Ein künstlerisches Ökosystem

Sandra Lieners, die seit etwa zehn Jahren für ihre Stadtbilder bekannt ist, steht im Mittelpunkt einer Ausstellung, die die mal harmonische, mal konfliktreiche Beziehung des Menschen zu seiner natürlichen Umgebung hinterfragt. Die von der Galerie Reuter Bausch präsentierten Werke entstanden zwischen 2020 und 2026 in Luxemburg sowie in Australien und Mexiko, wo die bildende Künstlerin diesen Sommer zu einem Künstleraufenthalt eingeladen war.

Stunde um Stunde, bis zum Einbruch der Dunkelheit, malte Claude Monet in Serien Weizenmühlen oder die Kathedrale von Rouen, während Cézanne seine Tage damit verbrachte, den Berg Sainte-Victoire zu visualisieren. In der Tradition der Impressionisten verortet Sandra Lieners den Akt des Malens an einem bestimmten Ort und in einer bestimmten Zeit und fängt dabei die unterschiedlichen Lichtverhältnisse durch das Fenster ihres Ateliers ein. Die Größe dieses Fensters bestimmt übrigens, je nach seiner Lage, das Format ihrer Gemälde, was sowohl eine Treue zur Realität als auch eine selbstreflexive Dimension impliziert. Die Entstehungsorte sind direkt auf der Leinwand vermerkt oder im Titel angegeben, wie beispielsweise „Bosque de Chapultepec“ (2025) oder „Xochimilco“ (2025), die den Orten ihres Aufenthalts in Mexiko entsprechen. An anderer Stelle kann der Name einer Pflanze gegebenenfalls als toponymischer Hinweis dienen (Waratah). Die Uhrzeit wird manchmal im Titel ihrer Kompositionen angegeben, wie beispielsweise 8:50 Uhr oder 18:28 Uhr. Diese beiden Gemälde aus dem Jahr 2020, die aus derselben Serie „The Light“ stammen, verweisen auf den Lockdown – eine Zeit, die den Einzug der Natur in das Werk von Sandra Lieners in abstrakter Form markiert.

Lieners arbeitet hauptsächlich in Serien und gestaltet komplexe, duale Kompositionen, die vertikal in Diptychen unterteilt sind, in denen Gegensätze nebeneinander stehen: der malerische Illusionismus auf der einen Seite und eine entmystifizierende Materialität auf der anderen. Tatsächlich pflegt der Künstler seit einigen Jahren, die Spuren seiner Arbeit auf der Leinwandoberfläche zu belassen, indem er am Rand Streifen, ein mit Farbflecken übersätes Tuch und in anderen Werken Materialreste einarbeitet. „Cadmium Yellow“ (2022) besteht somit aus Ready-mades, in diesem Fall aus gelben Farbtuben, während das kleine Gemälde „Untitled“ (2021) Farbreste enthält, die Sandra Lieners vom Malgrund abgekratzt und auf der Leinwand angehäuft hat, wodurch ein dichtes Farbgebündel entsteht. Nichts geht verloren, alles verwandelt sich in diesem malerischen Ökosystem. „Ich stelle einen Kreislauf her, der dem der Natur sehr ähnlich ist; die verwendeten oder entfernten Elemente kehren auf die eine oder andere Weise in meine Arbeit zurück“, stellt sie fest. Nicht zu vergessen der Abdruck ihrer Hand – jener Hand, die zugleich die einzigartige Hand der Künstlerin und die universelle Hand des „homo faber“ ist und uns in eine Vorgeschichte der Kunst eintauchen lässt. In „8h50“ geht Lieners sogar so weit, den Keilrahmen freizulegen – eine Geste, die an die Bewegung „Supports/Surfaces“ erinnert. „Das Material sichtbar zu machen und den Betrachter dazu einzuladen, in die Tiefe zu blicken, sind zentrale Aspekte meiner Praxis“, bemerkt die bildende Künstlerin. Sie fügt hinzu, dass sie auch den Zufall akzeptiert, da sich die Leinwand als zu klein erwiesen hat, um den gesamten Keilrahmen zu bedecken. Abgesehen von diesem Teil, der mit dem Herstellungsprozess zusammenhängt, ist der Rest des Werks völlig unscharf. Darin entfalten sich auf abstrakte Weise Blau-, Weiß- und Grüntöne, so wie sie durch das undurchsichtige Glas des Ateliers reflektiert werden. Auch hier eine impressionistische Unschärfe, die die optischen Eindrücke der Künstlerin bei Tagesanbruch wiedergibt. Dasselbe Kompositionsprinzip gilt auch für „18:28“, das in einer Farbpalette aus ähnlichen Tönen gehalten ist. Im rechten Teil der Komposition lässt ein vertikaler Stoffrand Flecken erkennen – Spuren, die der Künstler bei der Ausführung des Werks hinterlassen hat. Diese zufällig entstandenen Spuren des Schaffensprozesses stehen im Kontrast zum anderen Teil, der wohlüberlegt und technisch sehr meisterhaft ausgeführt ist und in dem man trotz des Unschärfeeffekts den Anblick eines Sonnenuntergangs erahnen kann. Die gleichen Farbtöne ziehen sich von einem Teil zum anderen, stammen aus derselben Palette, unterscheiden sich jedoch in ihrer Wiedergabe. Die zufälligen Zeichen stechen durch ihre Ausdruckskraft hervor, während der Anblick des Sonnenuntergangs im impressionistischen Stil ins Verblassen übergeht.

