Crissy ist sechs Jahre alt, ihr Bruder Jesse ist zwei Jahre jünger. Zusammen mit ihrer Mutter Linda und ihrem Stiefvater Dean leben sie in ihrem Auto, irgendwo in Kalifornien. Wir schreiben das Jahr 1987, als Mary Ellen Mark vom Life Magazine beauftragt wurde, eine obdachlose Familie zu fotografieren. Sie verbrachte etwa zehn Tage mit der Familie Damm, hielt jeden Moment ihres Familienlebens fest und schuf daraus eine ergreifende Reportage sowie eines ihrer ikonischen Fotos.
Die „Rencontres d’Arles“ präsentieren in diesem Jahr eine Retrospektive des Werks der amerikanischen Porträtfotografin und Geschichtenerzählerin, die einen Teil ihrer Karriere dem Fotografieren von Menschen am Rande der Gesellschaft gewidmet hat – mit einer Sensibilität, die dieses Gefühl der Empathie besonders zur Geltung bringt. Die Ausstellung räumt insbesondere Mary Ellen Marks langjährigstem Projekt einen wichtigen Platz ein, das sie von 1983 bis zu ihrem Tod im Jahr 2015 betreute und in dem sie eine dreizehnjährige, namens Tiny, die sie im Zentrum von Seattle kennengelernt hatte – dort, wo Kinder betteln und ihren Körper für Geld und Drogen verkaufen. In Anlehnung an diese Ausstellung haben wir uns für einen gesellschaftspolitischen Blickwinkel entschieden, um über diese „Rencontres“ zu berichten.
Während Mary Ellen Mark uns den Blick auf ein zerrüttetes Amerika gewährt – eine Vergangenheit, die dennoch nach wie vor aktuell ist –, erkundet ihre Landsfrau Debi Cornwall eine andere Facette des Landes von Uncle Sam: die einer militarisierten Kultur innewohnende Gewalt, die sie durch ihre Inszenierungen offenlegt. Seit etwa zehn Jahren untersucht sie die Fiktionen, die das Selbstbild Amerikas prägen. Mit Fotografien im dokumentarischen Stil lädt sie dazu ein, die Normalisierung staatlicher Macht genauer unter die Lupe zu nehmen. Der Titel der Ausstellung, „Notwendige Fiktionen“, verrät jedoch bereits zu viel. Die verschleierten Frauen und die Männer mit Keffieh sind kostümierte Schauspieler – Zivilisten, Afghanen oder Iraker, die vor dem Krieg geflohen sind und nun an lebensgroßen Simulationen im Dienste der US-Armee teilnehmen, wodurch echte Soldaten an einem immersiven Kriegsspiel teilnehmen und ihre zukünftigen Rollen als Kämpfer oder Opfer einüben können. Anhand dieser lebensechten Kulissen konfrontiert Debi Cornwall die Gewalt ihres Landes, die zugleich normalisiert, verschleiert und gerechtfertigt wird. Sie kritisiert insbesondere die Geschichtsmuseen, in denen die Amerikaner ausnahmslos als heldenhafte Sieger oder unschuldige Opfer inszeniert und dargestellt werden – in realistischen Installationen, die darauf abzielen, eine bestimmte Form des Patriotismus zu fördern, und damit den Sinnverlust des Begriffs der Wahrheit selbst noch weiter vertiefen.
Doch der Höhepunkt dieser Ausstellung ist zweifellos „Pineland/Hollywood“, ein atemberaubendes Video, das an „La Classe américaine“ von Michel Hazanavicius und Dominique Mézerette erinnert. „Pineland/Hollywood“ verwendet 500 Ausschnitte aus 200 Hollywood-Filmen, um eine einzige Geschichte aus zwei Perspektiven zu erzählen – einer mündlichen und einer visuellen –, und regt die Zuschauer dazu an, die Art und Weise zu überdenken, wie sie fiktive Geschichten über sehr reale staatliche Gewalt konsumieren. Mit dieser kraftvollen, unmittelbaren Montage macht sich Debi Cornwall die amerikanische Populärkultur zu eigen und nutzt sie im Dienste der Systemkritik.
Unterdessen verfolgen und nehmen uniformierte Beamte entlang der Hunderte von Kilometern langen Grenze zwischen den Vereinigten Staaten und Mexiko Zivilisten fest, die als illegale Einwanderer gelten. In ihrer Ausstellung „Voyage au centre“, die von der Atmosphäre und dem Aufbau des Buches „Reise zum Mittelpunkt der Erde“ von Jules Verne inspiriert ist, stellt Cristina De Middel die Migrationsreise durch Mexiko eher als heldenhafte und mutige Expedition dar denn als Flucht. In dieser dokumentarischen Erzählung mit subjektiven Anklängen bringt die spanische Fotografin eine gewisse Form dystopischer Enttäuschung auf den Punkt, veranschaulicht durch das Endziel in Form einer Touristenattraktion: Felicity, eine kleine Stadt in Kalifornien, die offiziell als „Mittelpunkt der Welt“ gilt.
