Vor genau hundert Jahren erschien das Manifest des Surrealismus, und das Centre Pompidou in Paris wird dieses Jubiläum Anfang September mit einer großen Ausstellung feiern. In gewisser Weise wurde es dabei von seiner „Tochterinstitution“ in Metz vorweggenommen, die bis zum 2. September eine Ausstellung mit dem Titel „André Masson, Il n’y a pas de monde achevé“ zeigt. Natürlich ist er nicht der bekannteste Künstler unter den Surrealisten, denn er befand sich manchmal am Rande, ja sogar abseits; Brüche waren in diesem Milieu an der Tagesordnung, und vielleicht stand er anderen näher als Breton, wie Aragon, Bataille oder Leiris; dennoch ist sein Werk von einer solchen Breite und Tiefe, dass die Ausstellung in Metz einen beispielhaften Rundgang darstellt – von den Streifzügen der Surrealisten in die geheimsten, die verborgensten Winkel des Menschen bis hin zu ihrer Konfrontation mit der Geschichte des 20. Jahrhunderts, den Kriegen, den beiden Weltkriegen, dem Spanischen Bürgerkrieg – und nicht zu vergessen die Kolonien.
Die wunderschöne Inszenierung entfaltet also eine ganze Fülle von Aspekten, angefangen bei den ersten Gemälden, in denen stets ein künstlerisches Erbe zum Ausdruck kommt – von Cézanne bis zu den Kubisten – sowie die Erfahrungen des Soldaten Masson auf dem „Chemin des Dames“. Er hatte sich zum Militärdienst gemeldet, nachdem er die Schweizer Staatsbürgerschaft abgelehnt hatte, und war im Bruch mit seiner Familie ins Ausland gezogen. Doch mehr noch als auf der Route de Picardie oder auf dem weitläufigen Friedhof wird bereits anderswo, in den Zeichnungen – Feder und schwarze Tinte, Rötel –, deutlich, was Masson bis zum Schluss ausmachen wird. „ Sie haben meine Massaker gesehen und die liebevollen Verformungen, die die Gewalt den Körpern darin verleiht “, lässt Bernard Noël ihn in einem teilweise unveröffentlichten Text sagen, der den umfangreichen und reichhaltigen Ausstellungskatalog eröffnet.
Gewalt – das ist das Schlüsselwort. Nicht, dass Masson sich daran ergötzen oder ihr einen zu großen Stellenwert einräumen würde. Er zeigt sie in ihrer ganzen Wahrheit; sie ist es vor allem, die seine Linien belebt und antreibt, und Masson erweist sich in diesem Sinne in erster Linie als Zeichner, bis hin zu seinen Gemälden, deren Kompositionen ebenfalls von dieser Lebendigkeit geprägt sind. So verweilt man vor der nachgebildeten Bibliothek, und der Leser des Katalogs wird den Text der Direktorin Chiara Parisi vor solchen Sandgemälden, in denen die Linie einsam und dominant bleibt und dabei so bezaubernd wirkt, in vollen Zügen genießen. Sie stammen aus den 1920er Jahren, weitere folgten Ende der 1930er Jahre, wie dieses „Terre“, ein weiblicher Akt, der eine Antwort auf Courbet zu sein scheint.
Eros und Thanatos – Masson hat beide in Spanien wiedergefunden, im Stierkampf. Mit dem Krieg ändern sich die Verhältnisse, und auch hier ist es die Zeichnung, die die schärfste Klinge gegen Franco und seine Handlanger führt. Die Klinge trifft ihr Ziel, doch gegen die Stukas kann sie wenig ausrichten – Guernica hat dafür einen schrecklichen Preis bezahlt. Man weiß, dass Spanien damals nur ein Versuchslabor, ein Übungsfeld für den bevorstehenden Krieg war. Ein Krieg, dem so viele Künstler und Intellektuelle durch das Exil entkamen.
Masson hatte sich inzwischen wieder mit Breton zusammengetan; bevor sie nach New York weiterreisten, machten die beiden einen Zwischenstopp auf Martinique. Der Wald der Antillen wirkte inspirierend, die Linie – stets wimmelnd – erreichte kosmische Dimensionen, und in den Gemälden verbanden sich Licht und Üppigkeit. Ein weiteres Phänomen im Zusammenhang mit dem Exil, das in der Kunstgeschichte eine wichtige Rolle spielt: die Sandspritzer der 1950er Jahre. Ja, es gab das Dripping von Pollock, aber Kunst ist kein Wettlauf, bei dem die Stoppuhr eine Rolle spielt, und so oft bringt sie – aus einer gewissen Entfernung, räumlich wie zeitlich – Neues hervor, als ob der Moment einen Bruch erfordern würde. Er liegt sozusagen in der Luft.
Zum Abschluss noch eine kleine Marotte: Bei Masson kommt man der Literatur, ja sogar der Mythologie, nie entkommen. Wenn man unter den Gemälden mit einem einzigen abschließen wollte, wäre es „Gradiva“ – auch hier besteht eine Verbindung zu der gerade zu Ende gegangenen Ausstellung über Lacan und die Psychoanalyse. Ausgehend von Jensens Roman und Freuds Analyse entstand ein Gemälde, das monumentaler ist, als es seine Maße von 97 mal 130 cm vermuten lassen. Und das Bein und der Fuß der jungen Frau, „das prächtige Mädchen in ihrem Gang“, stehen senkrecht in der Bildmitte, während der junge Archäologe sie überrascht – den Traum, wie sie aus ihrem Grab tritt und wieder dorthin zurückkehrt. In diesem Gemälde liegt eine Ruhe, die von zu Marmor verwandeltem Fleisch ausgeht; es ist zugleich der Ausbruch des Vulkans (wir befinden uns in Pompeji), ja sogar ein glühender Hintergrund des Krieges. Erotik und Tod existieren immer nebeneinander, sagte Masson.
