Das Lebendige zeichnen

Nachdem das Centre Pompidou-Metz im vergangenen Frühjahr die Ausstellung des Philosophen Bruno Latour („Du und ich leben nicht auf demselben Planeten“) präsentiert hatte, setzt es seine Auseinandersetzung mit ökologischen Fragestellungen mit einer neuen Veranstaltung unter dem Titel „Mimèsis“ fort. Lebendiges Design. Diese etwas gelehrte Bezeichnung verweist auf den platonischen Begriff der Nachahmung. Die Natur ist ein Vorbild, das es nachzuahmen, zu reproduzieren oder digital nachzubilden gilt – ein unerschöpflicher Fundus an Formen, die sich dank der uns heute zur Verfügung stehenden technologischen Mittel nach Belieben variieren lassen. Das Vokabular, mit dem die Werke beschrieben werden, ist ein wenig fachspezifisch, vereint jedoch durch ein gemeinsames Augenmerk auf die „bios“, das Leben, auf Griechisch. So spricht man von „Biomorphismus“, um ein Kunstwerk zu bezeichnen, dessen Formen an die der organischen Welt erinnern, oder von „Biomimetik“, wenn die Technik einen von der Natur eingesetzten Prozess nachahmt. Schließlich bezieht sich die „Biofabrikation“ auf einen Industriezweig, der sich mit der Erforschung und Herstellung lebender Systeme befasst. Design wird hier also nicht als angewandte Kunst verstanden, die sich damit begnügt, unsere Augen zu erfreuen. Sobald sie die ökologischen Herausforderungen unseres Jahrhunderts vollständig verinnerlicht haben, stellen sich Designer in den Dienst des Schutzes des Lebens und einer umweltbewussten Welt.

Die Ausstellung greift einige Exponate der 2017 in Paris gezeigten Ausstellung „Imprimer le monde“ auf; die meisten der präsentierten Werke stammen aus den Sammlungen des Centre Pompidou. Der Rundgang durch die Ausstellung in Metz beginnt mit dem monumentalen, mannshohen Werk, das von den beiden deutschen Architekten Michael Hansmeyer und Benjamin Dillenburger entworfen wurde: eine echte, im 3D-Druckverfahren aus Quarzsand hergestellte Höhle, deren Formen durch Algorithmen generiert wurden (Grotto II) – in Anlehnung an den Prozess der Zellteilung im Organismus. Unweit dieser fabelhaften Höhle sind drei zoomorphische Skulpturen aus der Serie „Imaginary Beings: Mythologies of the Not Yet“ versammelt. Diese nach dem Buch „Das Buch der imaginären Wesen“ (1957) von Jorge Luis Borges entworfenen Wasserwesen stammen von der israelischen Architektin Neri Oxman, die ihr eigenes Büro gründete, nachdem sie ein Forschungslabor am Massachusetts Institute of Technology geleitet hatte. Eine weitere Sehenswürdigkeit in der Nähe ist der sehr schlichte „Corolised Chair“ (2012) des britischen Designers Ross Lovegrove, dessen „Corolisation“ auf die Kalziumentwicklung der Korallen im Ozean verweist.

Neben diesen aktuellen Kreationen, die einen Einblick in die Kunst von morgen gewähren, werden weitere ikonische Objekte präsentiert: die von Charles (1907–1978) und Ray Eames (1912–1988) aus Stahl und Glasfaser entworfene Liege, die anlässlich eines vom Museum of Modern Art in New York initiierten internationalen Designwettbewerbs entstand. In die Tradition von „La chaise“ (1948) des Ehepaars Eames reihen sich sowohl der Prototyp des „Bone Chair“ (2006) von Joris Laarman, dessen Ergonomie sich am Wachstum der Skelettknochen orientiert, als auch die Arbeiten von Aurélie Hoegy, die an die handwerkliche Fertigung anknüpfen. Für „Wild Fiber Duchess“ (2020) beispielsweise griff die junge Designerin auf das Mark von Rattan zurück, einer in den indonesischen Wäldern heimischen Lianenart.

Eine weitere Rückkehr zu den Wurzeln zeigt sich bei Charlotte Perriand (1903–1999), die 1929 der Union des artistes modernes beitrat, nachdem sie im Atelier von Le Corbusier gearbeitet hatte. Ein ganzer Bereich ist ihrem Aufenthalt in Japan gewidmet, wo sie Handwerker der Mingei-Bewegung kennenlernte und Werke schuf, die asiatische und westliche Traditionen miteinander verbanden. Eine weitere Pionierfigur des organischen Designs: der Finne Alvar Aalto (1898–1976), der schlichte Ästhetik mit humanistischer Inspiration verband, um eine harmonische Beziehung zwischen Natur und Wohnraum zu fördern. Gemeinsam mit seiner Frau Aino setzt er sich für die ausschließliche Verwendung natürlicher Materialien (Buche, Birke, Espe) in Verbindung mit neuen Techniken ein – gebogenes Sperrholz, Brettschichtholz.

Weitere faszinierende Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts wurden zusammengeführt, um das transdisziplinäre Prinzip wieder zum Leben zu erwecken, das in den Kuriositätenkabinetten der Renaissance vorherrschte. Fotografien von Man Ray (1890–1976) und Brassaï (1899–1984) stehen neben denen des Begründers der Neuen Sachlichkeit, Albert Renger-Patzsch (1897–1966), sowie von Jean Painlevé (1902–1989), dessen Werk an der Schnittstelle zwischen Biologie, wissenschaftlicher Dokumentation und Surrealismus angesiedelt ist und dem das Jeu de Paume derzeit eine umfangreiche Ausstellung widmet („Jean Painlevé, les pieds dans l’eau“). Seine Werke wie *La Pieuvre* (1928), *Le Vampire* (1945) oder *L’Hippocampe* (1934), von dem ein sehr schöner Brustbildabzug in der Ausstellung zu sehen ist, gehören heute zum Gedächtnis des wissenschaftlichen Kinos.

Auch aus unserer näheren Umgebung werden renommierte Designer gewürdigt. Dazu gehören unter anderem die Brüder Ronan und Erwan Bouroullec, denen das Centre Pompidou-Metz bereits 2011 eine Hommage gewidmet hatte. Neben ihrer modularen, algenartigen Dekorplatte ist ihnen ein ganzer Bereich gewidmet, in dem sie uns poetische Stadtvisionen in Form von Modellen präsentieren („Rêveries urbaines“). An der Schnittstelle von Kunst, Industrie und wissenschaftlicher Forschung etabliert sich das Design entschieden als Lebensweise und knüpft an die Bemühungen in anderen Bereichen an, unsere Welt lebenswert und nachhaltig zu gestalten.