Die Villa Vauban zeigt rund vierzig Werke zeitgenössischer Kunst aus den Jahren 2018 bis 2022, die kürzlich von der Stadt Luxemburg für ihre Museen erworben wurden. Jedes Jahr werden etwa hundert Werke von in Luxemburg ansässigen, inländischen und ausländischen Künstlern sowie von im Ausland lebenden Künstlern angekauft. Der Titel „Willkommen in der Villa ! (2) Jüngste Ankäufe zeitgenössischer Kunst“ ist zwar nicht besonders einprägsam, knüpft jedoch an eine erste Ausstellung im Jahr 2022 an. Er verdeutlicht damit die Unterstützung des zeitgenössischen Kunstmarktes, da es sich bei den meisten Werken um Ankäufe bei Galerien, von Künstlern, beim CAL und/oder während der Art Week handelt; lediglich zwei Werke sind Schenkungen der „Amis des Musées“ und der Galerie Schlassgoart.
Die Förderung lebender Künstler war nicht immer so dynamisch. Ein Beweis dafür ist der schwierige Weg zum Ruhm, den moderne luxemburgische Maler zu Lebzeiten beschreiten mussten – im Ausland übrigens etwas weniger als im eigenen Land.Bis Joseph-Emile Müller vom Nationalmuseum (MNAHA) eine Politik der Ankäufe, Ausstellungen im Ausland und der Verbreitung des Wissens über die Kunst jener Zeit in der breiten Öffentlichkeit verfolgte. Die vorliegende Ausstellung ist daher ein hervorragendes Mittel zur Sensibilisierung für zeitgenössische Kunst. Sie ist zugleich eine Bestätigung dafür, dass öffentliche Unterstützung für das Bestehen der Galerien und das Schaffen der Künstler unverzichtbar ist. Auffällig ist jedoch das Fehlen eines Éric Chenal. Man erinnert sich jedoch daran, eine Ausstellung seiner Arbeiten gesehen zu haben, die sich auf höchstem Niveau zwischen Fotografie und bildender Kunst bewegten. Auch Paul Kirps fehlt. Dieser wird zwar nicht von einer Galerie vertreten, aber Spike auch nicht – der glücklicherweise mit „Portes ouvertes“ in der Ausstellung vertreten ist. Ein Foto aus dem Jahr 2016, das als einzige Erinnerung an einen verschwundenen Ort bleiben wird: das Arbeitsfeld des Graffitikünstlers.
Der Villa Vauban wurde manchmal vorgeworfen, dass die thematischen oder gar monografischen Ausstellungen (Landschaften, Porträts, Jahrzehnt) eine Einteilung nach Kategorien vorsahen, die es dem Besucher unmöglich machte, Verbindungen zwischen den malerischen Stilen verschiedener Künstler oder der Entwicklung eines Künstlers im Laufe der Zeit herzustellen. „Willkommen in der Villa!“ (2) profitiert diesmal von thematischen Titeln, die eine Zusammenfassung der Themen darstellen. So werden die Besucher, nachdem sie von dem prächtigen, vor Ort gemalten Wandgemälde „Sea of Green“ von Tina Gillen – das für die erste Phase der Ausstellung im Jahr 2022 geschaffen wurde – und „Elephant in the Room“ von Pit Molling (3D-Druck, 2022) empfangen wurden, eröffnet der Abschnitt „Empowerment“ die Ausstellung mit Werken von Künstlerinnen.
Das Thema, das man nicht umgehen kann – „wie der Elefant im Raum“ –, ist ORLANs „Akt, der die Treppe mit Keilabsätzen hinabsteigt – Untere Blickwinkel mit Kopf“ (2021). Es ist das genaue Gegenteil von Duchamp. Nicht, weil es sich hier um eine Frau handelt, und auch nicht, weil Marcel Duchamps „Akt, der die Treppe hinabsteigt Nr. 2“ (aus dem Jahr 1912, wohlgemerkt!) an Abstraktion grenzte, sondern wegen des Aufnahmewinkels. Es geht um Intimität, die wie in Courbets „L’Origine du monde“ offenbart wird: Es ist die Schamhaftigkeit des Blicks des Betrachters, die entblößt wird. Die Frau und das realistische Motiv finden sich auch in „Der Akt, der eine Treppe hinabsteigt“, einem farbigen fotografischen Selbstporträt von Elina Brotherus (2010), wieder. Dieses Werk erinnert zusammen mit dem Wandgemälde „1900 auf der Treppe“ an die Kunstgeschichte, ebenso wie „Das Frühstück im Grünen“ von Berthe Lutgen (Öl auf Leinwand, 2001) und die Tischdecke von Germaine Hoffmann (1987, Mischtechnik auf Leinen).
