Eine Kunst am Rande des Verschwindens

Aus der Ferne betrachtet könnte man diese riesigen, von vertikalen Linien durchzogenen Lichtkompositionen für einen Moment für Wandteppiche halten. Der optische Effekt der mit Bleistift angefertigten Zeichnungen von Nicolas Muller ist fesselnd und verwirrend. Sie spielen mit den Wahrnehmungsgrenzen zwischen dem Strich und dem Fluss der Graphitspitze. Der 1983 in Straßburg geborene französische Künstler ist derzeit Gegenstand einer schönen Ausstellung im Espace Octave Cowbell in Metz. Er absolvierte seine Ausbildung an der École supérieure des arts de Metz (Ésal) zeitgleich mit der Direktorin des Octave Cowbell, Vanessa Gandar. Sie lud ihn ein, seine jüngsten Arbeiten auszustellen und während seines Aufenthalts in der Region vor Ort diese Zeichnungsserie mit dem Titel „Erased“ zu entwerfen. Eine Rückkehr zu den Wurzeln also für den Künstler, der mittlerweile in der Schweiz lebt und dessen Werke beiderseits der Alpengrenze gesammelt werden.

Bevor wir uns in die Ausstellung „Gris et Bleu“ begeben – deren Titel auf die beiden vorherrschenden Farbtöne der dort versammelten Werke anspielt –, kehren wir noch einmal zu den großformatigen Zeichnungen der Serie „Erased“ zurück, die den Rundgang einleiten und deren Abmessungen den menschlichen Maßstab in den Schatten stellen (mindestens 200 x 270 cm). Zeichnen und Radieren, zum Vorschein bringen und verschwinden lassen – das sind bei Nicolas Muller die beiden Bestandteile ein und derselben ästhetischen Geste. Eine zunächst manuelle, physische Geste, die positiv mit der Entstehung einer aus vertikalen Linien bestehenden Struktur beginnt, die alle streng mit Hilfe eines Lineals gezeichnet wurden, das der Künstler zu diesem Zweck angefertigt hat. Sobald dieser Linienregen als Hintergrund angelegt ist, greift Muller zu einem Radiergummi, um die grundlegende Anordnung teilweise zu verwischen, und wiederholt dabei zahlreiche seitliche Radierbewegungen, deren Spuren und Abdrücke das Papier bewahrt hat – wie viele kleine, sichtbar gebliebene Kommas. Das fertige Werk steht in einem Spannungsverhältnis zu einem Eindruck des Unvollendeten. Es ist minimalistisch, schlicht im Erscheinungsbild und kraftvoll – man ist sofort von dem Werk fasziniert. Auch die anderen Beispiele der Serie „Erased“ weisen diesen methodischen, obsessiven Charakter auf, ohne jedoch zwangsläufig eine ebenso ausgewogene Balance zwischen der linearen Komposition und dem Unvollendeten wiederzugeben. Manche geben dem Radieren und dem Aushöhlen mehr Raum, um nur noch Restspuren von Graphit auf dem Papier sichtbar zu lassen und so die Klarheit des Werks zu verstärken. Ein solcher Ansatz scheint dem Ventil, dem Ritual, dem Protokoll zu entspringen, das für diesen Künstler fast den Wert einer Signatur hat. Oder, wie es in einer Erläuterung am Eingang des Rundgangs heißt, alles „verkörpert sich in der Spannung zwischen Minimalismus und üppiger Ausdruckskraft, indem es Formen vorschlägt, die von einer Ökonomie der Mittel geleitet werden“.

Der Künstler wendet dieses Verfahren auf vielfältige Weise an. So sind in „Caisse“ die Linien, die als Grundlage für die Hintergrundstruktur dienen, horizontal angeordnet. Anstatt die Komposition zu dekonstruieren, streut Nicolas Muller diesmal Radierrückstände auf die Leinwand – diese Rückstände, die, sobald sie auf das Papier aufgebracht sind, wie Sterne tanzen und den Eindruck erwecken, man befinde sich inmitten einer Partitur. Auch hier zeichnet sich der Ansatz durch seine Sparsamkeit im Einsatz der Mittel und seine poetische Herangehensweise an die verwendeten Materialien aus. Interessant ist zudem zu sehen, wie ein Werk ein anderes befruchten kann, denn es ist eben genau das für die Serie „Erased“ notwendige Radiergummi, das gesammelt wurde, um zum Material für „Caisse“ zu werden.

Weiter hinten enthüllen Werke weitere Facetten von Mullers Schaffen. Angefangen bei diesen kleinen, wiederverwerteten Hockern, die der Künstler überall im Ausstellungsraum verteilt hat und die als verbindendes Element zwischen den einzelnen ausgestellten Werken fungieren. Der Name dieser partizipativen Installation? „Public“. Der Künstler hat sich nicht damit begnügt, diese Hocker zu sammeln, sondern sie absichtlich misshandelt und ihnen zahlreiche Verformungen zugefügt, um den Betrachter in einen Zustand vorübergehenden Unbehagens zu versetzen. Denn diese Sitzgelegenheiten können vom Publikum genutzt und verschoben werden, um die Werke aus einer niedrigeren Perspektive, ganz nah am Boden, zu betrachten – wobei man darauf achten muss, das richtige Gleichgewicht zu finden. Von der Stabilität der Körper hängt gewissermaßen die Stabilität des Blicks, der Wahrnehmung ab. Eine Art, uns zu einer Form von Zerbrechlichkeit und Unsicherheit zurückzuführen, darüber nachzudenken – etwas, das dem menschlichen Dasein innewohnt, umso mehr am Ende des Lockdowns, den wir gerade durchlebt haben. Weiter vorne offenbart sich auf der gesamten Fläche einer breiten Bildleiste eine Mondlandschaft, die durch zahlreiche schwarze kreisförmige Figuren und andere, aufgrund ihrer Weiße fast nicht wahrnehmbare Formen rhythmisiert und strukturiert wird. Es handelt sich um „Règle blanche“, ein vor Ort entworfenes Wandfresko, in dem teilweise verdeckte mondähnliche Formen zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren schwanken.

Man muss sich in den letzten Raum der Ausstellung begeben, um den Höhepunkt der Ausstellung zu erblicken: „À force“, eine Installation, die aus mehreren zehn Meter langen Rollen besteht und aus einer Ausstellung hervorgegangen ist, an der der Künstler 2021 im Musée Ariana in Genf teilgenommen hat, das auf Keramik und Glas spezialisiert ist. Muller tauscht hier den Bleistift gegen den Kugelschreiber, Grau gegen Blau. Anstelle der Geste des Ausradierens setzt er den weißen, kreisförmigen Abdruck eines Keramikobjekts ein – eine geisterhafte Präsenz im Negativ, die die Fantasie des Betrachters anregt. Zu diesen zugleich objektivierten und geisterhaften Abdrücken fügt Muller seitliche blaue Striche hinzu, in einer erneut repetitiven, zwanghaften Geste, mal heller, mal dunkler, je nach dem Füllstand der Tintenreserve. Der Gesamteindruck ist großartig; man verneigt sich vor diesen nebeneinander angeordneten Rollen, Kaskaden aus gekritzelten blauen Strichen, die eine neuartige, besonders feinsinnige Sprache hervorbringen. Andere, kleinere Werke greifen diese Gestik schließlich auf, erreichen jedoch nicht die Ausdruckskraft der Großformate, in denen sich die Poetik des Künstlers voll entfaltet. Nicolas Muller ist großartig; man muss nur zu Octave Cowbell gehen, damit diese Feststellung als Selbstverständlichkeit gilt.