Die Verzauberungen von Betye Saar

Als Pionierin der amerikanischen feministischen Kunst war Betye Saars Werk in Frankreich bislang noch nie gewürdigt worden. Bis Fanny Gonella und ihr Team die Initiative ergriffen und damit die Pionierarbeit fortsetzten, die der Frac-Lorraine in den letzten Jahren erfolgreich geleistet hatte – beispielsweise durch die Entdeckung von Christina Ramberg oder Michael Rakowitz. Die Ausstellung „Serious Moonlight“ von Betye Saar, die im vergangenen Jahr im Institute of Contemporary Arts in Miami zu sehen war, setzt ihre Wanderausstellung in der Stadt Metz fort, wo sie auf dem Hügel Sainte-Croix zu sehen ist, auf dem ihre topografischen Koordinaten (49 Nord, 6 Ost) stolz angegeben sind. Anschließend wird sie in die Schweiz weitergeleitet, wo sie im Kunstmuseum Luzern zu sehen sein wird.

Die bei der Vernissage angekündigte amerikanische Künstlerin und Aktivistin, die 1928 in Los Angeles geboren wurde, ließ schließlich versagen. Die Politiker hingegen waren sehr wohl anwesend und traten nacheinander ans Mikrofon, um endlose Dankesreden zu halten. Weit entfernt von den Reden der lokalen Behörden offenbart sich jedoch das mondähnliche und stille Werk von Betye Saar, geprägt von Traditionen und Erzählungen, die in der Diaspora auf die Probe gestellt wurden, und inspiriert von ihren Reisen in den 1970er Jahren nach Nigeria, Mexiko und Haiti. Daraus ergibt sich eine gewisse Vorliebe für den Synkretismus: „Es ist nicht so, dass ich den haitianischen Voodoo, den Hoodoo aus New Orleans, den Chango oder die Santeria nachahme. Ich nehme einfach von jedem ein wenig. Es geht um einen einzigen Planeten und darum, wie jeder durch seine ethnische Herkunft oder seine kulturellen Praktiken dazu beiträgt“, räumt der Künstler ein. Gleich zu Beginn des Rundgangs wird das Publikum dazu angeregt, das Reich der Vernunft zu verlassen und sich auf eine vom Voodoo inspirierte Installation (House of Fortune, 1988) einzulassen, die hauptsächlich aus Fundstücken oder recycelten Gegenständen besteht, darunter kleine, von haitianischen Künstlern gefertigte Paillettenbilder. Dort wimmelt es von Herzen, Händen sowie Symbolen des Mondes oder des Blitzes. Inmitten von Zweigen, zwischen denen einige Karten (Tarotkarten?) verstreut sind, rahmen drei Seidenbanner, die die vier Elemente des Lebens (Erde, Luft, Feuer, Wasser) darstellen, eine spiritistische Szene ein. In ihrer Mitte steht ein Holztisch, der mit den Handabdrücken des Künstlers versehen ist. Ein informierter Besucher ist doppelt so viel wert: Möglicherweise wird er von den Geistern heimgesucht, die dort herbeigerufen werden. Eine Karte, die das Frac Lorraine voll ausspielt, indem es sogar von einem Medium geführte Ausstellungsführungen anbietet…

Weiter hinten warten weitere Hände, ganz schwarz, eingetaucht in ein Bad aus blauen Steinen. Diesmal scheinen sie sich verzweifelt zum Himmel zu strecken, auf der Suche nach irgendeiner Hilfe, von einem Einbaum aus, der auf einem Diagramm von Brookes ruht, das zeigt, wie die Sklaven in den englischen Schiffen zusammengepfercht wurden. Vor diesem behelfsmäßigen Boot funkelt eine Sternenkarte in der milchigen Nacht. Desorientierung garantiert.

Als Gegenpol zu dieser geheimnisumwitterten nächtlichen Welt und den Erinnerungen an die Sklaverei erhebt sich ein strahlendes Kleid im grellen Kunstlicht – ein schwebendes Relikt, gleich einem Geist. Es handelt sich um ein neueres Werk von Betye Saar mit dem Titel „Brides of Bondage“ (1998). Auf der Schleppe sind Miniatursegelboote aus einer anderen Zeit angeordnet. Aus der Zeit des Sklavenhandels durch die englische Marine, des Handels mit Stoffen (hier Seide) und mit Menschen – Waren, die damals gleichwertig waren, wie uns die Diagramme von Brookes, auf denen jedes Schiffsmodell platziert wurde, einmal mehr in Erinnerung rufen. Weiter hinten erhält das Thema Trauer eine persönlichere Note durch einen Altar, der zum Gedenken an die Mutter der Künstlerin, Beatrice, geschaffen wurde. Sein Titel, „Wings of Morning“ (1987), stammt aus Psalm 139 der Bibel, den Betye Saar mit der Erinnerung an Beatrice verbindet: „ Wohin könnte ich vor deinem Geist fliehen, wohin vor deinem Angesicht? / Wenn ich die Flügel der Morgenröte nähme und am äußersten Ende des Meeres wohnen würde, / auch dort würde mich deine Hand führen und deine Rechte mich ergreifen. “. Aus einer intimen und familiären Installation wird eine öffentliche und partizipative, bei der der Besucher seinerseits eingeladen ist, eine Gabe für die Verstorbenen niederzulegen, die ihm am Herzen liegen. Was viele auch getan haben: Am Fuß des Altars stapeln sich Gaben aller Art: Fotos, Stifte, Münzen, Mützen, Brillen, U-Bahn-Fahrkarten usw.

Gegenüber diesem großzügigen Altar steht eine kuriose „Oasis“ (1984–2019) vor uns, die nicht ohne einen gewissen Humor an die Strände von Martial Raysse erinnert, mit ihrer orangefarbenen Neonbeleuchtung, die den Titel zum Leuchten bringt. Auf einer weißen Sandfläche, die von mehreren Glaskugeln unterbrochen wird, bietet sich dem Blick ein mit Kerzen umringter Kindersessel aus Korbgeflecht dar. Auf seiner Sitzfläche liegen Blütenknospen, die die Kindheit symbolisieren: „ &Jeder Abschnitt im Leben eines Menschen ist eine Oase, wie die Kindheit, das Alter, der Tod und der Weg dazwischen “, erklärt der Künstler. Als einem Ort gewidmet, der dem Vergehen der Zeit gewidmet ist, wird „Oasis“ zum ersten Mal seit dreißig Jahren wieder ausgestellt.

Im Obergeschoss, wo sich der letzte Teil der Ausstellung entfaltet, ist der Raum mit Vorhängen in verschiedenen Farben ausgekleidet. Darauf sind lediglich Schatten abgebildet. Man erfährt, dass es sich bei diesen Schatten um die des Künstlers handelt – der neben Menschen aus seinem Umfeld posiert oder unter zwei Vogelkäfigen beim Lesen zu sehen ist. Der Künstler offenbart sich uns stets auf indirekte und negative Weise. Durch bedruckte Stoffe, Abdrücke, fotografische Schatten. Immer nur halb verkörpert, verwirklicht – wie ein Symptom für die Lage der Schwarzen, die aus der kolonialen Ausbeutung hervorgegangen sind.