Der Wert wartet nicht…

Auf Initiative der Valerius Gallery findet die fünfte Ausgabe der Young Luxembourgish Artists (YLA) in den großzügigen Räumlichkeiten der Galerie Independence der BIL statt. Die YLA, eine 2021 ins Leben gerufene Plattform zur Förderung der Arbeit aufstrebender Künstler, hat sich zudem als hervorragende Möglichkeit erwiesen, Kooperationen anzuregen und neue Gemeinschaftsprojekte ins Leben zu rufen. Durch das Angebot von Werken zu sehr erschwinglichen Preisen erinnert die Veranstaltung daran, dass der beste Weg, das künstlerische Schaffen zu fördern, nach wie vor der Erwerb von Kunstwerken ist, der eine direkte Unterstützung und Beteiligung an den Produktionsbedingungen des Künstlers darstellt.

In diesem Jahr werden erstmals elf bildende Künstler ausgestellt. Im Rahmen dieser interdisziplinären Veranstaltung begegnet man zunächst dem reichhaltigen und inspirierten Werk von Lea Quindot, einer der Entdeckungen dieser Ausgabe, die es versteht, alltägliche Motive in verschiedenen Techniken auf minimalistische Weise darzustellen. Gefäße, Haarbürste, Leiter, Handschuhe und Wassertropfen bilden die Motive ihres häuslichen Universums, das sie vorwiegend im Kleinformat darstellt. So auch bei diesem mit Kohle gezeichneten Krug mit unregelmäßigen Konturen, der auf das Wesentliche einer gerasterten Struktur reduziert ist (Cruche-filet, 2022–2025), ein Verfahren, das sie in „Cage“ und „Bâtir“ wiederholt – zwei Zeichnungen, in denen ihre Faszination für Architektur und geometrische Konstruktionen zum Ausdruck kommt. Mit derselben formalen Zerbrechlichkeit taucht ein kleines schwarzes Haus inmitten des weißen Raums des Blattes auf (Maison qui glisse / Tous mes abris, 2022–2025). Die 1999 geborene junge Frau studierte Bühnenbild an der École supérieure des arts de la Ville de Liège. Mit einer einfachen Drehung des Fadens (Pour Anni) würdigt sie Anni Albers, eine Pionierin der Webkunst – einer Technik, die in letzter Zeit im Bereich der zeitgenössischen Kunst ein wiederauflebendes Interesse erlebt. Lea Quindot bringt ihr Talent auch durch Papierschnitte zum Ausdruck, meist mit humoristischer Note, wie in „Torse tirette“ (2022–2025), einem Motiv, das durch eine elementare und prägnante Geste wiedergegeben wird. Oder poetisch, wenn die Künstlerin in „Fil Bleu“ auf Farbe zurückgreift – ein Werk, das wie ihre anderen Zeichnungen ebenfalls an der Grenze zur Abstraktion angesiedelt ist.

Das Werk von Lea Quindiot steht im Einklang mit dem von Lee Philipps, dessen flächige Gemälde sich wie bunte Tischdecken ausbreiten. Mithilfe von Vogelperspektiven, die die Motive abstrakter wirken lassen, präsentiert Philipps auf Tischen angerichtete Speisen – eine Art modernes Stillleben mit den üblichen Beilagen. Die Auswahl ist groß und hängt von den Menüs ab: Limonaden, Burger, Soße, aber auch Austern und gebratene Miesmuscheln oder ein Pizzaabend. Der ästhetische Einfluss von Matisse ist deutlich erkennbar; Philipps greift sowohl dessen dekorativen Umgang mit Farbe als auch die vereinfachten Formen auf, ebenso wie den von David Hockney, insbesondere in dieser unbeschwerten und leichten Beziehung zur Realität, die durch die leuchtenden Farbtöne zum Ausdruck kommt. In diesen appetitanregenden Gemälden werden zudem die kleinen Rituale des Alltags gefeiert: die Freude, sich an den Tisch zu setzen und eine Mahlzeit zu teilen, ebenso wie das kindliche Staunen angesichts einer Geburtstagstorte (Birthday Cake, 2025).

Diese Aufmerksamkeit für das Alltägliche, das Gewöhnliche zeigt sich auf andere Weise bei Franky Hoscheid, dessen Acryl- und Aquarellbilder die Symptome unserer Zeit festhalten. Davon zeugt eine Frau, die an ihrem Handy hängt und ein leuchtend gelbes Outfit trägt; ihr desillusionierter Titel „Heart and Truth – It Felt just like Falling in Love again“ (2025) verleiht diesem Straßenporträt eine existenzielle Spannung. Darüber hinaus vereint seine Serie „Fragments of everyday“ (2024) Autos – mal brandneu, mal in Flammen – neben Innenraumszenen, in denen seltene Momente der Ruhe und Gelassenheit herrschen. Auch hier wird der Zustand der Welt mit der nötigen Distanz betrachtet, was ein Bedürfnis des Künstlers nach Selbstreflexion erfordert, wie das wiederkehrende Motiv von Stillleben, häuslichen Stillständen und der volkstümlichen Aufmerksamkeit für die kleinen Dinge des Alltags zeigt.

