Es wäre kaum übertrieben zu sagen, dass die neue Ausstellung im Centre Pompidou-Metz (bis zum 27. Januar 2025) den Mythos der Erfindung und der Originalität in Frage stellt – zumindest wenn diese den Anspruch auf ein Monopol erheben. Und schon der Titel sagt dazu viel aus: „La Répétition“ – ohne dass wir zunächst wissen, woher er stammt. Am Eingang der Ausstellung erfahren wir es: 1936 malte Marie Laurencin, die ebenfalls wenig bekannt ist, ein Gemälde mit diesem Titel, auf den ersten Blick eine Szene einer Musikprobe mit fünf jungen Frauen, in ihrem leichten, fast flüchtigen Stil. Es ist Éric de Chassey, der Kurator und Direktor des Nationalen Instituts für Kunstgeschichte, der darauf besteht, dass Marie Laurencin Picassos „Les Demoiselles d’Avignon“ nachgebildet hat: gleiche Anzahl an Figuren, natürlich von ganz anderer Art, da der Name „Avignon“ auf eine Straße in Barcelona und deren Bordelle verweist, jedoch mit derselben pyramidenförmigen Anordnung.
Die Wiederholung als Thema oder Motiv interessierte Éric de Chassey weniger, vielmehr als Methode oder kreativer Prozess. Als Vorgehensweise – und dazu gehört auch die der Ausstellung selbst. Darin ist ein mittellanger Film von Germaine Dulac aus dem Jahr 1928 zu sehen, der auf einem Drehbuch von Antonin Artaud basiert: *La Coquille et le Clergyman*. Lassen wir die Handlung beiseite, falls es überhaupt eine gibt; die britische Zensur jedenfalls hatte darin keinerlei Sinn erkennen können und fügte hinzu, dass, falls es einen Sinn gäbe, dieser nur unanständig sein könne. Flure, ein Schlüssel in den Händen des Geistlichen, der damit gestikuliert, die Waage, Türen… So stellt man sich Éric de Chassey vor, wenn er vor den Sammlungen des Musée national d’art moderne steht. Er kennt sie gut und entdeckt dennoch Überraschungen, und neben den Werken, die zum Nachdenken anregen, gibt es andere, die berühren oder begeistern. Am Ende steht ein Rundgang, für den der Kurator für die dreizehn Stationen ebenso viele Synonyme für das Verb „wiederholen“ gefunden hat – und fast schon programmatisch: Gleich am Eingang biegt man nach rechts oder nach links ab, was darauf hinausläuft, es zu versuchen oder von vorne zu beginnen, und immer wieder zu vertiefen – in den Gegenüberstellungen, in den Konfrontationen.
Die Ausstellung umfasst etwa sechzig Künstler sowie Werke aller Gattungen und Arten – zu viele, um sie alle im Einzelnen zu besprechen. Es gibt keine These, zu der man gelangen würde, sondern eine ständige Aufmerksamkeit, zu der der Besucher aufgerufen ist. Auch nichts Spektakuläres – es liegt an uns, die ersten Schritte zu machen, denn die Ausstellung zeichnet sich durch große Gelassenheit aus; reiner und ruhiger geht es nicht. Einzige Ausnahme ist vielleicht die Station, an der ein Gemälde von Barnett Newman, eine Tafel und die Figuren von Djamel Tatah, zwei Liegefiguren à la Holbein von Marlène Dumas sowie Bilder einer Choreografie von Anne Teresa De Keersmaeker vereint sind. Und dennoch machen die Werke diesen Ort zu einem Ort der Meditation, zu einer Begegnung mit dem (sozialen) Leben und dem Tod.
Aber Vorsicht: Auch wenn die Wiederholung an sich eine ernste Angelegenheit ist, mangelt es ihr doch nicht an Humor, ja sogar an Ironie. Da ist François Morellet, der rund fünfzig Jahre später ein Bild aus Linien und geometrischen Formen im kleinen Format (70 x 23 cm) wieder aufgreift, es maßlos vergrößert – auf etwa drei Meter Höhe – und der Künstler kommentiert: „Es ist schöner, wenn es größer ist.“ In der Ausstellung spielen die Formate keine Rolle.
Jeder hat seine eigenen Momente, die ihn am meisten fesseln – seien es Entdeckungen oder Wiedersehen –, und der Leser wird uns unsere subjektiven Einstände nicht übel nehmen. Zum Beispiel vor dem Fernseher, der uns mit „Arena Quad 1+2“ von Samuel Beckett in die 1980er Jahre zurückversetzt, wo vier Wanderer, die an den Ecken eines Quadrats eingehüllt sind, mit ihren genau kalkulierten Wegen auf und ab gehen ; Es war eine Zeit, in der das Fernsehen noch Ambitionen hatte, die sich nicht auf die Einschaltquoten beschränkten – in diesem Fall handelte es sich um deutsches Fernsehen. Um bei den Videos und dem kleinen Bildschirm zu bleiben: Da sind Abramović und Ulay, da ist natürlich Nauman, Richard Serra, Paul McCarthy – bei allen spielt der Körper eine vorherrschende Rolle.
Hier nun in ungeordneter Reihenfolge einige Hinweise, die mir besonders am Herzen liegen: die ungarische Avantgarde der 1960er Jahre mit dem Konzeptkünstler Miklós Erdély und bereits zuvor Dóra Maurer, wobei wir den Blick auf die Polin Alina Szapocznikow und ihre Fotoskulpturen ausweiten ; der Beitrag von Éric de Chassey zu Simon Hantaï, eine Hommage in reduzierter Form, die jedoch nicht weniger herzlich und bedeutungsvoll ist, insbesondere mit „Écriture rose“ und seinen religiösen und philosophischen Texten, über denen solche Zeichen stehen, die obsessiv mit Feder und Tusche niedergeschrieben wurden und fast unleserlich sind, so wie es am Ende auch die Zahlen von Roman Opalka sind, die bis ins Unendliche zählen, in Weiß auf einer Leinwand, die sich nach und nach aufhellt ; eine weitere, kaum wahrnehmbare Erscheinung: „Les Cielographes“ aus dem Film von Marijke van Warmerdam, weiße Kondensstreifen, die Flugzeuge vor dem Hintergrund des blauen Himmels hinterlassen ; schließlich zurück zur Malerei: Jonathan Lasker und Bernard Piffaretti mit ihrer Verdopplung, ihrer Duplikation. Man erinnert sich an Becketts Worte über das erneute Versuchen, das erneute Scheitern, das bessere Scheitern. Für Fehlschläge sind es schöne Erfolge. Hier erweist sich die Ausstellung als Meisterwerk.
