Das Bild spricht für sich

Die Ausstellung „ Je est un autre “ (im Titel in Anführungszeichen, da es sich um ein Zitat von Rimbaud handelt) passt perfekt zu „Rethinking Identity“, dem übergreifenden Thema des diesjährigen Europäischen Monats der Fotografin. Die Biennale verläuft ohne großes Aufsehen und ohne Verrenkungen. Weder ästhetische Verrenkungen seitens der Aussteller noch Selbsthinterfragungen („Verstehe ich die Fotografie, die Kunst?“) seitens der Besucher. Im Casino Luxembourg-Forum d’Art Contemporain (Bodies of Identities) und im Ratskeller (Family and Community) werden die (guten) Absichten durch zu wortreiche Erläuterungen sowie komplexe und schwer verständliche Experimente verwässert.

Ganz eindeutig und beruhigend für die Zukunft der Fotografie, für alle, die sie lieben, und für diejenigen, die neugierig auf den noch geheimen dritten Teil der Trilogie in zwei Jahren sind (nach „Rethinking Landscape“ und „Rethinking Identity“), wurde der EMoP Award by Arendt von der Jury an den jungen deutsch-ghanaischen Fotografen Jojo Gronostay für seine Arbeit „recycling identity“ verliehen, die im Ratskeller und im Arendt House zu sehen ist – ein Projekt, das (im wörtlichen wie im übertragenen Sinne) Substanz hat. Jojo Gronostay veranschaulicht diesen Titel im wörtlichen wie im übertragenen Sinne mit westlicher Kleidung, die in Ghana recycelt wurde und durch den wirtschaftlichen Austausch einen kulturellen Wert zwischen zwei Kontinenten erhält. Die Kleidungsstücke „Dead White Men’s Clothes“ können nur von toten weißen Männern getragen worden sein … Die Serie ist im Ratskeller ausgestellt. Nicht ohne Humor betitelt der Fotograf „Untitled (Colours)“, eine der beiden Fotografien im Arendt House. Dies ist zugleich eine Anspielung auf das Arbeitswerkzeug am Fließband der „ kleinen Hände “ und auf die Formgebung durch die Hände – eine Übung von höchster Schwierigkeit und Meisterschaft – durch die größten westlichen Bildhauer…

Schuhabsätze (von Jojo Gronostay im XXL-Format fotografiert) werden zu architektonischen Türmen, die an den Triumph der liberalen Finanzwelt (Brutalismus) erinnern, und führen uns in den Wiltheim-Flügel des MNHA (das nun „Nationalmuseum um Feschmaart“ heißt). Die Ruhe und das Halbdunkel, die in diesen abgelegenen Räumen des Museums herrschen (denn man muss sie ja erst einmal finden), laden die Besucher dazu ein, über die Zukunft unserer Gesellschaft im Zeitalter pluralistischer Identitäten nachzudenken (siehe auch den Artikel von France Clarinval in „d’Land“ vom 12.05.2023).

Die Raumaufteilung (durch den Kurator Paul di Felice) mag einfach erscheinen – ein Raum pro Künstler –, doch beim Übergang von einem zum anderen bringt die auf einen Blick erfassbare visuelle Verbindung den Besucher näher an die Themen heran, mit denen sich die anderen Künstler beschäftigen (familiäre, sexuelle, gesellschaftliche, kulturelle und gemeinschaftliche Identität). „Ich ist ein Anderer“… Wer ist für Katinka Goldberg ihre Großmutter in der Serie „The portraits of my grandmother Assne“ (2020), deren Schwarz-Weiß-Gesicht aus Stein, Blumen, Blättern, Unterholz und farbenfrohem Wald besteht? Ihre Tochter, die in der Realität mit ihren Gesichtszügen von vorne und im Profil fotografiert wurde, kann zu dieser Identität der Herkunft nur schweigen, und Katinka (die ihre Mutter ist) kann nur sagen, wie der Titel des Werks lautet: „Shtumer Alef“, ein stummes Aleph, das der erste Buchstabe des hebräischen Alphabets ist.

