Die Kunst der Unschärfe

Betritt man die Nosbaum Reding Projects Gallery, ist es, als würde man den Wald betreten, nachdem man die ausgetretenen Pfade verlassen hat. Bei der Suche nach dem Künstler JKB Fletcher stößt man auf ein konstantes Element seines Schaffens: die Fotografie, die er nutzte und nach wie vor nutzt, um anschließend Gemälde zu schaffen. Während eines langen Aufenthalts in Australien schuf JKB Fletcher zahlreiche realistische, ja sogar hyperrealistische Porträts. Über diese Zeit sagt er, seine Herausforderung habe darin bestanden, „Formen wiederzugeben, Tiefe zu schaffen, indem er Ölfarbschichten von nicht mehr als einem Millimeter Dicke übereinanderlegte, um schließlich ein erkennbares (d. h. realistisches) Bild allein durch den Einsatz von Farbe zu schaffen. “

JKB Fletcher, 1982 in Großbritannien geboren, lebt mittlerweile in Luxemburg. Er hat sich im Süden des Landes niedergelassen. Obwohl ihn die industrielle Vergangenheit fasziniert, war es nicht die Rauheit der verlassenen Landschaften, die er im Jahr 2000 bei seiner ersten Einzelausstellung in derselben Projects Gallery präsentierte, sondern die „Landmass“-Arbeiten, die scharfkantige Bergmassive zeigten, deren hohe, schneebedeckte Gipfel den Einsatz der Nicht-Farbe – Schwarz und Weiß – zu rechtfertigen schienen.

Wenn man es technisch betrachtet und auf seine zweite Ausstellung „Abundance“ eingeht, die derzeit zu sehen ist, so bleiben die nach Fotos entstandenen Arbeiten und der feinfühlige Umgang mit Ölfarbe die Konstante seines Schaffens. Die Hängung zeugt davon: JKB Fletcher hat in den letzten zwei Jahren Serien geschaffen, die man als Ode an den Wald interpretieren kann. Seine senkrechten Stämme, das Relief des Laubs, das plötzliche und üppige Aufblühen (daher wohl auch der Gesamttitel) der Knospen. Die Verbindung zur Fotografie besteht darin, dass man sich wie mitten im Unterholz fühlt, als blicke man direkt in die Laubkronen und, mit erhobenem Kopf, von unten auf die Frühlingsblüte.

Um auf die Fotografie zurückzukommen – nicht nur als Technik, sondern als Kunstform –, lässt sich sagen, dass „Abundance“ quasi eine Rückkehr zum Pictorialismus darstellt, als die Fotografie noch – fast – Malerei war. Der Begleittext zur Ausstellung bringt dies zum Ausdruck. Der von Fletcher gemalte Wald ist nur noch ein Echo des Waldes, in Schwarz-Weiß: so auch bei zwei großen Gemälden, von denen das eine das Negativ des anderen zu sein scheint, oder die Darstellung der ebenso zerbrechlichen und plötzlich verflogenen Blüte der japanischen Kirschbäume, die die Japaner in und wegen der Vergänglichkeit des Augenblicks verehren. Was die Laubbäume betrifft, die als Triptychon dargestellt sind – eine klassische Form der Altarbildmalerei –, so soll damit die Heiligkeit unserer Wälder zum Ausdruck gebracht werden. Ein Objekt der Verehrung, vor dem man meditieren kann. Die Zeit des Überflusses ist vorbei, das lässt uns Fletcher auf subtile Weise verstehen.

Die Malweise von Carine Kraus ist von großem Wert; derzeit ist in der Galerie Fellner contemporary ihre Einzelausstellung „Pas et de plis“ zu sehen. Die menschliche Figur war schon immer ein bevorzugtes Thema dieser luxemburgischen Künstlerin, die ihr Studium an der Kunsthochschule in Lausanne abschloss, wo sie später auch selbst unterrichtete, bevor sie ihre berufliche Laufbahn in Paris fortsetzte, unter anderem mit einem Aufenthalt an der Cité des Arts in den Jahren 2014–2015.

Carine Kraus fühlt sich wohl bei der Darstellung von Menschen – oder vielmehr von menschlichen Körpern –, von denen sie hier eine Serie präsentiert, die den Moment des Tanzes einzufangen scheint. Carine Kraus schuf 2018–19 die Werke „Danseuses“, „Bustier, turquoise“ und „Pina 6, hommes“, ebenfalls nach Fotografien. Die Transparenz des Acrylanstrichs auf Leinwand lässt den Glanz der Kleider der wirbelnden Frauen im ersten Werk schimmern und lenkt den Blick auf die Hände der Männer in dunklen, strengen Anzügen, die wie Flamenco-Tänzer mit den Händen klatschen.

Es ist fast ein Stillstand, während alle von Kraus dargestellten Körper und Körperteile von der Bewegung des Tanzes mitgerissen werden. Man spürt auch die körperliche Anstrengung, und manchmal strahlen die Bewegungen des Beckens eine gewisse Schamlosigkeit aus. Bei ihren beiden jüngsten Gemälden ist dies nicht der Fall. Bei „Nicht nach links“ und „Nicht nach rechts“ werden die Silhouetten nicht nur durch die Tanzbewegung quasi aus dem Bildrahmen hinausgetrieben, sondern sie bestehen lediglich noch aus Stoffbewegungen und ineinander verschlungenen Körpern, was den allgemeinen Titel der Ausstellung „Schritte und Falten“ verdeutlicht. Nur der Fuß der Tänzerin stützt sich noch auf einen verspiegelten Boden. Es handelt sich zweifellos um einen Tangoschritt, den ernsthaftesten Tanz, den es gibt. Carine Kraus versteht es, ihn zu malen.