Lieners’ Ölgemälde vermitteln dem Betrachter Einblicke in den Entstehungsprozess und spiegeln zugleich eine bestimmte Beziehung zur Umwelt wider – eine ganz eigene Art, in der Welt zu leben. So auch diese drei Exemplare aus der Serie „Waratah“ (2023), benannt nach dieser riesigen Pflanze, die Sandra Lieners während ihres Aufenthalts in Australien entdeckt hat. „Ich hatte das Glück, in Australien zu sein, als diese Blume gerade zu blühen begann, was nur vier Wochen im Jahr geschieht. Es handelt sich um eine stark geschädigte Pflanze, die heute vom Aussterben bedroht ist. Anstatt sie zu pflücken, bin ich mit einer Leiter um die Pflanze herumgestiegen, um ihren Lichtabdruck auf Cyanotypie festzuhalten“, sagt sie. Cyanotypien auf Baumwolle in Preußischblau – ein Verfahren, das sie 2024 in einem Rotton wieder aufgriff, um es in Luxemburg mit einer Kulturpflanze und keiner Wildpflanze, dem Raps, umzusetzen (Rapeseed II, 2024). Neben diesen Exemplaren befindet sich ein großformatiges Werk, „Conversation Piece. Act III“ (2023), in dem die rote Blüte der Waratah diesmal mit urbanen Elementen in Wechselwirkung tritt. Davon zeugen die zerfetzten Formen und die typografischen Inschriften, die Lieners im unteren Teil der Leinwand anordnet, sowie das schwarz-weiße Zitat aus dem Werk von Zoe Leonard. Ein bedeutender Verweis, da Sandra Lieners, genau wie die amerikanische Fotografin, sich für die Abgrenzung zwischen bebauter Umgebung und Natur interessiert.

Von Luxemburg bis Mexiko lässt sich die Entwicklung der Darstellung der Natur im Werk von Sandra Lieners nachvollziehen. In Kombination mit Cyanotypien zeugt die während ihres Aufenthalts in Mexiko entstandene Lithografieserie „Skylines“ (2026) von einem erbitterten Kampf zwischen Natur und Mensch um den öffentlichen Raum. Ein Blick auf den Himmel aus der Froschperspektive steht im Spannungsfeld mit dem Eindringen von Baumblättern in die Darstellung, sodass der Himmel schließlich zugunsten der pflanzlichen Elemente verschwindet. Der zweite Teil des Aufenthalts in Tlalpan führte zur Entstehung großformatiger Arbeiten. Darin wird die Natur durch Unschärfe- und Geschwindigkeitseffekte wiedergegeben, die mit dem Laufsport in Verbindung stehen, den Sandra Lieners ausübt (Bosque de Chapultepec; Xochimilco, 2025). Ihre Leinwände sind wie Palimpseste, auf denen sich verschiedene Schichten gemischter Techniken überlagern: Cyanotypie, Ölmalerei, Baumwolle, zerlegte und mittels Nähstichen neu zusammengesetzte Flächen sowie toponymische Bezüge, die beispielsweise die Konturen des Chapultepec-Parks aufgreifen. „Was sich geändert hat, ist, dass es früher eine klare Unterscheidung zwischen Natur und Stadt gab. In Australien sind mir beide zum ersten Mal gemeinsam begegnet, auch wenn das Urbane visuell noch sehr präsent war“, räumt die Künstlerin ein. Während ihres Aufenthalts in Mexiko versucht die Künstlerin, diese beiden Formen nebeneinander bestehen zu lassen, sucht nach einem Gleichgewichtszustand und reduziert dabei insbesondere den Anteil der Stadt auf ein Minimum.