Peter Drucker hat sich geirrt. Der Management-Guru (1909–2005) glaubte, obwohl er ein entschiedener Verfechter des freien Marktes war, an die Entstehung einer postkapitalistischen Gesellschaft, in der Wissen und Kenntnisse Vorrang vor Kapital, Grundbesitz oder Arbeit den Rang ablaufen würden. Anstelle von Kapitalisten und Proletariern würde die Gesellschaft die Klassen der Wissensarbeiter und der Dienstleistungsarbeiter kennen. Sein 1993 erschienenes Werk „Post-Capitalist Society“ stellte sich diesen Wandel um das Jahr 2020 herum als vollendet vor. So wie die von George Orwell in „1984“ vorhergesagten Schrecken in jenem Jahr nicht eingetreten sind (auch wenn viele Aspekte dieser Dystopie heute letztlich doch zu beobachten sind), waren Peter Druckers Vorhersagen zweifellos zu optimistisch. Zwar hatte er die Auswirkungen der Informationstechnologien auf den Arbeitsmarkt vorausgesehen, als das Internet noch in den Kinderschuhen steckte, doch hat das kapitalistische System (noch?) nicht ausgedient, ganz im Gegenteil. Die Monopolunternehmen, die bei der digitalen Innovation, den sozialen Netzwerken und dem Online-Handel den Ton angeben, gehören zu den am höchsten bewerteten an der Börse. Die Rohstoff- und Energieressourcen, die für den Betrieb der Server und Batterien benötigt werden, erfordern nach wie vor ausbeutbare Arbeitskräfte. Und die Quadratmeter in der Dienstleistungswirtschaft werden immer teurer.
Der Titel der neuen Ausstellung im Mudam ist ganz offensichtlich von Peter Druckers Werk inspiriert. „Post-Capital : Kunst und Wirtschaft im digitalen Zeitalter“, deren Hauptkuratorin Michele Cotton, Leiterin des künstlerischen Programms des Museums, ist, nimmt das vermeintliche Ende des Kapitalismus als Ausgangspunkt und weist dabei auf das Paradoxon hin: „&Das kapitalistische System erweist sich als zugleich abhängig vom technologischen Fortschritt und bedroht durch dessen Entwicklungen.“ Anstatt ihren Wert aus ihrer Knappheit zu beziehen – dem traditionellen Bestimmungsfaktor für den Preis von Dingen –, ist Information umso wertvoller, je reichlicher (und verarbeiteter) sie ist. Diese Paradoxien greifen die 21 ausgewählten Künstler auf, setzen sich intensiv mit ihnen auseinander, stellen sie zur Schau und machen sie zum Gegenstand ihrer Arbeit. Sie bringen die Fragen ans Licht, die sich rund um die Produktions- und Konsumbedingungen stellen, und spielen dabei gleichzeitig mit den technologischen Werkzeugen, die sie selbst kritisieren.
Arbeit ist Gesundheit (nicht) Eine der Strategien von Künstlern, die die Absurditäten der postindustriellen Wirtschaft aufdecken, besteht darin, auf das hinzuweisen, was normalerweise verborgen bleibt. Unübersehbar ist die MiG-21, ein sowjetischer Kampfjet, den Roger Hiorns in der großen Halle präsentiert. Der Künstler hatte das Flugzeug 2018 in Prag vergraben – eine Aktion, die ein internationales Netzwerk unterirdischer Flugzeuge vervollständigte, die der Künstler an mehreren europäischen Standorten vergraben hatte. Die MiG-21, die oft als Ikone des Kalten Krieges angesehen wird und der meistgebaute Überschalljet der Luftfahrtgeschichte ist, wird vom Künstler als „Stück verlassener Macht“ bezeichnet. Hier wird das Flugzeug durch ein „Verdauungssystem“ mechanischen „Verdauungssystem“, das sowohl den Begriff der Trägheit als auch den eines kontinuierlichen Flusses heraufbeschwört (und das an Wim Delvoyes „Cloaca“ erinnert, die 2007 am selben Ort installiert wurde). Zwei Konzepte, die im wirtschaftlichen Vokabular ihren Widerhall finden.
