Das 2007 eröffnete Tomi-Ungerer-Museum ist das erste Museum in Frankreich, das sich ausschließlich der Illustrationskunst vom 20. Jahrhundert bis heute widmet. Die Einrichtung befindet sich in Straßburg, der Geburtsstadt des Autors von „Die drei Räuber“ sowie von Gustave Doré, und umfasst eine Sammlung von 14.000 Zeichnungen und 1.500 Spielzeugen des Künstlers, zu denen noch etwa 2 nbsp;000 Werke auf Papier anderer Illustratoren wie Françoise Holle, André François, Sempé, Roland Topor, Grégoire Solotareff oder auch William Steig. Im Rahmen von „Straßburg – UNESCO-Weltbuchhauptstadt“ empfängt das Ungerer-Museum vier internationale Künstler zur Ausstellung „Évidence. Die Gegenwart zeichnen“, die von der Kuratorin und Konservatorin Anna Sailer konzipiert wurde.
Wie lässt sich die vergehende Zeit mit wenigen Strichen und Sprechblasen einfangen? Wie lassen sich auf dem leeren Blatt Konflikte, der Zusammenbruch politischer Strukturen und die Gewalt, die uns bedrängt, beschreiben? Ein seltsamer Titel für diese Ausstellung, wo es doch im Gegenteil alles andere als selbstverständlich ist, sich mit der Gegenwart auseinanderzusetzen. Man wäre sogar versucht, ihr den Rücken zu kehren, das Radio oder das Smartphone auszuschalten, um der Raserei dieser Welt zu entfliehen. Nichts scheint also weniger selbstverständlich, als die Gegenwart zu zeichnen – diese unvollendete, instabile Zeitlichkeit, deren Bedeutung offen bleibt. Unter „Evidence“ ist daher ihre englische Bedeutung als Beweis oder gar als Zeugnis zu verstehen.
Die Ausstellung in Straßburg beginnt mit einer riesigen Seidenradierung (A Break, 2022) von Nino Bulling, einem der eingeladenen Künstler. Nino Bulling wurde 1986 in Berlin geboren und begann seine Karriere mit illustrierten Reportagen, in denen er mutig soziale und politische Themen aufgreift. Bekannt wurde der Künstler 2014 mit seinem ersten Album „Au pays des lève-tôt“, das das Leben von Flüchtlingen in deutschen Abschiebehaftanstalten dokumentiert. Eine Recherche, die er 2019 gemeinsam mit Anne König in „Bruchlinien. Drei Episoden zum NSU“ fortsetzte, wobei er sich mit den rassistischen Verbrechen befasste, die Anfang der 2000er Jahre von der rechtsextremen Splittergruppe verübt wurden. Die für die elsässische Ausstellung ausgewählten Arbeiten entfernen sich jedoch von dieser journalistischen Tätigkeit und widmen sich stärker der Subjektivität des Autors, wie beispielsweise „A Break“, das den Auftakt bildet. Was nimmt man auf dieser Seidenradierung wahr, die sich uns im Format eines Historiengemäldes präsentiert? Nichts anderes als einen Moment der Intimität und stillen Besinnung zwischen zwei Menschen, die sichtlich einander nahestehen, zweifellos verliebt sind und auf einem Bett liegen. Ein Rückzug ins Innere, der sich wie eine Provokation gegenüber der Welt darstellt, in der die Notwendigkeit vorherrscht, den gegenwärtigen Augenblick zu leben und sich sein Leben als Reaktion auf die Informationsmüdigkeit zurückzuerobern. Man erkennt darin jedenfalls den feinen, langgezogenen Strich des Autors sowie das nicht-binäre Paar, das Ingken und Lily bilden, die beiden Protagonisten von „La Part du feu (abfackeln)“, dem neuesten Werk von Nino Bulling, das 2023 in Frankreich erschien. In diesem Werk, das die Konventionen des Comics revolutioniert, geht es darum, die Resonanz der Welt durch das Prisma des Alltäglichen und des Intimen hörbar zu machen. So auch in dieser Seite aus dem Album, in der die Klimakrise plötzlich über das Display eines Smartphones Einzug hält: Man erkennt die Silhouette eines Kängurus, das versucht, den Flammen eines Feuers zu entkommen. Entfernungen brechen zusammen, ebenso wie die Grenze zwischen der Außenwelt und der Privatsphäre. Es handelt sich um einen Ansatz, der autofiktionale Elemente mit politischen Ereignissen wie dem Sturz von Baschar al-Assad in Syrien verbindet, den man in einem anderen Raum anhand des Tagebuchs entdeckt, das Nino Bulling seit 2024 führt.
