Die Kunst der Gastfreundschaft

Den Boden, den unteren Bereich oder gar den Untergrund zu nutzen, ist etwas, das man in der zeitgenössischen Kunst eher selten sieht, wo man meist die hellen Höhen der Bilderleisten bevorzugt. Die Ausstellung „invisibles“ hingegen verankert sich in den Abgründen der Gesellschaft, am Grund eines halb geöffneten Kanalisationsschachts, aus dem Punkmusik dringt – ein Schritt zur Seite führt direkt auf die Straße, aus der die Verdammten von Trixi Weis hervortreten. Aus den Tiefen des Untergrunds zurückgekehrt, nehmen ihre Tonfiguren in der Galerie Nosbaum Reding Platz, die zu diesem Anlass in eine Obdachlosenunterkunft verwandelt wurde.

Indem „Invisibles“ uns mit dem gesellschaftlichen Tabu der Armut konfrontiert, definiert es bereits durch diesen ersten Rückzug unser Verhältnis zum Ausstellungsraum neu. Und statt des Monumentalen, das alles aus einem Guss bietet, hat der Künstler bescheiden ein bescheidenes Format für seine Ton-Skulpturen gewählt. Es sind Miniaturen, geformt aus diesem bescheidenen Material, das von Schöpfungsmythen durchdrungen ist – vom Lehm, aus dem Adam geschaffen wurde, bis hin zur Figur des Golems, für den Prag die Welthauptstadt ist. Trixi Weis weiß das nur zu gut, sie, die unter Václav Havel als erste ausländische Künstlerin in die Akademie der Bildenden Künste aufgenommen wurde. Ihre zerbrechlichen Bildnisse verlangen dem Betrachter eine Anstrengung ab, sowohl seines Blicks als auch seines Körpers. Denn in diesem kahlen Raum (die Sockelleisten wurden entfernt), in dem sich letztlich alles bodennah abspielt, muss er sich natürlich nähern, sich aber auch bücken und die Knie beugen, damit sich heimliche Existenzen offenbaren, die unter einem Dach aus Abfall verborgen sind. Die Begegnung geht einher mit einer Erfahrung des Blicks, die darin besteht, jene sichtbar zu machen, die sozial ausgegrenzt, verdrängt, verlassen sind: die „Unsichtbaren“ aus dem Titel, in Kleinbuchstaben und im Plural. Sitzend, liegend oder zusammengekauert, allein oder zu zweit, erreicht jede auf dem Boden verstreute Gestalt das Universelle und drückt auf ihre eigene einfache, fast rudimentäre Weise den Verfall einer globalisierten Menschheit aus, die vom endlosen Kreislauf der Produktion und des Konsums von Gütern (oder Übeln?) überwältigt ist. Schon ihre synthetischen Materialien (wie Kunststoff) zeugen von den Widersprüchen unserer Lebensweise. Diese „Panzer“, die sich um die Menschen winden, lassen eine seltsame Hybridart entstehen, die dem post- oder transhumanen Bestiarium zuzuordnen wäre, wie in David Cronenbergs Film „Crimes of the Future“ (2022). Ihre vereinzelt auf dem Boden verteilten Farben bilden einen großen Blumenstrauß. All dies verweist auf das Leben und Werk von Weis, das so oft von der Gartenkunst geprägt ist.

In der Vergangenheit wurden die Armen jedoch nicht immer ausgegrenzt. In ihren Anfängen war die christliche Tradition asketisch und besonders gastfreundlich gegenüber den Schwächsten; eine Gesellschaft des Gebens entstand. Caravaggio erinnerte zu Beginn des 17. Jahrhunderts daran, indem er die elendesten Bevölkerungsgruppen zu den wahren Protagonisten des christlichen Dramas machte. Ein Erbe, das der heilige Franziskus im 13. Jahrhundert mit der freiwilligen Armut belebt hatte, als sich der Kapitalismus zu entwickeln begann, der den Beginn der „Jagd auf die Armen“ einläutete (der stigmatisierte, negativ konnotierte Arme). Bis heute, wo einige Städte beschlossen haben, Verordnungen gegen das Betteln zu erlassen. Nein, die Armen genießen keinen heiligen Ruf mehr. Wie eine wohltätige Fee kümmert sich Trixi Weis um sie, nimmt sie bei sich zu Hause in ihrem Atelier in Esch-sur-Alzette auf, wo ihre Hände ihnen Gestalt geben, ihre Gesichtsausdrücke und Haltungen formen. Sie schenkt diesen Figuren Wärme, Zuwendung und Schutz, bevor sie sie für die Galerie Nosbaum Reding inszeniert und mit Musik untermalt, die sie ihrerseits aufnimmt.

Die Ausstellung präsentiert sich in ihren Grundzügen als Abschied von einer vergangenen Ära, die vor allem in den 1980er-Jahren verankert ist und deren vom Künstler zusammengestellte Playlist alle musikalischen Nuancen entfaltet, von Bérurier Noir („Macadam Massacre“) bis zu den Pixies („Dead“), über Grauzone („Eisbear“) und Nina Hagen („Natureträne“). Aus dieser Zeit der Feste, der Unbeschwertheit und der libertären Ausgelassenheit bewahrt eine Vitrine, auf der „Vermisst“ (verschwunden), bewahrt melancholisch einige kostbare Momente auf: Dutzende von Fotoporträts, die Trixi Weis in verschiedenen Lebensphasen von sich aufgenommen hat. Durch dieses Mosaik der Erscheinungsbilder wird die Kunst der Inszenierung und der Verwandlungen gefeiert. In ähnlicher Weise denkt man an die Selbstporträts von Claude Cahun, Sophie Calle oder auch Cindy Sherman, sowohl wegen der Enthüllung ihrer Intimität als auch wegen ihrer Neigung, alle möglichen Verwandlungen zur Schau zu stellen. Man fragt sich auch, welche Personen sich hinter der Kamera befinden und an wen sich die verschwörerischen und verschmitzten Blicke der Künstlerin richten. Es sind zweifellos die anderen Unsichtbaren dieser Ausstellung.

Auf diese Weise schafft Trixi eine interessante Parallele, indem sie die Lage der Ausgestoßenen unserer Welt mit dem Schicksal des Künstlers verknüpft. Dieser wird mit seiner Verletzlichkeit und seiner stets möglichen Prekarität konfrontiert, umso mehr im fortgeschrittenen Alter, wenn das Bedürfnis nach einem Dach über dem Kopf, nach einem Zufluchtsort, an dem man sich dauerhaft niederlassen kann, besonders stark spürbar wird. Weder besonders „bankable“ noch besonders „glamourös“ (falls das überhaupt nötig wäre), kommt der Ausstellung der bildenden Künstlerin doch eine gewisse Bedeutung auf ästhetischer, sozialer und politischer Ebene zu. Die Sensibilität hat Gründe, die der Markt nicht kennt.