Bevor der Blick in einer Ausstellung von Werk zu Werk wandert, um dort zu verweilen, es zu ergründen, es so gut es einem auf Distanz beschränkten Sinn möglich ist zu erfassen – also noch davor –, erfasst der Blick einen Ort wie einen Behälter. Für einen ersten Eindruck vom Ganzen, der sich angesichts der Üppigkeit der Petersburger Wände oder im Gegenteil angesichts einer großen Sparsamkeit der Mittel, einer extremen Reduktion, einstellt. Die Galerie Jeanne Bucher Jaeger in der Rue de Saintonge im dritten Pariser Arrondissement befindet sich in einem Hinterhof, lichtdurchflutet, strahlend weiß, ein Raum, dessen Rhythmus lediglich von einigen Säulen bestimmt wird. Wir betonen dies, denn es kommt selten vor, dass Ort und Ausstellung in so enger Wechselbeziehung stehen: dieselbe Sparsamkeit auf beiden Seiten, dieselbe Dichte und – wie in unserem Titel, einem neuen Paradoxon – eine Konsistenz, eine Konzentration, die mit Prekarität einhergeht. Das lastet schwer, und doch steht man einer Art Schwerelosigkeit gegenüber.
Sobald man diese Paradoxien erkannt hat, wird das Wesentliche der Kunst von Paul Wallach deutlich, einem Künstler amerikanischer Herkunft (der einst bei dem Bildhauer Mark di Suvero zu Gast war, dessen Neigung zur Geometrie und dessen Streben nach Ausgewogenheit), der in Paris lebt und dessen Werke die Galerie seit 2008 ausstellt. Ein Merkmal, das man bereits beim Betreten der Galerie wahrnimmt: die (hinsichtlich ihrer Größe – vier Meter hoch) bedeutendste Skulptur, die im Gegensatz zu den meisten anderen Werken im Raum positioniert ist und in der Luft schwebt. Sie besteht aus etwa zehn dünnen Fichtenholzlamellen, die eine längliche Raute bilden, in deren Mitte sich zwei Elemente aus massivem Stahl befinden, die gelegentlich aneinanderstoßen und klirren. Ein vibrierendes, zartes Geräusch, wie man es in einem tibetischen Kloster hört, nicht der klangvolle Ruf unserer Kirchen- oder Domglocken.
Die Kunst von Paul Wallach ist zweifellos auch mit der Stille verbunden; Seine Werke heben sich unauffällig von den Wänden ab, wie Zeichnungen oder Gemälde, und erscheinen dreidimensional im Raum, aus Materialien, die dem Künstler griffbereit stehen (allerdings aus der Hand eines anspruchsvollen Künstlers, der bei seiner Auswahl sehr sorgfältig vorgeht). Die unterschiedlichsten Materialien, allen voran Holz, Papier und natürlich Leinwand, zu denen er Gips, Glas, Stoff und sogar Schnur hinzufügt.
Oben konnten Sie den Akt, den Schaffensprozess von Paul Wallach nachvollziehen; zugleich – und genau das macht die moderne Kunst aus – wiederholt unsere Wahrnehmung diesen Akt und begleitet den Künstler dabei. Ganz in der Nähe der Raute mit dem Titel „N’a de fin, de commencement non plus pour dire vrai“ befinden sich insgesamt fünf Werke: vier bildhafte Arbeiten und ein Bleikreuz, das einen blattlosen Zweig trägt; sie bilden einen unregelmäßigen Raum an der Wand und begrenzen ihn auf eine Weise, über die uns der Titel „Yielding Place“ vielleicht mehr verrät, indem er auf den Dichter Alfred Tennyson verweist: „The old order changeth, yielding place to new“. Als Kommentar zu dem, was wir erleben, und zugleich als Aufruf – beides bei Paul Wallach – können sie nur im Gedächtnis bleiben, sind aber nicht weniger fesselnd.
Manchmal bleiben diese Gemälde oder Skulpturen (die so wenig an der Wand befestigt sind, dass sie darüber zu schweben scheinen, darüber hinwegzugleiten), was meistens der Fall ist, beschränken sich auf die Farbe Weiß (man weiß ja, welchen Farbton man erhält, wenn man das Licht aller Farben mischt), und kaum lassen sich darin Formen erkennen ; manchmal entstehen sie aus kräftigeren Abdrücken oder sind das Ergebnis einer zarten Verzweigung. An anderer Stelle ist der Bildhauer noch einen Schritt weiter gegangen und hat den Raum auf sensible und subtile Weise eingenommen, wobei sich Elemente aus Holz und Gips miteinander verbinden – mal mit der Regelmäßigkeit von Treppenstufen, mal auf verschlungenere Weise, bis hin zum vielschichtigen Spiel eines Spiegels.
Im Gegensatz zu früheren Ausstellungen kommt Farbe nur sehr selten vor. Dennoch bleibt ein gelber Fleck aus „Last Yesterday“ sehr stark in Erinnerung, und er weckte sofort Assoziationen zu dem kleinen gelben Wandabschnitt in „Delft“ von Vermeer bei Proust: wegen seiner kostbaren Beschaffenheit, so der Schriftsteller, wegen des Lichts, das hier ebenso wirkt, intensiver noch als beim Weiß, das von innen zu kommen scheint, um sich nach außen zu offenbaren.
Beuys verdanken wir diese Idee, Kunst nicht in ihrer chronologischen Abfolge zu betrachten, sondern rückwärts zu gehen, die Alten aus der Perspektive der Modernen, unserer Zeitgenossen, zu betrachten. In gewisser Weise lässt sich analog dazu sagen, dass sich die Natur am besten durch die Kunst offenbart. Leonardo da Vinci hat uns gelehrt, eine Mauer zu betrachten. Durch eine in ihrem Fensterrahmen eingefasste Scheibe nahm ein Teil der Fassade in der Rue de Saintonge plötzlich das Aussehen eines vergrößerten Gemäldes von Paul Wallach an. Mit all ihren Nuancen und ihrer Feinheit. Sobald man draußen ist, verflüchtigt sich der Zauber.