Von Anni bis Josef Albers ist es nur ein kleiner Schritt, den die großen Quadrate von Xavier Karger zurücklegen – zweifellos inspiriert von der Serie „Hommage to the Square“ des deutschen Malers. Mit dem Unterschied, dass der Luxemburger den Titel seiner Gemälde in die Mitte der Bildfläche setzt und ihn neben Logos multinationaler Konzerne aus der Tabak-, Bekleidungs- oder Automobilindustrie anordnet. In einem ebenso kritischen, aber konkreteren Stil zeigen die Fotografien von Liz Lambert Momente der Intimität, in denen eine Frau schelmisch suggestive Posen einnimmt, die Geschlechterstereotypen aufgreifen. Der „male gaze“ und seine fetischistische Neigung, weibliche Körper zu fragmentieren, werden verspottet oder metaphorisch durch Ersatzattribute (Apfel, Birne, Ei) umgangen. Ein Badeknauf wird bei ihr zum Zeichen einer Flucht (Cache cache, 2002), während taktile Nahaufnahmen darauf abzielen, eine sensorische Verwirrung hervorzurufen, indem sie Körperteile zu weiten, unbekannten Weiten machen (Serie „Obdach 2/4“, 2023).

In derselben Logik, die darauf abzielt, historisch überlieferte Vorurteile zu dekonstruieren, stellen die mit Bildunterschriften versehenen Fotografien von Delali Amegah Situationen nach, die die weiße Norm hinterfragen. Ihre Selbstporträts, in denen sie dem Betrachter stets einen vielsagenden Blick zuwirft, zeigen sie abwechselnd auf der Couch des Psychologen, auf einem Tennisplatz oder in andächtiger Pose vor einem Flachrelief, das das Letzte Abendmahl darstellt. Die Hinzufügung einer Bildunterschrift prägt jedes Mal die Wahrnehmung ihrer Inszenierungen: „Only Human enough When We Win“, ist auf diesem Bild zu lesen, auf dem sie die Attribute der perfekten Tennisspielerin trägt – eine wahrscheinliche Anspielung auf die Williams-Schwestern. Oder auch beim Psychologen dieser Kommentar zum Bild: „He Said Therapy is for White People“. Lynn Scheidweiler ihrerseits schafft verspielte Skulpturen aus Fundstücken, die an die Welt der Kindheit erinnern. Es folgen Geisterfiguren, mal in einem von Melancholie geprägten Ton (Something Graceful, Something Trapped, 2025), mal in einer Art Spott über die Ästhetik des Niedlichen, bei der ein Kätzchen vor einem brennenden Hintergrund erscheint (Keep Calm and Carry on, Cat, 2025).

Während Franky Hoscheid seine Geschichten aus kleinen Szenen des Alltags schöpfte, sind die Nachtaufnahmen von Lou Medeot von einer geheimnisvollen Tiefe durchdrungen – in makellosem Schwarz-Weiß, das die verschiedenen Facetten einer Stadt (Luxemburg) zur Geltung bringt. Ein Stadtporträt, in dem sie die Schönheit der einzelnen Elemente hervorhebt – von den Formen einer Straßenlaterne über die Bäume eines Parks, von den Kurven einer Straße bis zu den Bögen einer Brücke (Paper Town 2, 2025), bis hin zu den Hausfassaden, die sich in einem Hell-Dunkel-Kontrast in drei deutlich voneinander unterscheidende Farbtöne (Weiß, Schwarz, Grau) fügen. Ein poetischer Realismus, der gut tut, auch wenn er ohne menschliche Präsenz auskommt, und der als Kulisse für einen Film noir dienen könnte. Beenden wir diesen Überblick mit den Aluminiumfolien aus der Serie „I Keep returning to our Hearts“ (2024) von Noé Duboutay. Auf jedes davon hat der Künstler im Dada-Stil einige verschlüsselte Wörter eingraviert, wie zum Beispiel „S’amor dire a celee“ oder „Verite, ireté, erite“. Werke, die man mit den ebenso erstaunlichen Skulpturen von Nika Schmitt und Maïté Seimetz vergleichen sollte. Zweifellos präsentiert diese fünfte Ausgabe der YLA ein verführerisches und ambitioniertes Gesicht der zeitgenössischen luxemburgischen Kunstszene.