jahrhundert erlebten sie ihre Blütezeit. Zwar verstümmelt, doch verehrt und gefeiert. Die Begeisterung für Kastraten hatte sich von der Sixtinischen Kapelle aus verbreitet, bevor die Päpste der Praxis der Kastration vor der Pubertät ein Ende setzten, um männliche Sänger mit hoher Stimme und maximalem Stimmumfang zu gewinnen, die die Frauen ersetzen sollten, denen der Bühnenauftritt damals verboten war. Carlo Broschi, genannt Farinelli, war einer der bekanntesten unter ihnen, mit einem Stimmumfang von drei Oktaven ; er ist zudem insofern symbolträchtig, als manche aufgrund der Obduktionsergebnisse sogar behaupteten, er sei als Frau geboren worden und habe betrogen, um der Zensur zu trotzen und Karriere zu machen (Forumopéra, April 2013).
Wie dem auch sei: Zusammen mit Judith Deschamps schenkt er uns eine Ausstellung von großer Schönheit und bewegender Wirkung, die bis zum 16. April in zwei Sälen des Casino Luxembourg zu sehen ist. Für seinen Film „Farinelli“ aus dem Jahr 1994 hatte Gérard Corbiau bereits das Ircam, das Institut für akustische Forschung und Koordination im Bereich Musik, hinzugezogen, um die Stimme des Kastraten nachzubilden. Das Ergebnis war kaum überzeugend, sodass man sich für eine Mischung aus Countertenor- und Koloratursopranstimme entschied. Dank neuer Technologien ist es heute möglich, es besser zu machen – neu zu erfinden, neu zu erschaffen. Judith Deschamps und der Komponist Sá-Dantas haben sich gemeinsam mit dem Team „Analyse und Synthese von Klängen“ daran gemacht, eine Arie in Nachahmung der Nachtigall zu schaffen, die Farinelli angeblich jede Nacht für den König von Spanien gesungen haben soll, um dessen Melancholie zu lindern.
In einem ersten Raum im Obergeschoss stehen sich ein hochtechnisches Gerät und am anderen Ende, in einer Nische, wie eine Reliquie, in Licht getaucht, die 3D-Umsetzung eines Kehlkopfes in Verbindung mit einer Ohrmuschel, beides nach Stichen aus der Zeit um 1600. Der Besucher hingegen steigt hinauf und schreitet auf einem schmalen Polyeder voran; nähert er sich der Nische, sorgen Sensoren dafür, dass diese im Beaubourg erzeugte Stimme mit ihren leichten, atemberaubenden Arpeggien erklingt. Wir werden in die Situation Philipps V. zurückversetzt, die zugleich den äußersten Punkt der Erfindung darstellt, und Vergangenheit, Gegenwart und zweifellos auch Zukunft treffen hier aufeinander. Ebenso ist ein weiteres Merkmal des Stils von Judith Deschamps der Gegensatz – oder vielmehr die Verbindung, ja sogar die Harmonie – zwischen der (am weitesten getriebenen) „technè“ und dem Menschlichen, seinem Ausdruck in der zeitgenössischen Kunst.
Auf der linken Seite schieben Sie den Vorhang beiseite und betreten einen zweiten Raum, in dem ein Film gezeigt wird, in dem Judith Deschamps selbst über ein videografisches Märchen spricht (Dauer: etwa dreißig Minuten). Auch hier versetzen solche Bilder den Zuschauer ins 18. Jahrhundert; ebenso sind die Protagonisten, in diesem Fall die Sänger, als Pagen und Diener kostümiert, während man im Gegensatz dazu in den Studios und Fluren des Ircam die Techniker und ihre Geräte sieht sowie auf ihrem Bett die 93-jährige Großmutter der Künstlerin. All diese Bilder auf der Panoramaleinwand beeindrucken durch ihre Leuchtkraft und Reinheit, doch mehr noch als durch ihre Schönheit bestechen sie durch die Erzählungen, die Geschichten und die Emotionen, die sie kraftvoll vermitteln. So konfrontiert die Großmutter in dieser Umgebung unserer technologischen Gesellschaft – während sie uns gleichzeitig an den spanischen Hof zurückführt – den Besucher mit dem Ende des Lebens. Die jungen Sänger, von denen sich einer zu einer Geschlechtsumwandlung entschlossen hat, ein anderer beispielsweise zu einer stillen Verwandlung, erzählen uns von ihrem Leben. Das ist sehr indiskret, sehr intim, wird aber mit viel Zurückhaltung umgesetzt. So nähern wir uns den Fragen und Grenzen der Identität und ihrer Konstruktion so nah wie möglich.
Von einer von Farinelli selbst kommentierten Partitur über den Film von Judith Deschamps bis hin zu dieser „Mue“ und der Ausstellung „an.other voice“ wurde ein langer Weg zurückgelegt, geprägt von Reflexion und Erfindungsreichtum. Er mündete in Werke, in denen die Initiative des Künstlers, seine Zusammenarbeit mit dem Ircam und der Einsatz von nicht weniger als sechs Stimmen – zwei Kindern, einer Sopranistin, einer Altistin, einem Countertenor und einem leichten Tenor diesen Kastraten nicht nur eine Art Unsterblichkeit, eine andere Art von Universalität verliehen haben – ihre körperlosen Stimmen, die jedoch, wie Jean-Jacques Rousseau sagte, nicht ohne Wärme oder Ausdruck waren. Im Casino gibt es noch mehr: eine räumliche Inszenierung (im ersten Saal), eine szenische Umsetzung (im Film), die mit den Mitteln der Gegenwart an die Sorgfalt und den Willen des 18. Jahrhunderts anknüpft.
Bleibt noch Folgendes: zunächst einmal eine gewisse Befürchtung. Dass die Besucher, wie es bei Videos so oft der Fall ist, nur einen flüchtigen Blick darauf werfen. Nein, man muss unbedingt die ganzen dreißig Minuten bleiben, um den Reichtum und die Zusammenhänge des Ansatzes von Judith Deschamps zu erfassen. Und um noch tiefer in das Thema einzutauchen, geben Sie zu Hause an Ihrem Computer ein: Judith Deschamps, La Mue. Sie finden vier erklärende Episoden des Ircam, und wenn Sie auf Fabula.org weiterlesen, einen sehr gehaltvollen Text der Künstlerin selbst: „La mue, der Tod und der Gesang einer KI“. Allerdings würde das Casino einen Beitrag leisten, wenn es diese Unterlagen direkt zur Verfügung stellen würde, da die Erfahrung eines solchen Besuchs über die reine Ästhetik hinausgehen soll.
