Das Danach und die Hintergründe

Es liegt eine gewisse Logik darin, dass das Casino Luxembourg – Forum für zeitgenössische Kunst anlässlich seines 30-jährigen Bestehens nicht in einen triumphalen Spiegel blickt, sondern in den Keller hinabsteigt, um eine Bestandsaufnahme seiner Grundlagen vorzunehmen. Die beiden Eröffnungsausstellungen des Jubiläumsprogramms „Fora, Post-“ – eine von Charles Rouleau und Filipa Lima kuratierte Gruppenausstellung – sowie „Notes on Weathering“ von Bianca Bondi unter der Leitung von Kevin Muhlen und Stilbé Schroeder vermitteln auf den ersten Blick den Eindruck, unterschiedlichen Logiken zu folgen: Die eine blickt zurück, um eine pädagogische und residenzbasierte Praxis besser in die Zukunft zu projizieren, während die andere in die Kellerräume vordringt, um dort die mächtigen Kräfte der Zeit wirken zu lassen. Betrachtet man sie jedoch gemeinsam, erkennt man eine Gemeinsamkeit: das gleiche Misstrauen gegenüber der Ausstellung als feststehendem und stabilem Ereignis, die gleiche Aufmerksamkeit für die Zeitlichkeit als Rohstoff, der gleiche Wille, das aufzunehmen, was sich einer vorgefertigten Schlussfolgerung, Bewahrung oder Lesbarkeit entzieht.

„Post-“ steht somit für Forschung als Ausstellung und Ausstellung als Methode. Das Projekt gliedert sich in zwei Hauptschwerpunkte: dem „Post-Master“, der sich mit den Herausforderungen der Präsentation und Vermittlung künstlerischer Forschung befasst, und den „Post-Résidences“, die das Leben und den Wandel aufstrebender Werke aus Residenzkontexten untersuchen. Es war besonders klug von den Kuratoren, dieses Projekt nicht mit einem allzu schwerfälligen theoretischen Ansatz zu belasten. Das Konzept ist ehrlich und zeichnet sich durch bewusste Bescheidenheit aus: Es geht nicht darum, fertige Werke zu zeigen, sondern Prozesse, Zwischenstadien und Wechselwirkungen zwischen verschiedenen Räumen aufzudecken.

Die Wahl des hängenden Bindestrichs „Post-“, ohne jegliche Ergänzung, eignet sich perfekt als Zeichen für eine beabsichtigte semantische Öffnung. Man denkt an Umberto Ecos Essay über Präfixe und kulturelle Zeitlichkeiten, daran, wie „post-“ letztendlich eher das benennt, was man hinter sich lässt, als das, worauf man zusteuert. Hier ist das Casino Display, ein Ort der Residenz und der Forschung, zugleich das, was man hinter sich lässt, und das, woraus man Lehren zieht – in einer bewussten rückwirkenden Bewegung. Die fünf Künstler des Post-Master-Programms (Matilde Gazeau Frade, Inès Hosni, Mona Young-eun Kim, Jae Park und Seunghyun Park) stammen aus einem Programm in Zusammenarbeit mit der HEAR in Straßburg, La Cambre in Brüssel, der KABK in Den Haag und der ENSAD in Nancy. Diese europäische Geografie ist nicht nebensächlich, denn sie verdeutlicht die Positionierung des Casino Luxembourg als regionaler Knotenpunkt zwischen nationalen Kunstszenen, deren gegenseitige Beziehungen selten hinterfragt werden.

Es ist schwieriger, die Spannung einzuschätzen, die jedem institutionalisierten „Work in Progress“ innewohnt. Eine unvollendete Recherche zu zeigen, ist ein legitimer Ansatz; er zwingt den Besucher dazu, auf die Befriedigung durch das Ergebnis zu verzichten und das Unbehagen des Unvollendeten zu akzeptieren. Doch diese Geste, die seit einem Jahrzehnt in europäischen Kunstzentren nach Belieben wiederholt wird, verläuft schließlich zur Routine. Die Gefahr besteht darin, dass die Unvollständigkeit zu einem Stil an sich wird, zu einer Art Schutz vor der Beurteilung. Das ist hier zwar nicht der Fall – die Werke sind von einer echten Forschungsintensität geprägt –, doch die Frage verdient es, gestellt zu werden, gerade weil das Programm selbst dazu einlädt.