Es folgt Frida Orupabo, eine norwegische Künstlerin nigerianischer Herkunft. Die Fotografin hat ihr Gesicht in stereotype Situationen der westlichen Sichtweise auf den kolonialisierten Körper eingefügt, der in einem Bordell zur Verfügung steht. Dieses Gesicht ist uns zugewandt und blickt uns an (Turning, blue, Rainy days, 2021). Was den Mann betrifft – den einzigen in der Ausstellung –, zeigt Paul di Felice die jüngsten Arbeiten von Bruno Oliveira, einem luxemburgisch-portugiesischen Künstler, der sich mit diesem „anderen Ich“ seiner schwulen Identität auseinandersetzt – einem Weg, den er nicht immer als positiv empfunden hat. Leise ist „Trip to Neverland“ zu hören. Leichte Musik, als wäre sie für Peter Pan gemacht, der nicht erwachsen werden wollte – oder bedeutet das, dass der kleine Bruno bereits wusste, dass er Jungen liebte, und dass er nun dazu steht? Die Melodie begleitet den Besucher in den nächsten Raum, denn man kann auch sagen, dass sich Frauen lange Zeit nicht von der Rolle emanzipiert haben, die ihnen das Patriarchat zugewiesen hatte. Es gibt ebenso viele Kopfbedeckungen, die durch Tradition oder soziale Schicht festgelegt sind, wie es Porträts von Frauen von hinten gibt. Die Serie „Averted Portrait“ stammt von Corina Gertz. Die Frauen sind in europäischer Kleidung zu sehen und tragen die regionale oder städtische Kopfbedeckung des 19. Jahrhunderts, als man ohne Kopfbedeckung nicht aus dem Haus ging. Hier sind auch eine von Kopf bis Fuß verschleierte Nonne und eine Frau mit einer plissierten Kapuze zu sehen… Könnte sich in „Rethinking Identity“ ein aktuelles gesellschaftliches Thema einschleichen, nämlich das des Schleiers und der Burka, das im Westen kontrovers diskutiert wird und dessen Abschaffung iranischen und afghanischen Frauen derzeit einen hohen Preis abverlangt?

Das Werk von Corina Gertz, das durch die wunderschöne Beleuchtung der Kopfbedeckungen die Vielfalt historischer Identitäten beleuchtet und auf aktuelle semantische Verschiebungen hinweist, endet mit zwei Porträts afrikanischer Frauen, die Schmuckplastrons tragen. Das ist natürlich sehr schön … Aber es ist wichtig, den Zusammenhang mit dem Raum auf der rechten Seite herzustellen. Dort wird die postkoloniale Geschichte eines indianischen Umhangs der Tupinambà aus Brasilien erzählt. Aus den Depots des Musée du Quai Branly geholt, trägt Livia Melzi ihn in einem Selbstporträt als Hommage an den Stamm ihrer Vorfahren in den Überresten des Amazonas-Regenwaldes.

Es folgt der Bericht über eine Reise des Federgewandes zu westlichen Kult- und Kulturstätten: Basilika San Lorenzo (Italien), Musée du Cinquantenaire (Brüssel), Nationalmuseet (Oslo). Hier entsteht ein wohlwollender interkultureller Dialog, aber es stellt sich auch die Frage nach der Rückgabe von Kulturgütern. Die Serie trägt den Titel „Museum der Kulturen, Studie für ein Tupinambà-Denkmal“ (2021). Im Raum links neben den Frauen mit Hüten von Corina Gertz konstruieren und dekonstruieren vier von vorne gesehene Gesichter die Definition des Stereotyps der Schönheit der afrikanischen Frau – und, wie der gleichnamige Titel „Define Beauty“ andeutet, der „echten“ Frau.

Zanele Muholi steht zwar für „Black is beautiful“, doch das Bild täuscht. Die südafrikanische Künstlerin und lesbische Aktivistin bekennt sich zu einer nicht-binären Identität und verwendet das Pronomen „i“. Lunga Ntila hingegen erfindet sich durch die Collage neu, indem sie ihre Gesichtszüge mit zahlreichen riesigen Augen verzerrt. Auch wenn sich ihr Ansatz im Laufe der Zeit gewandelt hat, lässt sich doch ein historischer Bezug zu jener Zeit herstellen, als Picasso die klassische Wahrnehmung des Porträts aufbrach und die Surrealisten afrikanische Kunst sammelten, wodurch sie die Codes der Malerei und Bildhauerei für immer sprengten. Unter ihrem klassischen Erscheinungsbild tun die im MNHA ausgestellten Fotografen dasselbe, und die Ausstellung endet scheinbar ganz sanft.

In den Selbstporträts von Krystina Dul lassen sich Nase und Mund im Gesicht offenbar kaum voneinander unterscheiden. Sie wirken fast identisch. Da die Serie jedoch den Titel „Mamas & Papas“ trägt, handelt es sich jedes Mal um eine andere Person.