Wer das „M“ im Namen des Mudam für „modern“ steht, wird auf seine Kosten kommen: Fernand Léger, Henri Matisse, Max Ernst, Otto Dix, Hans Bellmer, Auguste Rodin oder Giorgio de Chirico sind auf dem Kirchberg ausgestellt. Das der zeitgenössischen Kunst gewidmete Museum ist sich treu geblieben: Für die Ausstellung „Face-à-Face“ zeigt es Werke aus der Sammlung der Moderne Galerie des Saarlandmuseums. Das als „ehrgeiziges grenzüberschreitendes Projekt“ bezeichnete Vorhaben ist eine Doppelausstellung, die auf die Sammlungen beider Institutionen zurückgreift. Das Saarlandmuseum präsentiert sich in Luxemburg mit dreißig Werken aus seiner Sammlung klassischer moderner Kunst sowie der Avantgarde in Deutschland und Frankreich, während das Mudam eher räumliche (Videos, Installationen, Gemälde) und internationale Werke an das benachbarte Saarlandmuseum ausgeliehen hat (Eija-Liisa Ahtila, Martha Atienza, Burt Barr, David Altmejd, Kara Walker, Fernando Sánchez Castillo, Lorna Simpson und Su-Mei Tse).
Wie Marie-Noëlle Farcy, Kuratorin am Mudam, erklärt: „Der Ausgangspunkt war, eine Analogie zwischen den Kunstwerken herzustellen, sie wirklich zu vermischen und nicht die moderne Kunst auf der einen Seite und die zeitgenössische auf der anderen zu haben.“ Die Ausstellung im Kirchberg stellt Verbindungen zwischen Werken her, die teilweise fast ein Jahrhundert auseinanderliegen. In einer etwas vereinfachten Unterteilung ist ein Ausstellungsraum (Westflügel) dem Körper und seinen Bewegungen gewidmet, während sich der andere (Ostflügel) eher mit der Materie, der Natur und ihren Metamorphosen befasst. Die Beziehungen zwischen den Werken sind meist formaler, visueller Natur, wie in dieser eindrucksvollen Gegenüberstellung der Grüntöne von Helmut Federle (Untitled (September), 1996) und Giorgio de Chirico („Melancholie“, 1955–56) oder den aus Pappe ausgeschnittenen Volumen von Tobias Putrih („Macula Serie B (Nr. 9)“, 2006–2007) und dem Gemälde von Max Ernst, auf dem Körper pflanzliche Formen angenommen haben (Sie sind zu lange im Wald geblieben, 1927). Etwas subtiler verweist die Spiegelkante, auf die sich Jimmy Paulette auf dem Foto von Nana Goldin (1991) stützt, auf die „Konstruktionen“ (1923) von László Moholy-Nagy.
Doch wenn man das Spiel mit den Analogien einmal beiseite lässt, entdeckt man mit Vergnügen unerwartete Verbindungen zwischen den Lithografien „Les Formes vivantes“ (1963) von Alexander Archipenko und den Architekturmodellen von François Roche (I’ve Heard About, Generic City, 2005): Die Genauigkeit der Darstellung spielt keine Rolle, vielmehr steht die Dynamik der Formen im Vordergrund. Der Dialog zwischen Nedko Solakov und George Grosz wird im gleichen schwarzen, satirischen Stil fortgesetzt. Die heuchlerische deutsche Kleinbürgerin mitten im Ersten Weltkrieg („Kleine Grosz Mappe“, 1917) findet 70 Jahre später ihr Echo in den Fehltritten bulgarischer politischer Entscheidungsträger während der kommunistischen Ära („Historical Decision“, 1987). Man stellt zudem fest, dass man die eine Sammlung nicht unbedingt von der anderen unterscheiden kann. So hätte beispielsweise die „Stele der Reflektoren“ (1966–1968) von Heinz Mack auch zur Sammlung des Mudam gehören können. „Face-à-Face“ ist übrigens eine Möglichkeit, diese Sammlung noch einmal zu entdecken, die Direktorin Suzanne Cotter während ihrer gesamten Amtszeit sichtbar zu machen versucht hat.
Die Ausstellung ist auch eine Möglichkeit, Vorurteile zu widerlegen und zu zeigen, wie das umgesetzt wird, wofür sich das Mudam schon seit seiner Eröffnung einsetzt: Zeitgenössische Kunst ist weder unverständlich noch unseriös. Dies ergibt sich aus einer längeren Kunstgeschichte, in der die Auseinandersetzung des Künstlers mit seiner Position und seiner Definition von Kunst ständig neu überdacht wird. Experimentieren, technologische Innovationen und die Loslösung vom „Machen“ sind lediglich die logische Fortsetzung dieser Chronologie. „Die Geschichte der modernen Kunst lässt sich niederschreiben. Es gibt eine Chronologie, man kann Schlüsselwerke und wichtige Strömungen identifizieren. Die zeitgenössische Kunst lässt eine solche Lesart nicht zu. Wir möchten dem Besucher ermöglichen, zu sehen, was die Avantgarde zu Beginn des 20. Jahrhunderts ausmachte“, sagt Marie-Noëlle Farcy weiter. Wenn die Ausstellung nur einen einzigen Verdienst hat, dann den, zu zeigen, dass Moderne und Zeitgenössisches einander sehr nahe stehen und ähnlichen Strömungen folgen. Und das ist schon nicht schlecht.