Auf poetische Weise analysiert Cristina De Middel das komplexe Phänomen der Migration und beleuchtet dessen Schattenseiten. Die Rolle der „Coyotes“, dieser Schlepper, die hoffnungsvolle Frauen und Männer aus Honduras oder Guatemala ins gelobte Land bringen, wird durch die immersive Beteiligung der Fotografin beleuchtet, die sich 2021 einer Gruppe von etwa dreißig Migranten anschloss, die sich darauf vorbereiteten, die Sonora-Wüste zu durchqueren. Die Grenzübergänge werden von den Kartellen kontrolliert, die im Menschenhandel ein lukratives Geschäft sehen, das sie mit dem Drogenhandel verbinden können. Den Migranten, die von den „Coyotes“ als „pollos“ (Hühner) bezeichnet werden, wird ein Preisnachlass auf die Reise angeboten, wenn sie sich bereit erklären, ein kleines Päckchen Pulver über die Grenze zu schmuggeln.
Cristina De Middel rückt diese Tausenden von Unbekannten, die in eben dieser Wüste einen brutalen Tod fanden, in ein noch düstereres Licht – ein Niemandsland, das heimtückischerweise als Waffe zum Schutz der Grenzen missbraucht wird. Die extremen Temperaturschwankungen führen tagsüber zu Dehydrierung und bergen bei Einbruch der Dunkelheit die Gefahr einer Unterkühlung. Cristina De Middel erzählt insbesondere die Geschichte von Scott Warren, einem Mitglied der humanitären Organisation „No More Deaths“, der vor Gericht gestellt wurde, weil er zwei Migranten in der Wüste von Arizona Wasser, Nahrung und Unterkunft zur Verfügung gestellt hatte. Sein in den Medien viel beachteter Prozess löste Debatten über die Kriminalisierung humanitärer Hilfe und die Behandlung von Migranten entlang der Grenze zwischen den beiden Ländern aus.
Ein Festival wie die „Rencontres d’Arles“ muss am Puls der Welt sein und den aktuellen Zeitgeist widerspiegeln. Wir haben uns dafür entschieden, die gesellschaftspolitische Dimension des Programms in den Vordergrund zu stellen. Es wäre ebenso angebracht, auf das eklatante Fehlen jeglicher Bezugnahme im Festivalprogramm (41 Ausstellungen, 196 Künstler*innen, 4.200 ausgestellte Werke) auf das Drama, das sich derzeit in Gaza abspielt, und auf die Eskalation der Gewalt durch israelische Siedler im Westjordanland einzugehen. Dabei mangelt es keineswegs an Publikationen zu diesem Thema. In „Om/Mother“ (The Eriskay Connection, 2023) arbeitete Barbara Debeuckelaere mit palästinensischen Müttern in Hebron zusammen, die ihren Alltag dokumentierten. In „Anchor in the Landscape“ (Mack, 2024) konzentrieren sich Adam Broomberg und Rafael Gonzalez auf die Olivenbäume, Symbole für die Verwurzelung des palästinensischen Volkes. In „Born of Sand and Sun“ (Dewi Lewis, 2023) richtet Petra Bašnáková ihren Blick auf die Beduinen, die ständig unter der expansionistischen Politik Israels leiden.
In dieser Wüste von Arles gibt es glücklicherweise einige Unbeugsame: ein Künstlerkollektiv (Ahmad Alaqra, Maen Hammad, Dina Salem, Sari Tarazi), das in einem kleinen Haus in der Nähe der Arena mit Unterstützung des kritischen Kunstraums Double Dummy Studio eine Off-Ausstellung mit dem Titel „Against Abstraction“ organisiert hat, die sich um auf der Plattform Telegram geteilte Botschaften dreht. Diese Bilder, Texte und Videos wurden mithilfe eines durch künstliche Intelligenz unterstützten Kodierungsverfahrens ausgewählt, um eine Liste der Begriffe zu erstellen, die von den Bewohnern Gazas selbst am häufigsten verwendet wurden. Das Ergebnis zeigt, wie das palästinensische Volk in Echtzeit auf den größten Kindermord unserer Generation reagiert hat, auf diese unbeschreibliche Tragödie, die live auf unsere Handys übertragen wurde. Eine humanitäre Katastrophe, die das renommierteste Fotofestival Europas thematisieren, erforschen, verstärken, verurteilen und nicht verschweigen sollte.
