Warum beschränken sich Fotokünstler nicht darauf, Porträts, Landschaften und Innenraumaufnahmen zu erstellen, um nur einige klassische und bei Liebhabern beliebte Aspekte zu nennen? Warum überdenken sie die Fotografie, eine ebenso intellektuelle wie technische Arbeit? Nach den Ausgaben von 2021 und 2023, die der Natur und der individuellen Identität gewidmet waren, steht der European Month of Photography (EMoP) in diesem Jahr unter dem Motto „Rethinking Photography – Presence-Absence, Visible-Invisible“. Dieser dritte Teil, der bis zur Abstraktion geht, ist ein Manifest der Foto- und Multimedia-Künstler gegen das „Fake“, mit dem uns Technologien und seit kurzem auch die künstliche Intelligenz überschwemmen.
Insbesondere das Internet ermöglicht diese Verwendungszwecke und Anwendungen sowie deren weite Verbreitung in einer Welt des Scheins und der Leichtgläubigkeit. Sie überfluten Augen und Gehirne. Doch es handelt sich um flüchtige Bilder, die ebenso schnell wieder vergessen sind und verschwinden, wie sie erschienen sind – trügerisch und manipulativ. Im Gegensatz dazu zeugt die erste Ausstellung, die wir im Ratskeller des Cercle Cité besucht haben, von der künstlerischen Forschung und dem gesellschaftlichen Engagement der Fotokünstler. Wir beginnen mit dem Porträt des argentinischen Schriftstellers Jorge Luis Borges (1899–1986).
Borges war trotz seiner Blindheit Bibliothekar an der Nationalbibliothek von Buenos Aires. Dieses Porträt, „Blind Memory (The Eyes of the Tiger)“, das 2012 vom Künstler Marco Godhino auf der Grundlage der ursprünglichen Aufnahme von Borges durch Eduardo Comesaña aus dem Jahr 1969 zu einer Lentikularfotografie überarbeitet wurde, steht für die im Untertitel der Veranstaltung genannten Begriffe: Präsenz-Abwesenheit, Sichtbar-Unsichtbar. Da ist das, was man sieht – das rechte und das linke Profil von Borges – und das, was der Betrachter nicht sieht, obwohl er auf dem Frontalbild von Borges das dritte Auge erkennt. Ohne ihm, den Kunstfotografen und den bildenden Künstlern hellseherische Fähigkeiten zuzuschreiben, sprechen wir von einer Sensibilität, die niemand poetischer zum Ausdruck bringen kann als Marco Godhino.
Fotografie neu denken – Präsenz-Abwesenheit, Sichtbares-Unsichtbares. An der Grenze zwischen identitärem, kulturellem und politischem Zwischenraum – genau darum geht es. Und genau das zeigt Paulo Simão (1973 in Santarém, Portugal, geboren) mit seiner Serie von Sockeln ohne Statuen. Eine Praxis, die wir kürzlich in der Realität beobachten konnten, als das Bild des westlichen „Helden“ neu bewertet wurde, dessen „Größe“ angesichts seiner Taten, die als Ausbeutung der unterdrückten Völker angesehen wurden, in den Hintergrund trat. Im vorliegenden Fall, hier in Amerika, hat Paulo Simão mit „Erased“ (2021) Bilder aus der US-Kongressbibliothek bearbeitet. Unter Beibehaltung ihres klassischen Erscheinungsbildes – Frontalansicht, Schwarz-Weiß – hat Paulo Simão nicht nur die Statuen entfernt, sondern der Bildunterschrift den Wert des Verschwindens verliehen (zum Beispiel „Erased Statue Of Liberty“, „Erased Abraham Lincoln Statue“). Auf diese Weise schafft er Denkmäler für die Geschichte und das kollektive Gedächtnis und hinterfragt die politische Funktion von Kunstwerken im öffentlichen Raum. Auch wenn diese Vorgehensweise des Auslöschens auf eines der ersten historischen Werke von Robert Rauschenberg (1925–2008) verweist „Erased de Kooning Drawing“ von 1953, das als Ursprung für Paulo Simãos Arbeit gilt, ist sie im Kontext des EMoP vielleicht weniger relevant.
