Drei in einem

Zwei Jahre nach der Ausgabe in Trier, bei der das Werk von Lisa Kohl ausgezeichnet wurde, findet der Robert-Schuman-Kunstpreis in diesem Jahr in Metz statt, und zwar an drei symbolträchtigen Orten der zeitgenössischen Kunst (Octave Cowbell, Esal, Arsenal). Drei Orte, an denen sich die Werke der Künstler auf glückliche Weise vermischen, ohne Trennlinien zwischen Nationalitäten, Disziplinen und manchmal sogar zwischen den einzelnen Ausstellungsbereichen – wobei das Fehlen von Beschriftungen manchmal hilfreich ist. Ein gemeinsamer Ansatz, der seine Vollendung in der anonymen Beteiligung eines Kollektivs unter dem Namen „Werke ohne Künstler“ findet.

An der Biennale nehmen sechzehn Künstler und fünf Kuratoren aus den vier teilnehmenden Städten teil, wobei Luxemburg durch ein Kuratorenduo aus Liliana Francisco und Steven Cruz hervorsticht. Auf der Place Saint-Louis beherbergt die Galerie Octave Cowbell die wunderschöne Installation von Bruno Oliveira, die auf poetische Weise Filmkunst mit portugiesischer Stickkunst verbindet (Sanfins, 2023). An einem Faden mit Wäscheklammern aufgehängt, dienen weiße Tischdecken und Tischsets als Projektionsflächen. Sie sind technische Träger, zwischen denen sich der Betrachter einen Weg bahnen muss, um von Film zu Film zu gelangen, aber auch Träger der Erinnerung, denn der luxemburgische bildende Künstler kehrt in das Dorf zurück, aus dem seine Familie stammt. Bruno Oliveira zeichnet dort das ökologische und anthropologische Porträt einer ländlichen Welt, die zum Verschwinden verurteilt ist, und deren gewöhnliche, stille Momente er einfängt, eingebettet in ihren bescheidenen und zugleich herrlichen Alltag. Sanfins findet darin natürlich eine ganz persönliche Resonanz, denn diese verschwindende Welt ist auch die seiner Familie, von der einige Mitglieder seit der Entstehung des Films vor zwei Jahren verstorben sind und deren Gegenstände, katholische Devotionalien, die an der Wand hängenden Schwarz-Weiß-Porträts, die die Erinnerung an eine vergangene Jugend bewahren: „Ein Porträt braucht nicht immer ein Gesicht. Manchmal kann ein Gegenstand oder ein Ort genauso viel aussagen “, bemerkt derjenige, der 2015 seine Stelle als Erzieher aufgegeben hat, um Bildende Kunst an der La Cambre (Brüssel) zu studieren. Um die Installation von Bruno Oliveira herum stehen die erstaunlichen „neugotischen“ Möbel von Maïté Seimetz, deren skelettartige Formen mittels 3D-Druck entstanden sind (Decepticles, 2025). Inspiriert von Donna Haraways Cyborg-Manifest verbindet die luxemburgische bildende Künstlerin das Menschliche mit dem Nicht-Menschlichen, setzt das Streben nach Funktionalität außer Kraft und schafft es, unsere vertraute Umgebung fremdartig erscheinen zu lassen. Hier ein in zwei Hälften gespaltener Sekretär, aus dem eine Zunge herausragt, dort ein Stuhl mit wenig einladender Sitzfläche – das Ganze bildet einen Reigen von Objekten, die zugleich Skulptur, Design, Handwerk und digitale Technologien vereinen. Der letzte Raum der Galerie Octave Cowbell präsentiert im Dunkeln mehrere Serien, die das Blattmotiv in verschiedenen Größen variieren (Toutes les feuilles d’un arbre, 2014) und die den „Œuvres sans artistes“ zu verdanken sind. Dieses Kollektiv, von dem man vage weiß, dass es in Metz verwurzelt ist, nennt sich so, weil es jede Art von Individualisierung und jede Identifizierung nach Alter, Geschlecht, Nationalität und Namen ablehnt. Aus dem Ausstellungskatalog erfahren wir zudem: „Die Identität der Werke [des Kollektivs, Anm. d. Red.], die unabhängig von jeglicher Autorität ist, beruht im Wesentlichen auf den Absichten der Künstler, die sie geschaffen haben, auf ihren Stilen, ihren Titeln und auf der sichtbaren Geschichte ihrer Ausstellung.“

