Zwei Jahre Vorbereitungszeit, vier Kuratoren, drei Tage des Austauschs, vierzehn Künstler, neun bisher unveröffentlichte Werke… Das Mudam hat für die Ausstellung zu seinem fünfzehnjährigen Jubiläum ein umfangreiches Programm auf die Beine gestellt. Das Kuratorenteam (Clément Minighetti, Marie-Noëlle Farcy, Christophe Gallois und Sarah Beaumont) hat einen Titel gewählt, der wie ein Wunsch klingt: Freigeister. Darin findet sich das Konzept der „Freigeister“ wieder, das dem deutschen Philosophen Friedrich Nietzsche so am Herzen lag. Die Künstler sollen etablierte Rahmenbedingungen, Ideen und Formen auf „kritische, engagierte, unkonventionelle oder poetische“ Weise hinterfragen – also frei. Clément Minighetti weist den Vorwurf zurück, eine Bilanz ziehen oder Anspruch auf Vollständigkeit erheben zu wollen, und erklärt: „&Es ist ein subjektives Porträt einer Gruppe von Künstlern, die Verbindungen zwischen Luxemburg und anderen Ländern knüpfen – jenem ‚Anderswo‘, das das Großherzogtum so stark prägt.“ So betrachtet kann man an der Auswahl der Künstler nichts auszusetzen haben. Die Fragmente der Kunstszene in Luxemburg und darüber hinaus (so lautet der Untertitel) sind durchaus vorhanden, auch wenn die Anwesenheit der einen überrascht und das Fehlen der anderen Fragen aufwirft.
Das Problem ist, dass es sich eben um Fragmente handelt, um nebeneinander gestellte Werke ohne Zusammenhang und ohne schlüssigen Gesamtzusammenhang. Dass die Künstler aufgrund ihrer Herkunft oder ihres persönlichen Werdegangs Beziehungen zum Ausland geknüpft haben, scheint als roter Faden ziemlich dürftig. Dennoch hat das Museum im Vorfeld der Ausstellung, um deren Umsetzung zu begleiten, Tage des Austauschs zwischen den Künstlern und verschiedenen externen Persönlichkeiten (Forschern, Schriftstellern, Leitern von Institutionen und Vereinen…) angeboten, um einen Dialog über die Themen zu führen, die die heutige luxemburgische Gesellschaft bewegen: Sprachen, Territorium, Zusammenleben, Migration. Es ging nicht darum, den Künstlern ein Thema aufzuzwingen, doch diese Begegnungen (drei Termine zwischen September 2020 und Juli 2021) hätten ihre Beiträge tiefergehend bereichern können, während sie stattdessen eher die Arbeit fortsetzten, für die sie bekannt sind.
Wir werden also von einem Raum zum nächsten gehen, im Erdgeschoss des Museums, zu beiden Seiten der großen Halle. Die vom Büro Polaris gestaltete Ausstellungsinszenierung bietet jedem der Künstler (die alle in den 70er- und 80er-Jahren geboren wurden) einen eigenen Raum, ohne sie dabei voneinander zu isolieren. Auf der einen Seite, in einer Art organisiertem Chaos, befinden wir uns inmitten der Turbulenzen der Welt, der Reibung mit der Realität. Auf der anderen Seite, in einem ruhigeren, aber auch kühleren Rahmen, bietet sich eine distanziertere, poetische Atempause. Als Spiegelbild der Facetten des aktuellen Schaffens sind die verwendeten Medien äußerst vielfältig und reichen von der Fotografie über die Malerei bis hin zu Installationen, Skulpturen, Filmen oder virtueller Realität.
Eines der gelungensten Werke – nicht zuletzt, weil es über die übliche Praxis der Künstlerin hinausgeht – ist „Insert your Card“, eine vereinfachte und reduzierte Nachbildung eines Geldautomaten, geschaffen von Aline Bouvy (geb. 1974). Die Videoanimation, die der Besucher auf dem Bildschirm sieht, verzerrt die grafischen Codes der Werbung, die den Nutzer infantilisieren, nachdem sie auf recht subversive Weise Figuren inszeniert hat, die „Kapital“ und „Konsum“ in einer sexuell expliziten Szene inszeniert hat, in der der eine vom anderen profitiert. Im Rahmen seiner weiteren Auseinandersetzung mit der Beziehung zwischen häuslichem und öffentlichem Raum verwendet Marco Godinho (geb. 1978) einen rötlichen Staub, der durch das Zerkleinern von Dachziegeln aus seinem eigenen Haus entsteht. Ein zerbrechliches, zartes Material, das sich gut in das Schaffen des Künstlers einfügt. Ebenfalls zart ist der „Nachtfalter“ von Yann Annicchiarico (1983): eine geometrische Skulptur in Kerzenschwarz, auf der die Flügelschläge des titelgebenden Nachtfalters Spuren hinterlassen haben, die wie eine Konstellation erscheinen. Mit „Silent Hero“ erinnert Claudia Passeri (1977) an die Anonymen und Vergessenen der Geschichte – durch eine riesige Vergrößerung eines Zugschlosses, eines Metallteils, das dazu dient, zwei Wände miteinander zu verbinden. Kleines Werk, große Wirkung – auch ein Schmetterlingseffekt.
