Wir wollen uns nicht lange mit dieser ersten Zusammenarbeit zwischen dem öffentlichen und dem privaten Sektor aufhalten. Zu diesem Thema hat jeder seine eigene Meinung: für die einen eine Chance in schwierigen Zeiten, für die anderen eine weitere Vereinnahmung durch den Kunstmarkt. Wie dem auch sei, bietet Paris uns bis Juni zwei Ausstellungen des amerikanischen Bildhauers Charles Ray – eigentlich handelt es sich um eine einzige, die zudem in einem gemeinsamen Katalog zusammengefasst ist. Das Unglück dabei ist, dass der Besucher zweimal bezahlen muss, und obwohl er von einem ermäßigten Tarif profitiert, wird ihn der Besuch etwa zwanzig Euro kosten. Das ist teuer bezahlt, doch es stimmt, dass der Kunstliebhaber nicht nur mit dem Werk von Charles Ray und der durchgehend aufgeworfenen Frage nach dem Wesen der Bildhauerei konfrontiert wird; darüber hinaus wird er im Rahmen dieser Auseinandersetzung gemeinsam mit dem Bildhauer die Geschichte dieser Kunst nachzeichnen, von der griechischen Bildhauerei bis hin zu zeitgenössischen Werken. Und im Centre Pompidou erwartet ihn zudem eine ganz außergewöhnliche Inszenierung: geschlossene und zugleich offene Räume, um die herum sich die Blickwinkel ständig verändern; an beiden Orten haben die Werke genügend Raum zum Atmen und zur Entfaltung.
Was jedoch die Geschichte der Bildhauerei betrifft, so muss man mit einem Paradoxon beginnen. Die ausgestellten Werke erstrecken sich über einen Zeitraum von etwa fünfzig Jahren; bei den Werken aus den 1970er Jahren spricht man von Modernität, und ein weiteres Paradoxon (das eigentlich gar keines ist, man erinnere sich an den „Goldenen Löwen“ von Venedig für die Skulptur von Bernd und Hilla Becher aus dem Jahr 1990): Es handelt sich um Fotografien, eine Farbserie, in der Charles Ray als Model für eine Bestandsaufnahme seiner Garderobe posiert, sowie vor allem zwei weitere Schwarz-Weiß-Serien, „Plank Piece I“ und „II“, in denen er in Skulptur-Performances zu sehen ist, bei denen er mit einem Brett an die Wand gedrückt wird (was solche „One-Minute-Sculptures“ des Österreichers Erwin Wurm vorwegnimmt).
Danach wird es kaum noch etwas geben, das der menschlichen Darstellung im klassischen Sinne entspricht. Und das reicht, wenn man es kurz zusammenfasst, von den Antiken über Michelangelo und Rodin bis hin zur Pop-Art, ja sogar zu Jeff Koons; Soviel zur Ikonografie von Charles Ray, wobei ich jedoch in beiden Ausstellungen die Werke „How a Table Works“ von 1986 und „Tabletop“ von 1988 ausnehme, wobei letzteres in Bewegung ist,
Beide beschäftigen sich mit der Beziehung zu den Objekten, die dort wie in einem Stillleben angeordnet sind. Im Übrigen findet man immer einen Bezug zur Vergangenheit. Man erinnert sich an die südliche Spitze des Canal Grande, wo anlässlich der Eröffnung der Punta della Dogana im Jahr 2009 der kleine Junge „Boy with Frog“ zu sehen war, der an Donatellos David erinnerte, der den Kopf des Goliath emporhob.
Es wäre unangebracht, Charles Ray dieses ständige Hin und Her mit der Vergangenheit vorzuwerfen. Es bleibt abzuwarten, was seine Skulpturen dennoch zu Werken macht, die uns heute berühren. Und im weiteren Sinne: Was sie zu Werken unserer Zeit macht. Es sind nicht die Formen, sondern in erster Linie die Materialien, und dabei kommt ein experimenteller Aspekt ins Spiel, der nicht nur den Ausdruck verändert, sondern vor allem die Bewegung und die Darstellung (außerdem wechselt Ray häufig den Maßstab). Selten bleibt er beim Marmor; andere, innovativere Materialien setzen sich durch: Beton, Edelstahl, Aluminium, bemalte Glasfaser, handgeschöpftes Papier. Aus handgeschöpftem Papier, formbar und widerstandsfähig, hat er den überlebensgroßen Akt „Portrait of the Artist’s Mother“ modelliert – ein ganz neues Werk, das mit großen Blumen in Gouache verziert ist. Es steht uns frei, die Skulptur mit Manet oder der Flower-Power-Bewegung in Verbindung zu bringen und darin die streichelnde Geste einer der Hände zu erkennen.
Die Figuren von Charles Ray haben, auch wenn sie aus längst vergangenen Zeiten stammen, sozusagen einen langen Weg zurückgelegt. Um unsere Zeitgenossen zu sein. Wie in „Family Romance“ von 1993, wo die Eltern und die beiden Kinder auf dieselbe Größe gebracht oder zurückgeführt werden und uns in frontaler Haltung hinterfragen ; oder in „Horse and Rider“ von 2014, die vor der Handelsbörse stehen, fernab von jeglichem Heldentum, von jeglicher Cowboy-Attitüde ; und es ist eher Müdigkeit, bestenfalls Erwartung, die das Porträt „Return to the One“ aus dem Jahr 2020 in der Rotunde im Erdgeschoss erahnen lässt.
Den Abschluss bildet ein Einzelwerk, „Puzzle Bottle“ aus dem Jahr 1995, ein Mann im Inneren der Flasche. „Es ist eine Art Gleichung“, sagt Charles Ray, was für alle seine Skulpturen gilt, ja für die Bildhauerei im Allgemeinen. Und gerade seine Werke veranschaulichen dies und unterstreichen es perfekt: die Beziehung zum Raum. Man kann es nicht oft genug wiederholen: Die von Laurence Le Bris in Zusammenarbeit mit Judith Quirot gestaltete Szenografie des Centre Pompidou trägt maßgeblich zur Qualität unseres eigenen Erlebnisses bei.