Man denke an das Gemälde von Manet, das damals wegen der Nacktheit der weiblichen Körper einen Skandal auslöste … Germaine Hoffmann verweist prosaischer auf die Frau, die auf ihre Rolle als Hausfrau beschränkt ist. Unumgängliche luxemburgische Künstler und Motive (ein Damenporträt von Roland Schauls, die „Schueberfoer“ von Moritz Ney) sind in der Sektion „Images of Humanity“ weniger interessant als die Schlichtheit der Momente des Familienlebens im Freien bei Stéphanie Uhres (2019, Acryl auf Leinwand), die ungeschminkten Gesichtszüge von Anna bei Nina Mambourg (2022, Öl auf Leinwand) sowie ihr sehr zeitgenössisches Werk „Functional Wear“ (2018). Mode im Influencer-Stil, an der Grenze zum Grotesken, die durch ihre Machart und die kräftigen Farben an einen Expressionismus im Stil der Weimarer Republik anknüpft…
Man kann und will hier keine erschöpfende Beschreibung aller Werke geben. Dennoch fragt man sich, warum man heute ein spätes Werk von Patricia Lippert und einige andere lyrische Abstraktionen kaufen sollte… Doch in „Shapes and Surfaces“ ist die Arbeit mit gemustertem Stoff anstelle von Leinwand, die sorgfältige Tarnung durch kleine Farbtupfer von Nina Tomàs (2018, „Extinction“), absolut zeitgemäß – ein klassischer Malgrund, jedoch auf einem umgedrehten Bild. Es hängt gegenüber von „Calva Nera I, II, III“, einem frühen Werk (2020) des „städtischen Entdeckers“ Julien Hübsch, wie es im Katalog heißt. Dies zeigt, dass das CAL, das lange Zeit als „altmodisch“ verschmäht wurde, seinen Platz in der Kunstszene zurückerobert: Seine Preisträger des Jahres 2023 waren Julien Hübsch und Pit Riewer.
„Identity/Bounderies“ versammelt Namen und Werke, die die meisterhafte Beherrschung der Porträtkunst (und des Selbstporträts) durch die junge Szene verdeutlichen: Mike Bourscheid und seine Arbeit zum Thema Geschlecht („Der Kaktustänzer, aber der Bruder“, Fotografie, 2013). Das Diptychon „Kopfüber“ von Anna Krieps (Fotografie, 2017), in dem eine rückwärts fallende Frau, steif der geschmeidigen, plissierten Ästhetik gegenübersteht, die an Silhouetten aus der griechischen Antike erinnert, während es sich in Wirklichkeit um Rettungsdecken von Migranten in Wüstenlandschaften handelt (Halidom, Fotografien von Lisa Kohl, 2022).
Es ist der letzte Raum, dessen Auswahl makellos und in der Hängung perfekt ausgewogen ist. Der Rundgang endet mit dem kraftvollen, aber nicht zu entschlüsselnden Ausdruck eines maskenhaften Gesichts von Joachim van der Vlugt (Big Plans Executed, 2022). „Viridian“ (2021) von Pit Riever zeigt den Oberkörper eines Mannes – ausdrucksstark, klar erkennbar und doch lassen die meisterhafte Ausführung und die dominierenden Farben Blau und Grün dieses Werks aus Acryl und Gouache auf Leinwand ihn wie eine Erscheinung verschwinden. Ein weiterer Beweis dafür, dass die jüngsten Ankäufe der städtischen Museen tief in den Themen verwurzelt sind, die unsere Zeit beschäftigen.