Die Arbeitsbedingungen der heutigen Welt und die damit verbundenen sozialen Probleme werden in mehreren Werken thematisiert, für deren Betrachtung man sich Zeit nehmen sollte. Der Langfilm (63 Minuten) „Asia One“ von Cao Fei wurde in einem E-Commerce-Lagerhaus in Shanghai gedreht. Zwischen Science-Fiction und Liebesgeschichte erzählt er die Geschichte zweier Mitarbeiter, die in dieser riesigen, vollständig automatisierten und von Robotern gesteuerten Halle arbeiten. Charlie Chaplins „Moderne Zeiten“ oder Fernand Légers „Le Ballet mécanique“ sind nicht weit entfernt. Simon Dennys Werk, das einer Dystopie à la „Black Mirror“ würdig ist, lässt einem einen Schauer über den Rücken laufen. Es handelt sich um eine Skulptur, die den Zeichnungen eines 2016 von Amazon angemeldeten Patents nachempfunden ist: ein automatisierter Käfig, der dazu dient, die Mitarbeiter bei ihren Bewegungen in den Lagern zu „schützen“. Über eine App lässt sich zudem ein im Käfig gefangener Vogel visualisieren – eine Anspielung auf die Kanarienvögel, die man früher in Käfigen in die Kohlebergwerke mitnahm, um dort giftige Gase aufzuspüren. Der Abbau von Erzen und das Data Mining (das im Online-Handel weit verbreitet ist) treffen hier aufeinander – mit all den damit verbundenen verheerenden Auswirkungen auf die Umwelt und den beschwerlichen Arbeitsbedingungen.
Diese Beschwerlichkeit wird auch von Liz Magic Laser in ihrer Installation „In Real Life“ veranschaulicht. Sie hat fünf Freiberufler über Plattformen rekrutiert, die Aufträge auf Stunden- oder Stücklohnbasis anbieten. Sie lässt sie im Bereich Biohacking arbeiten, einem Markt, der auf Wohlbefinden und Produktivitätsoptimierung ausgerichtet ist und Wissenschaft und Technologie miteinander verbindet. Auf diese Weise bedient sich die Künstlerin derselben Techniken, die sie anprangert: einer globalisierten „On-Demand“-Arbeitswirtschaft, die „Heilmittel“ für Probleme erfindet, zu deren Entstehung sie selbst beiträgt.
„Cash-Cash“-Performance: Geld steht natürlich im Mittelpunkt einer Reihe künstlerischer Projekte wie dem von Ei Arakawa, der auf die minutengenaue Vergütung anspielt, die er für seine Performances in verschiedenen Kunstinstitutionen erhielt, wobei er sowohl die Vorbereitungszeit als auch die Ausführungszeit mit einberechnete. Seine Berechnungen ergeben einen Betrag von 0,72 Dollar pro Minute. Diese „Gemälde“ aus LEDs entstanden in Zeiten, in denen der Künstler aufgrund des Lockdowns keine Performances durchführen konnte. Virtuelles Geld in der Installation von Yuri Pattison, die Bilder einer Bitcoin-Mine am Rande des tibetischen Plateaus zeigt. Das Video stellt Szenen aus Lagerhallen voller Mining-Rigs (Prozessorgehäuse) Bildern des nahegelegenen Wasserkraftwerks gegenüber, um die menschlichen und ökologischen Folgen der Produktion dieser Währung zu beleuchten.
