Bildende Kunst 3. Januar 2025 4 Min. Lesezeit

Die äußerst facettenreiche Arte Povera

Gemeinsam in der Rotunde, getrennt in den Sälen der Handelsbörse: die italienischen Künstler, die damals provokativ waren und heute eine starke Anziehungskraft ausüben

Erschienen in Ausgabe Januar 2025

Lucien Kayser

Geben wir zunächst dem Kaiser, in diesem Fall dem Kritiker Germano Celant, was ihm zusteht: Er war es, der den Begriff „Arte Povera“ in die Kunstgeschichte einführte – eine Bewegung von etwa einem Dutzend bis fünfzehn italienischen Künstlern Ende der 1960er Jahre, ohne echtes Manifest, wie sich sehr schnell zeigen sollte, wobei die Individualitäten wieder die Oberhand gewannen. Er hatte sie dennoch als Guerilleros bezeichnet, und es stimmt, dass sich alle in ihrer Praxis gegen das auflehnten, was damals vorherrschte – um es zusammenzufassen: den amerikanischen Imperialismus, in der Kunst und darüber hinaus. Und als echte Italiener konnte ihr Vorbild eine ganz und gar franziskanische Armut sein, und so wie Breton in vergangenen Jahrhunderten Surrealisten gefunden hatte, knüpften auch sie an solche Vorfahren an.

Einfacher und pragmatischer ausgedrückt: Beziehen wir die Bezeichnung auf etwas anderes. Sie wandten sich von der Malerei ab und widmeten sich Objekten und Installationen, die stark vom Theater geprägt waren, und verwendeten ganz einfache Materialien, natürliche Elemente und Fundstücke. Und alles war dabei – zum Beispiel Jannis Kounellis, der Kohle, Eisen, Rohwolle, Baumwolle, Jute, Kaffee und vieles mehr verwendete ; er integrierte lebende Tiere – Vögel, Fische, Pferde – und, wie Mario Merz, für die Lebendigkeit den Strom, der durch eine Neonröhre fließt, ja sogar Feuer. Celant wollte Künstler als Alchemisten, „Schöpfer magischer und wundersamer Dinge“.

Ihre Techniken waren elementar, die Handgriffe einfach – ein weiteres Beispiel: Alighiero Boetti, der Papierblätter mit Kugelschreiberspuren bedeckte und die handwerkliche Stickarbeit ganz und gar den afghanischen Frauen überließ.

Armut versus extremer Reichtum und eine unwiderstehliche Anziehungskraft (und Provokation). Das wird in der von Carolyn Christov-Bakargiev organisierten Ausstellung in der Handelsbörse mehr als deutlich. Sie war 2012 in Kassel und 2015 in Istanbul tätig und hatte die Leitung des Castello di Rivoli, einer Hochburg der Arte Povera, übernommen; außerdem konnte sie auf die Sammlung des Hausherrn Pinault zurückgreifen, dem man Leihgesuche nicht abschlägt. Das Ergebnis: zwei bis drei Stunden voller Besichtigung und Staunen sowie der eindrucksvolle Beweis für eine Kunst, die dem Leben nicht näher sein könnte.

Ein empfehlenswerter Rundgang für Besucher – die Ausstellung ist noch bis zum 20. Januar geöffnet. Als eine Art Einleitung dienen die Vitrinen rund um die Rotunde von Tadao Ando, in denen unter anderem Werke der Gutai-Bewegung sowie auf italienischer Seite Burri und Manzoni zu sehen sind, ergänzt durch die theoretischen Grundlagen von Guy Debord und den Situationisten. Und dann betritt man die Rotunde, und es ist wie ein Schlag in die Magengrube, Liebe auf den ersten Blick. Was für ein bezauberndes und faszinierendes Durcheinander, um das man immer wieder gerne herumschlendert. Werke, eins, zwei, drei, von den dreizehn Künstlern – der Blick wandert von einem zum anderen, wie man die Seiten eines Bilderbuchs durchblättert, doch er verweilt bei all diesen unterschiedlichen Materialitäten, all diesen Formen, all diesen Fragestellungen. „Che fare?“, fragt die Neoninstallation von Merz in der Metallwanne; auf der anderen Seite antwortet ein Neonblitz, der aus Heuballen herausragt. Die Grabfigur von Fabro ist unter Marmor verborgen, der Kopf ist verschwunden; ganz in der Nähe liegt Boetti in der Sonne oder im Schnee, aus Zementkugeln geformt, oder auch das rosa Bleiblatt von Calzolari.

Man müsste sie alle aufzählen, diese Werke, und sie beschreiben. Und daraus schließen, dass die „Poveristi“ bis heute die Künstler waren, die in ihren Ausstellungen – Orte, an denen alles in Bewegung ist, Orte der Metamorphosen – die meiste Energie in Umlauf gebracht haben. Und folglich auch unermüdliche Fragen. Die beiden Abgüsse der Aphrodite von Paolini mit dem Titel „Mimesi“ stehen sich gegenüber, als sähe sich die Göttin selbst in einem Spiegel (ach, wie typisch für Pistoletto), voller Staunen.

In den oberen Etagen haben die dreizehn Protagonisten (darunter nur eine Künstlerin, Marisa Merz) jeweils ihren eigenen Raum. Und der Besucher hat die Möglichkeit, jedes Mal weiter und tiefer vorzudringen. Und zu erkennen: Ja, auch wenn es die allerersten gemeinsamen Ausstellungen gab, zeugen diese Retrospektiven im Kleinen von der Vielfalt der Ansätze und Werke. Auch wenn sie alle unter einem bestimmten, wesentlichen Begriff zusammengefasst werden können, der von Boetti entlehnt ist und sich auf ein prächtiges Diptychon bezieht – Kugelschreiber auf Papier, auf Leinwand aufgezogen: „Mettere al mondo il mondo“. Ein maßloser Ehrgeiz, der mit den bescheidensten Mitteln umgesetzt wurde.