Unmittelbar vor dem Werk dieses Kollektivs, das seinen Namen nicht preisgibt, entdeckt man die hängende Installation von Ludovic Landolt, eine Art Baum, geschmückt mit musikalischen Steinen – Sanukit, Gestein, das durch die Abkühlung von Magma entstanden ist – die er während eines Künstleraufenthalts in Japan (Keinosato Studies #3) entdeckt hat. Wenn es sich nicht um Vulkansteine handelt, greift Ludovic Landolt auf historische Objekte zurück, die er für bildnerische und musikalische Zwecke umfunktioniert. So kann jedes alltägliche Objekt einen ästhetischen Zweck erfüllen, wie beispielsweise dieser Gugelhupf, der in eine Glocke verwandelt wurde und regelmäßig den Alarm läutet (Kugelhopfsänger, 2016) oder diese Klanginstallation aus Granathülsen des Ersten Weltkriegs (Domglockenstrott, 2023), ein gesammeltes Kriegsrelikt, das in Lothringen als Unterlage für Radierungen dienen kann. Zwei Werke von Ludovic Landolt, die diesmal in der Galerie de l’Arsenal zu sehen sind. Der 1993 in Metz geborene französisch-schweizerische Künstler ist der neue Preisträger des Robert-Schuman-Preises 2025; er erhält eine Förderung in Höhe von 10.000 Euro für die Umsetzung seines nächsten Projekts.

In diesem Ausstellungsort, der zur Cité musicale-Metz gehört, findet sich ein Querschnitt unserer Zeit. Dort findet man verschiedene Regale, auf denen gabelartige Holzstücke in Plastik verpackt liegen und wie gewöhnliche Waren verkauft werden (Many of One, 2025, von Leonard Schlöder) – eine Art Parodie auf den Neoliberalismus in Zeiten des Klimanotstands. Man begegnet dort einer Reihe von Selfies, die das Verhältnis zu Anonymität und zum Star hinterfragen (Cent photos d’une inconnue posant avec des célébrités, 2014, Œuvres sans artistes). Ebenfalls zu sehen ist die elegante interdisziplinäre Installation von Bettina Reichert, die den Elementen und dem Material einen hohen Stellenwert einräumt und Enkaustikmalerei (Paintings, 2015–2025), Wachsblöcke, Ruß und den Windhauch (Sturm Zynep, 2022). Weiter hinten entdeckt man die schönen Gemälde von Zoriana Tymtsiv (Under Natural Light, 2025), hauptsächlich Porträts und weibliche Akte in Rosatönen, die an die Gemälde von Kirchner und Otto Müller erinnern, einem der Anhänger des Fauvisten Gauguin. Mit ausgebreiteten Händen, meist von vorne dargestellt, winken die Figuren von Zoriana Tymtsiv dem Betrachter zu. Ihre Haut wirkt niemals einheitlich, da sie aus der komplexen Aneinanderreihung kleiner Pinselstriche in unterschiedlichen Farbtönen entsteht: eine ausgefeilte chromatische und malerische Konstruktion, eher als eine biologische Gegebenheit.

Am dritten Ausstellungsort, der Galerie der École supérieure d’art de Lorraine (Esal), ist unter anderem die skurrile Installation von Jil Lahr zu sehen: „Das Haus ist mir ein Traum“ (2025), die den Anschein eines improvisierten Bastelprojekts aus bereits vorhandenen Elementen erweckt. Die Künstlerin verwendet offene, aufgehängte Regenschirme, denen sie zuvor das wasserdichte Tuch entfernt hat, und verwandelt sie in einen Sockentrockner. Inmitten der auf den Boden geworfenen Schatten wandert der Blick zu einigen auf dem Boden liegenden Miniaturspielzeugen (eine Spielkonsole, ein Holzschuh, ein Paar Socken), die lediglich von einer Glühbirne beleuchtet werden. Eine andere Art, das Häusliche, die Kindheit und das Spiel zu betrachten: Formen des Rückzugs in einem technologischen Jahrhundert, das alle menschlichen Orientierungspunkte hinwegfegt.