Es ist bedauerlich, dass an den Wänden des Cercle Cité keine Beschriftungen und kurzen Erläuterungen zu finden sind. Die technische, künstlerische und dem „Widerstand“ gewidmete Arbeit ist das eigentliche Herzstück der Ausstellung. Zwar gibt es einen Raumplan, kurze Erläuterungen zu den Werken und Biografien der Künstler. Doch der durchschnittliche Besucher – und zweifellos wird der Cercle Cité von vielen besucht werden, die zufällig an diesen stark frequentierten Ort der Stadt geraten sind – wird, wenn nicht gleich wieder gehen, so doch zumindest ohne, dass er berührt oder interessiert wurde, die Ausstellung verlassen.
Wir wollen nicht so weit gehen zu sagen, dass Kunst hier nur diejenigen anspricht, die sich mit Kunst auskennen. Aber das Wissen über zeitgenössische Fotografie lässt sich – wie bei allen Formen der zeitgenössischen Kunst – nur erwerben, wenn man die Mittel an die Hand gibt, sich in das Thema einzufinden. Es ist ein Lernprozess wie bei jeder anderen Disziplin auch.
So lässt sich die abstrakte Ästhetik von Raisan Hammeed, einem deutsch-irakischen Künstler, der 1991 in Mossul geboren wurde, besser verstehen. Seine im Ratskeller gezeigten Werke sind eine Arbeit der Erinnerung, bei der Google Street View und ein thermografisches Verfahren zum Einsatz kommen und die – wie ein verbrannter Fotofilm – das vom Krieg zerstörte Mossul zeigen. Seine Pigmentdrucke auf Textil aus der Serie „Embers of Narratives“ (2003–2025) vermitteln durch die fotografische Technik einen physischen Eindruck der Zerstörung. Dies nicht zu wissen, ist nicht nur eine Wissenslücke, sondern verhindert auch das Verständnis des Werks, das den Methoden des zeitgenössischen Fernkriegs mit Drohnen ähnelt.
Dies gilt auch für das Verschwinden und Wiedererscheinen mittels eines technischen Verfahrens, mit dem unser ökologisches Bewusstsein angesprochen werden soll – wie es in der Arbeit des Belgiers Lucas Leffler zum Einsatz kommt. Der 1993 in Brüssel geborene Künstler „entwickelt“ seine Fotoplatten mithilfe eines Silberbads aus verschmutztem Wasser: „Bleached Moment“ (2025). Wer sich für die Anfänge des fotografischen Plattenverfahrens mit Silbersalzen interessiert, wird feststellen können, dass das Ergebnis den Ursprüngen der Fotografie und unserer heutigen Zeit recht nahekommt. Allerdings klafft eine riesige Kluft zwischen den experimentellen Versuchen der Anfänge und dem vollkommen beherrschten Ansatz von Lucas Leffler, mit dem er seine These untermauert.
Von der Anwesenheit zur Abwesenheit und vom Sichtbaren zum Unsichtbaren: Wir schließen dieses Paradigma mit der Arbeit des Luxemburgers Yann Annicchiarico (Luxemburg, 1983) ab. In „Part of Berlin Nights“ (2023–2025) zeigt er uns das Nachtleben der Insekten am Berliner Himmel, das normalerweise für das bloße Auge unsichtbar ist und mithilfe eines Scanners erfasst wurde. Eine Konstellation lebender Sterne, „in der der Akt des Wahrnehmens … der Träger eines Bewusstwerdens der Grenzen unseres Verstandes ist.“ Dieses Zitat stammt von Paul di Felice, Kurator von „Rethinking Photography“, „Presence-Absence“, „Visible-Invisible“ und Hauptorganisator des EMoP 2025.