Einer der interessantesten Aspekte der Ausstellung betrifft die Vielfalt der Erzählformen, mit denen die Künstler ihre Geschichten erzählen und die das Genre der Illustration neu beleben. Eines der erstaunlichsten Werke schwankt in seiner Form zwischen Mosaik und Regenbogen ; es handelt sich um „Remember me when I’m not here anymore“ (2020–heute), das schlicht aus bunten Post-its besteht, die auf Leinwände geklebt sind. Jedes Papierfragment ist mit Notizen und Kritzeleien des Autors Mazen Kerbaj bedeckt, der seine Tätigkeit als Zeichner mit der eines Musikers verbindet. Es sind Spuren des Alltags, die von der Zersplitterung des heutigen Lebens zwischen Existenz, Schöpfung und Archivierung zeugen. Weiter hinten werden die Notizbücher von Mazen Kerbaj als eigenständiges Werk in großen Wandvitrinen ausgestellt. Jede Seite entfaltet sich vertikal wie ein Leporello und offenbart Schriftsysteme, die manchmal neben aufwendigeren plastischen Formen stehen. In der Nähe dieses zentralen Elements von Kerbajs künstlerischer Praxis befinden sich acht Vignetten, die innerhalb von 24 Stunden entstanden sind und von seinem experimentellen Ansatz beim Erzählen zeugen. Durch den Einsatz von Tusche sowie von Lösungsmitteln, die den Untergrund angreifen, schafft Kerbaj eine unerwartete Erzählform, die an der Grenze zwischen Abstraktion und Zerfall liegt, ganz im Sinne seines ätherischen Themas (Mon nuage, 2012).
Die Kugelschreiberzeichnungen von Neïla Czermak Ichti haben bekannte Personen aus ihrem Umfeld zum Vorbild. Indem sie ihnen Flügel und ein Handy verleiht, verwandelt sie sie in hybride Gestalten, die sich zwischen dem Irdischen und dem Himmlischen, dem Menschlichen und dem Tierischen, dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren bewegen. Eines ihrer Porträts, das für das Ausstellungsplakat ausgewählt wurde, trägt den Titel „Hallo, ja, da passieren gerade komische Sachen, ruf mich zurück“ (2019); In einer zugleich seltsamen und beunruhigenden Situation telefoniert eine junge Frau, während sie bis zur Brust im Wasser steht. Auf diese Weise möchte die Künstlerin das Publikum auf die Gleichzeitigkeit der Klimakatastrophe und der Banalität des Alltags aufmerksam machen und die Kluft, ja sogar den Gegensatz zwischen diesen beiden Zeitebenen betonen. Andere ihrer Zeichnungen lassen durch grelle Farben, übertriebene Schatten und die Figur des Vampirs den Einfluss der Heavy-Metal-Ästhetik und des Horrorfilms erkennen. Oder beschränken sich auf die Gestaltung von Sprechblasen vor einem Hintergrund greller Farben (Hey no Hard Feeling !!!! / „Even if there were, I wouldn’t care !!!“). Neïla Czermak Ichti verdanken wir auch eine der schönsten Zeichnungen der Ausstellung, voller Zärtlichkeit, auf der sich zwei Frauen umschlingen, ohne dass wir den Grund dafür kennen, was die Interpretation dieses Liebesakts offen lässt (Ohne Titel, 2019).
Das Werk von Mounira Al Solh erweitert schließlich das Spektrum der Techniken um die Stickerei. Seit 2011 sammelt die Künstlerin Berichte von syrischen und palästinensischen Flüchtlingen, die gerade im Libanon angekommen sind, wo sie geboren wurde und lebt. Als Reaktion auf den politischen Wandel in Syrien hat sich Mounira Al Solh dazu entschlossen, einen Film zu zeigen, der das politische Engagement ihrer Großeltern nachzeichnet („À la santé des alliés“, 2015), und feministischen Aktivistinnen mit gestickten Porträts Tribut zu zollen – von der Dichterin May Ziadeh (1879–1947) über die ägyptische Schriftstellerin Nabawiyya Musa (1886–1951) bis hin zur irakischen Politikerin Naziha Al Douwayli (1923–2007). Nützliche Hinweise, an die man in einer stark patriarchalisch geprägten arabischen Welt erinnern sollte. Davon zeugt das treffend betitelte Werk „Bouchée bée“ (2020), ein Textilkunstwerk, das die Hindernisse für die Emanzipation der Frauen aufzeigt – verschleierte, maskierte, zum Schweigen gebrachte Frauen. Inch Allah ?
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