Das Geburtsland von Edward Steichen wird von der umfangreichen Fotoausstellung, die von einem der führenden Experten auf diesem Gebiet, Sam Stourdzé, konzipiert wurde, sicherlich begeistert sein. Er war Direktor des Musée de l’Élysée in Lausanne und der Rencontres d’Arles, bevor er 2020 die Leitung der Académie de France in Rom übernahm. Der Titel der Veranstaltung im Centre Pompidou-Metz, „Voir le temps en couleurs. Die Herausforderungen der Fotografie“, wirkt etwas verkürzt. Die Farbe ist dabei nur das Endziel, während sich der Weg ausführlich über die verschiedenen Fortschritte und Experimente erstreckt, die im Rahmen der langen Tradition der Schwarz-Weiß-Fotografie vollzogen wurden. Und sind Schwarz und Weiß nicht schließlich auch Farben? Jedenfalls mussten die Künstler hartnäckige Vorurteile überwinden, die der Fotografie eine rein konservative Rolle zuwiesen, als „bescheidene Dienerin der Künste und Wissenschaften“, um den Dichter der Moderne, Charles Baudelaire, zu paraphrasieren. Aber sie durften sich auch nicht allein auf die wissenschaftlichen Vorzüge beschränken, denen sich die Fotografie hätte unterwerfen können – so wie der Astronom Jules Janssen, der 1877 in ihr „die Netzhaut des Gelehrten“ sah. Das Besondere an dieser Ausstellung besteht darin, die technischen Fortschritte und die zeitgenössischen ästhetischen Anwendungen, die sich daraus entwickelt haben, in einen Spannungsbogen zu bringen und sie zu ihrem Vorteil neu zu interpretieren.
Der Rundgang beginnt mit optischen Experimenten, die an Schattentheater und die Camera obscura anknüpfen. Diese optische Vorrichtung, deren Prinzip darin besteht, Licht durch ein kleines Loch in eine vollständig dunkle Box oder einen Raum einfallen zu lassen, ermöglicht es, ein seitenverkehrtes Abbild der Realität zu erzeugen. Mehrere Künstler haben sich in jüngster Zeit von diesem Verfahren inspirieren lassen. In „Shadow Play“ (2011) versammelt Hans-Peter Feldmann rund sechzig Kleinigkeiten aus seiner Sammlung, um deren bewegte Schatten an die Wand zu projizieren und so ein gespenstisches Schauspiel zu inszenieren, das ihm wichtiger ist als die Objekte selbst. Der kubanische Künstler Abelardo Morell wiederum bereiste Anfang der 1990er Jahre die Welt, um Hotelzimmer und Wohnungen in Dunkelkammern zu verwandeln. Am Eingang der Ausstellung empfängt den Besucher übrigens ein gewaltiger Blick auf die Skyline von New York bei Tagesanbruch. Der Japaner Hiroshi Sugimoto wiederum begibt sich auf die Suche nach verlassenen Theatern und Kinos: Seine Schwarz-Weiß-Aufnahmen, die mit extrem langen Belichtungszeiten entstanden sind, vereinen 170.000 Einzelbilder zu einem einzigen. Eine weitere Möglichkeit, sich mit den Anfängen des Standbilds auseinanderzusetzen, bietet der schwarze, konvexe Spiegel von Ann Veronica Janssens, der den Betrachter auf den Kopf stellt, sodass dieser nach dem Prinzip der Camera obscura ein umgekehrtes, auf dem Kopf stehendes Bild von sich selbst betrachtet.
Weiter im Rundgang zeigt ein Raum eine der 110 nachgewiesenen Kopien der „Mona Lisa“ – diese stammt von einem italienischen Maler des 17. Jahrhunderts. Daneben sind Fotografien der echten Mona Lisa zu sehen, die zwei Jahrhunderte später von Gustave Le Gray aufgenommen wurden und dazu beitrugen, dieses Meisterwerk in der visuellen Kultur jener Zeit massiv zu verbreiten. Der französische Fotograf, der eine Ausbildung zum Maler absolviert hatte, betont in seinen theoretischen Schriften die interpretative Funktion von Kunstwerken durch die Fotografie. Daher manipuliert er die chemischen Bestandteile seiner Abzüge, um die Vielfalt ihrer Farbtöne zu untersuchen. Man erfährt, dass die Restaurierung von Leonardos „Abendmahl“ zu Beginn des 20. Jahrhunderts sich an den fotografischen Abzügen des Freskos orientierte. Eine weitere künstlerische Anwendung: Mit Hilfe von Man Ray, der ihn bei der Einrichtung seines eigenen Entwicklungs- und Abzugsstudios beriet, fotografierte Constantin Brancusi seine eigenen Skulpturen selbst und inszenierte sie unter verschiedenen Lichtverhältnissen. Bilder statt langer Erklärungen: „Warum über meine Skulpturen schreiben? Warum nicht einfach Fotos davon zeigen?“, fragte sich der rumänische Künstler zu Beginn seines Schaffens.