Die „Post-Résidences“ (Sam Krack, Phuong Thao Nguyen, Ludovic Hadjeras und Nika Schmitt) folgen nach einem festgelegten Zeitplan aufeinander, wobei jeder in die Säle des Casinos etwas mitbringt, das ursprünglich an einem anderen Ort, im Rahmen der Residenz, entstanden ist. Die grundlegende Frage der kuratorischen Praxis, die selten so explizit in den Vordergrund gerückt wird, ist die der räumlichen Übersetzung: Wie passt sich ein für einen Raum konzipiertes Werk an einen anderen an – oder wie widersetzt es sich diesem? Zum Abschluss wird Nika Schmitt die Zeitlichkeiten verwischen, indem sie eine Reflexion in umgekehrter Richtung entwickelt: vorwegnehmen, bevor man sich dort aufgehalten hat, einen Dialog zwischen vergangenen und zukünftigen Werken herstellen. Diese Umkehrung ist zweifellos der radikalste Ansatz des Programms. Sie legt eine Wahrheit offen, die oft verschwiegen wird: dass jede Residenz bereits teilweise fiktiv ist, in der Vorstellung konstruiert, bevor sie erlebt und verwirklicht wird.

Während „Post-“ eine Ausstellung ist, die zum Nachdenken anregt, ist „Notes on Weathering“ eine Ausstellung, die sich Schicht für Schicht entfaltet. Dieses sich weiterentwickelnde Projekt von Bianca Bondi erstreckt sich über ein ganzes Jahr in den Kellern des Casinos und unterstreicht damit eine unterirdische, kontinuierliche Zeitlichkeit. Diese für die Öffentlichkeit normalerweise unzugänglichen unterirdischen Räume bilden eine einzigartige Umgebung, die von Feuchtigkeit und Mineralität geprägt ist. Die Künstlerin, die fast schon einer Alchemistin gleicht, schafft durch chemische Reaktionen Ökosysteme, die sich ständig weiterentwickeln. Salz, Kupfer, kristallisierende Lösungen und Latex sind Substanzen, die sich der Künstlerin nicht unterwerfen; sie reagieren auf ihre Umgebung, wachsen oder zersetzen sich nach Gesetzmäßigkeiten, die sich ihrem Verständnis fast vollständig entziehen. Genau dieser Anspruch auf Nicht-Kontrolle steht im Mittelpunkt des künstlerischen Ansatzes.

„Weathering“ – ein geologischer Begriff, der die Verwitterung von Gestein durch Witterungseinflüsse bezeichnet – ist eine aussagekräftige Metapher für eine Institution, die ihr 30-jähriges Bestehen feiert. Jede Institution unterliegt der Verwitterung: Sie erodiert oder es bilden sich Ablagerungen, sie verändert sich unter dem fast unsichtbaren Einfluss der Zeit und ihrer aufeinanderfolgenden Nutzer. Indem das Casino seine Kellerräume einer Künstlerin anvertraut, deren künstlerische Praxis auf irreversiblen Prozessen beruht, offenbart es etwas über sein eigenes Wesen: nicht die Festigkeit eines Denkmals, sondern die Durchlässigkeit eines lebenden Organismus. Bianca Bondi wird die Kellerräume nacheinander aktivieren, und diese sequenzielle Ausbreitung wird hier zur Vorgehensweise, denn jeder Besuch ist buchstäblich ein Besuch in einem anderen Zustand des Werks.

Die okkulte Dimension, die seit ihren Anfängen in Bianca Bondis Schaffen präsent ist – mit ihrer rituellen Verwendung von Salz sowohl als Reinigungsmittel als auch als chemisches Reagenz –, verdient es, näher betrachtet zu werden. In einem feuchten Keller, in dem der Putz ausblättert und das Metall rostet, ist das Paranormale keine esoterische Haltung mehr: Es ermöglicht den Zugang zum Übermaß der Materie gegenüber den Absichten, die sie beseelen, denn was in diesen Kellern geschieht, ist weder ganz gewollt noch ganz vorhersehbar. Dies ist zugleich eine recht treffende Beschreibung dessen, was eine lebendige Institution ausmacht.

Das Jubiläumsprogramm von Fora wurde als offener Raum konzipiert, der von vielfältigen Zeitebenen durchzogen ist. Hinter dieser Ausrichtung verbirgt sich eine gewisse rhetorische Zurückhaltung, die ganz im Sinne seines Leiters Kevin Muhlen ist: Feiern ohne jeglichen Triumphalismus, zurückblicken, ohne in der Vergangenheit zu verharren, in die Zukunft blicken, ohne Versprechungen zu machen. Diese ehrliche und recht einzigartige institutionelle Haltung birgt jedoch ein eigenes Risiko: das Risiko, sich in Selbstreflexivität als Zuflucht zu flüchten.

Was diese beiden Ausstellungen perfekt vor dieser Gefahr bewahrt, ist gerade die Tatsache, dass sie nicht über das Casino sprechen, sondern es nutzen. „Post-“ feiert das Casino Display nicht: Es hinterfragt dessen Vermittlungsmechanismen. „Notes on Weathering“ gedenkt dem Gebäude nicht: Es verändert es bewusst, oder besser gesagt, es lässt es sich selbst verändern.

In diesem doppelten Ansatz liegt so etwas wie eine Ethik der Programmierung: nicht das Fertige zu zeigen, sondern den Zugang zu dem zu ermöglichen, was gerade entsteht.