Eine weitere Form virtueller Währung wird durch die Fotos von Shadi Habib Allah dokumentiert, der sich mit dem Missbrauch des in Florida eingeführten Nahrungsmittelhilfeprogramms (SNAP, Supplemental Nutrition Assistance Program) befasst. Einige kleine Händler in Miami, die unter dem Druck großer Supermarktketten leiden, tauschen die Lebensmittelgutscheine gegen Bargeld ein und behalten dabei eine Provision von fünfzig Prozent ein. Ganz und gar materielles Geld hingegen ist das, das Mohamed Bourouissa bei der Prägung der Münzen in der Pariser Münzanstalt filmt. Die hier geprägte Münze zeigt das Bildnis des französischen Rappers Booba, dessen Song „Fœtus“ sein Leben als Soundtrack nachzeichnet. Eine Art, traditionelle Hierarchien auf den Kopf zu stellen, indem eine populäre Figur in den Rang einer Staatsfigur erhoben wird.
Die Spielregeln haben sich geändert: Kommerzialisierung personenbezogener Daten, Neusprache im Zeitalter der sozialen Netzwerke, Aufmerksamkeitsökonomie, Informationsüberflutung, protziger Konsum, städtische Gentrifizierung… All dies sind Übel unserer Zeit, die Künstler in ihren Werken aufdecken, indem sie eben jene Codes und Werkzeuge dieser neuen Ökonomie zweckentfremden. So präsentiert Sondra Perry in ihrer Installation ihren Zwillingsbruder, einen ehemaligen College-Basketballspieler, dessen biometrische Daten an einen Videospielhersteller verkauft wurden, in dessen Spiel er gegen seinen Willen „neu erschaffen“ wurde. Durch die Verbindung von digitalen Technologien (Ausschnitte aus dem Spiel, Sprachsynthese, 3D-Modellierung), Kulturanalyse (afrikanische Kunstobjekte aus westlichen Museen) und persönlicher Geschichte (Familienfotos und -videos) prangert das Werk die Objektivierung schwarzer Amerikaner durch kommerzielle Unternehmen an.
Mit Nahaufnahmen von Händen in leuchtenden Nagellackfarben, die auf Touchscreens tippen, unterstreichen die Fotografien von Josephine Pryde unsere zunehmende Abhängigkeit von Tablets und Smartphones und zeigen, inwieweit diese zu Verlängerungen unseres Körpers geworden sind. Katja Novitskovas Skulpturen – aus dem Internet gesammelte Tierbilder, die in dreidimensionale Silhouetten verwandelt wurden – spielen mit dem Streben nach Aufmerksamkeit und der schnell befriedigten Emotion in den sozialen Netzwerken. Sie wählt ihre Motive übrigens nach deren Beliebtheit in den sozialen Netzwerken aus und integriert Pfeile, die die Wachstumskurven darstellen, wie man sie aus Unternehmenspräsentationen kennt.
Anhand eines großen Wandgemäldes, von Performances und Plakaten, die über die Stadt Luxemburg verteilt sind, verzerrt und ordnet Nora Turato Wörter und Ausdrücke neu an, die typisch für die Kommunikation in Diskussionsforen, Kommentaren, der Werbung und politischen Reden sind. Indem sie aus diesem kontinuierlichen und überladenen Strom schöpft und die Sprache aus ihrem Kontext herauslöst, vermittelt sie das, was sie als „textuelle Hysterie des Smartphone-Zeitalters“ bezeichnet. Trotz eines „Déjà-vu“-Eindrucks bei diesen Ausdrücken verleiht ihnen die visuelle Transformation durch Maßstab, Typografie und Farben eine neue Dimension und eine andere Wahrnehmung. So verdeutlicht sie die Symptome einer ambivalenten Epoche, in der Sprache allgegenwärtig ist, auch wenn sie dabei weitgehend ihrer Bedeutung beraubt wird.
Die Art und Weise, wie Künstler auf die Missstände unserer Zeit aufmerksam machen, verdeutlicht, wie sehr die Hoffnungen auf eine „neue Welt“ – eine weniger zynische und inklusivere – heute weitgehend zunichte gemacht wurden. Die Welt, die sie beschreiben, scheint eher noch schlimmer zu sein – als ob es gerade die Perversität des Systems wäre, uns glauben zu machen, dass eine andere Welt möglich ist.