Die Realität besser sichtbar zu machen, als es menschliche Augen könnten – das ist die Aufgabe der Fotografie, dieses mechanischen, erweiterten Auges. Und tatsächlich: Sie blickt weiter, in astronomische Größenordnungen, die dem Menschen unzugänglich sind. Die Eroberung der Berge wie auch des Weltraums hat bisher unbekannte Bilder und Perspektiven offenbart. Wir alle haben diese Mondbilder im Kopf, auf denen die amerikanische Flagge weht – wahre Klischees der visuellen Kultur des 20. Jahrhunderts. Weniger bekannt sind jedoch diese Fotos vom Mont-Blanc, der noch terra incognita war, als die Brüder Bisson dort zwischen 1855 und 1862 eine groß angelegte Expedition durchführten und schwere Kameras – mehr als 250 Kilogramm Ausrüstung – mitführten, die es ihnen ermöglichten, Panoramaaufnahmen von hoher Qualität zu erstellen. Die Fotografie ist nicht nur in der Lage, entlegene Orte zu erfassen, sondern kann auch das extrem Kleine sichtbar machen. Die Mikrofotografie geht auf die Entdeckung der Röntgenstrahlen im Jahr 1895 durch Wilhelm Röntgen zurück; bezeichnenderweise ist dies auch das Geburtsjahr des Kinematographen (der in dieser Ausstellung weitgehend außer Acht gelassen wird). Neben Röntgenaufnahmen, die menschliche Skelette offenlegen, oder Aufnahmen, die die Meeresfauna im Detail untersuchen – wie bei Jean Painlevé –, sind die farbenprächtigen Aufnahmen zu sehen, die Dove Allouche anhand eines aus einem Gipsblock entnommenen Schnitts erstellt hat. Das mechanische Auge hat die Fähigkeit, Bewegung zu objektivieren, indem es sie in kleine Einheiten zerlegt: Das ist das Prinzip der Chronofotografie von Muybridge, der ein ganzer Raum gewidmet ist. So wird verständlich, wie ein Pferd galoppiert, das seinen Galoppsprung nach einer strengen Metrik ausführt, und damit die bisher in diesem Punkt irreführenden Reiterbilder korrigiert. Man erkennt, dass eine sich um die eigene Achse drehende Katze die damalige Annahme der Physiker widerlegt, wonach ein Objekt in der Luft keine Drehbewegung ausführen könne. Was Muybridge andeutete, vollendete der Ingenieur Harold Edgerton mit der Erfindung des Stroboskopblitzes, der in der Lage ist, im Millisekundenbereich zu blitzen. So werden eindrucksvolle Momentaufnahmen enthüllt: die Bewegung des Golfers in voller Schwungausdehnung, der Tennisball, der in einen Schläger eindringt, ein Milchtropfen in einem Glas… Das Alltägliche wird spektakulär.
Endlich sorgt die Farbe auf halber Strecke für einen beeindruckenden Auftritt. Und was für ein Auftritt! Ganz luftig-leicht durch die von Philippe Halsman ins Leben gerufene „Jumpology“ – ein Verfahren, das zahlreiche Stars, von Monroe bis Dalí, bekannt machten, indem sie sich auf das Spiel des fotogenen Sprungs einließen. Anschließend tauchen wir dank der Fotografen, die Albert Kahn beauftragt hatte, eine Welt zu dokumentieren, die kurz vor dem Verschwinden stand, in die verlorenen Paradiese von Albert Kahn ein: Fauna, Flora und Bräuche auf Autochrom-Platten bilden seine „Archives de la planète“. Der letzte Teil des Rundgangs steht ganz im Zeichen der New Yorker Schule und der Verbreitung der Farbfotografie. In Anlehnung an die Poesie von Walt Whitman, der die „Common People“ besingt, stehen die Dias von Helen Levitt, die den Alltag dokumentieren, sowie die bemerkenswerten visuellen Gedichte von Saul Leiter im Vordergrund – farbenfroh und meisterhaft komponiert. Einzige Ausnahme in diesem amerikanischen Finale bilden die fotografischen Stillleben von Gerhard Richter, die er Anfang der 1960er Jahre begann und die die Fragestellung umkehren: Was wird aus der Fotografie, wenn sie durch die Malerei reproduziert wird?
Die Ausstellung