Mehrere Künstler der Ausstellung haben während der Monate der Isolation eine malerische Praxis entwickelt (oder fortgesetzt). Da Sophie Jung (1982) keine Gegenstände und Textilien für ihre Skulpturen mehr auf Flohmärkten sammeln konnte, wandte sie sich dem Zeichnen zu. Filip Markiewicz hat den Bleistift beiseitegelegt, um sich der Ölmalerei zu widmen. Mit derselben kritischen Scharfsinnigkeit gegenüber der heutigen Gesellschaft, demselben Humor und demselben Sinn für Komposition schafft er Gemälde, die wie Collagen aus Motiven und Figuren wirken. Sein Ensemble „Ultrasocial Pop“, eine Art Ausstellung in der Ausstellung, spielt mit dem Wechselspiel zwischen Virtuellem und Realem, Digitalem und Greifbarem. Nina Tomàs (1989) präsentiert ein poetisches Polyptychon, in dem die Elemente über verschiedene Medien und Formate hinweg miteinander in Dialog treten. Sie schafft eine Art organisches Universum, in dem sich Figuren, Texturen, Landschaften, Farben und Motive vermischen und aufeinander reagieren.
Man verlässt die Ausstellung mit einem etwas wehmütigen Gefühl und einer gewissen Müdigkeit. Man hätte sich mehr Überraschungen und mehr Risikobereitschaft gewünscht. Das Erfreulichste an dieser Ausstellung ist letztendlich die Einladung, die die Besucherbetreuung an Daniel Wagener (1988) ausgesprochen hat, ein noch nie dagewesenes Brotbackofen-Projekt namens „Ket Baker“ im Außenbereich des Museums zu realisieren. Eine Praxis, die er während des Lockdowns entwickelt hat, um in seinem Brüsseler Stadtteil einen Ort des Austauschs und des Miteinanders zu schaffen. Sauerteig, Kneten, langsame Gärung, Formen und Backen im Holzofen stehen im Gegensatz zu Schnelligkeit und maßlosem Konsum. Wie der Gemeinschaftsbackofen des Mittelalters bringt auch der von Daniel Wagener die Besucher zusammen und bezieht sie mit ein. Man findet hier eine Art Ästhetik der Geselligkeit wieder, die an das „Pad Thai“ von Rirkrit Tiravanija oder die Mahlzeiten von Massimo Guerrera erinnert (beide aus den 2000er Jahren). Während der gesamten Ausstellungsdauer ist eine Reihe von Veranstaltungen geplant, um den geselligen Charakter dieser Teilhabe zu unterstreichen: Austausch von Rezepten, Backaktionen und Verkauf von Brot (sonntags), Vorträge über Sauerteig, Öffnung des Ofens für alle…
Dem Mudam wird oft vorgeworfen, luxemburgische Künstler nicht ausreichend zu präsentieren. Zwei große Ausstellungen haben jedoch bereits eine Bestandsaufnahme für die eine (ELO: Inner Exile – Outer Limits im Jahr 2008, in der es bereits um das „Anderswo“ ging) eine Bestandsaufnahme skizziert und für die andere (Atelier Luxembourg – The Venice Biennale Projects (1988–2011) im Jahr 2012) eine Art Bilanz gezogen. Einige wenige kamen in den letzten Jahren in den Genuss einer monografischen Retrospektive (Su-Mei Tse, Bert Theis, Jean-Marie Biwer, um nur die jüngsten zu nennen). Mit „Freigeister“ erfüllt das Museum zweifellos eine Vorgabe, die den mürrischen Buchhaltern gefallen wird, die gierig nach Statistiken sind, um die lokalen Beteiligungen zu zählen. Doch tatsächlich verpasst es damit die Gelegenheit, die Arbeit dieser Künstler wirklich zur Geltung zu bringen, indem es sie in thematische Ausstellungen einbindet, in denen sie sich neben internationalen Größen nicht zu verstecken hätten.
