Im Dorf Vantoux in der Nähe von Metz hat eine große Welle, die von der westafrikanischen Küste kam, die Galerie Nathan Chiche überrollt. Es handelt sich um die Ausstellung „20.000 Orte unter dem Meer“: Die Reise von Barthélémy Toguo“, deren Titel an das Werk von Jules Verne anknüpft. Eine Art, einen maritimen Fuß in einen Ort zu setzen, der davon weit entfernt ist, mitten in der moselländischen Landschaft. Es besteht jedoch eine gewisse Affinität zwischen dem maritimen Element und der von Prouvé nach dem Zweiten Weltkrieg entworfenen Notarchitektur, da beide von Natur aus provisorisch, wandelbar und vergänglich sind.
Die Reise zum Horizont beginnt auf dem Innenhof, einem Ort, der sich ideal für ein monumentales, spektakuläres und unverzichtbares Kunstwerk eignet. Die Installation „Road to Exile“ (2016) befindet sich auf einem provisorischen Boot, das am Boden von mehreren leeren Flaschen umgeben ist, die wie gläserne Bojen wirken, auf denen es zu schweben scheint. Bis zum Übermaß mit Stoffballen beladen, sodass jede menschliche Präsenz in den Hintergrund tritt, steht ihre Ladung im Kontrast zur Enge des Bootes. Man ahnt die sich anbahnende Katastrophe, trotz der schönen Farben, die die Wachsstoffe bieten. Diese Unverhältnismäßigkeit, zusammen mit dem vielsagenden Titel des Werks, steht ganz offensichtlich für den Weg von Männern, Frauen und Kindern, die alles hinter sich lassen, in der Hoffnung, auf dem europäischen Kontinent Zuflucht und ein wenig Frieden zu finden. Man kann daher jedes an diesem Ort ausgestellte Objekt als die angespülten Überreste eines Schiffbruchs betrachten: verstreute Teile, deren Bruchstücke wieder zusammengefügt oder miteinander verbunden werden müssten. Die kleinen Bullaugen der Prouvé-Architektur nähren die Illusion eines Eintauchens.
Anschließend taucht das Publikum in die Weite des Blaus ein. Ein Blau, das seit dem berühmten Auftrag, den die RATP 2017 für die Gestaltung der Station Château Rouge in Paris – mitten im kosmopolitischen und volkstümlichen Viertel La Goutte d’Or – erteilt hatte, den Namen der Künstlerin trägt. „Dieses Blau wurde von der Manufacture de Sèvres für mich kreiert, für das Werk ‚Célébration‘, die große Keramik, die ich 2017 geschaffen habe. Es ist ein sehr originelles Blau, zugleich warm und leicht, dessen verschiedene Nuancen sich durch Wasser, Lack, Leinöl oder auch Terpentinöl offenbaren“, erklärt der bildende Künstler. Es ist zudem ein Blau, das im Gegensatz zu dem von Yves Klein nicht urheberrechtlich geschützt ist und darüber hinaus bleifrei ist. An den Wänden der Station gestaltet Toguo vielschichtige, traumhafte Figuren, halb menschlich, halb pflanzlich, die sich wie Pflanzen senkrecht in die Höhe erheben. Diese tauchen regelmäßig in seinem Werk auf.
Ein Regen aus blauen Tropfen, die sich auf den Fensterfronten der Schule niedergelassen haben, führt uns anschließend in den zentralen Bereich der Ausstellung. Dort sind verschiedene Werke ausgestellt, die die Vielseitigkeit des Künstlers widerspiegeln – vor allem Keramik, Skulptur, Malerei und Radierung. All diese Artefakte führen die maritime Metapher fort und bedecken auf ihrem Weg alles. So auch diese glasierten Porzellanobjekte in Rosa- und Blautönen aus der Serie „Balade aquatique“ (2022), von denen jedes Exemplar eine Variation eines Wasserlebewesens darstellt – Tintenfisch, Seestern, Fisch, dessen Flosse an ein Baumblatt erinnert. Diese Wunder des Meeres erobern den häuslichen Raum und seine Alltagsgegenstände (Vasen, Salatschüsseln usw.) und heben die Dichotomie zwischen Natur und Kultur, zwischen Außen und Innen auf. So fließt alles zusammen, zirkuliert nach dem Prinzip der Fließfähigkeit, das dem Element Wasser eigen ist. Weitere Figuren tragen zu diesem allumfassenden Eintauchen bei, wie jene imposanten Fischskulpturen – Karpfen und Wels aus Bronze –, die auf dem Boden um eine in der Manufaktur von Sèvres hergestellte Fayence tanzen. Auf dieser majestätischen Amphore, die aus den „Chroniques du vivant“ (2023) des Künstlers stammt, entdeckt man Verzierungen, die das Lebendige miteinander verbinden. Hier gibt es kein Prinzip der Trennung, alles ist miteinander verflochten: eine Weintraube, ein menschlicher Kopf, aus dessen Mund eine Liane wächst, um das Ganze zu verbinden und zusammenzuhalten. Ein verbindendes Motiv, das der Künstler in den meisten ausgestellten Werken einsetzt: sowohl in seinen Acrylbildern, in denen menschliche Arme ihre Fortsetzung im blühenden Geäst eines Baumes finden („Say It Loud“, 2023), als auch in seinen anmutigen Radierungen, in denen die Aquarell-Highlights dieses Prinzip der Fließendheit voll zur Geltung bringen. „Die Figuren verwandeln sich in mutierte, pflanzliche Körper, die zu tanzen beginnen“, erklärt Barthélémy Toguo in der Art Press anlässlich der ihm gewidmeten Ausstellung in der Bibliothèque nationale de France. Es ist eine Choreografie mit sich bewegenden Lianen, sich berührenden Blättern, Körpern, die sich ausdehnen. Die Blumen sind Zeichen für das Fest des Lebens, das in diesen Werken stattfindet, (…) die Präsenz des Menschen in der Natur, in Harmonie. Wir müssen den Planeten respektieren und schützen. Wenn es keine Pflanzen mehr gibt, bedeutet das den Tod. “ Als Plädoyer für eine Vereinigung des Lebendigen und des Zusammenlebens erstreckt sich Toguos Werk über einen kulturellen Zwischenraum, ganz wie sein Werdegang. 1967 in Kamerun geboren, begann er eine künstlerische Ausbildung an der Côte d’Ivoire ; er verließ den afrikanischen Kontinent vorübergehend, um an der Kunsthochschule in Grenoble zu studieren, wo er vier Jahre lang bei Ange Leccia und Jean-Luc Vilmouth lernte, bevor er für zwei Jahre an die Kunstakademie Düsseldorf wechselte.
Seitdem hat Toguo einen langen Weg zurückgelegt und in Kamerun die „Bandjoun Station“ gegründet, einen 2013 eingeweihten Ort der Weiterbildung und Ausstellung, der Künstler und Forscher aus aller Welt willkommen heißt. Doch auch hier gibt es keine Trennung oder Hierarchie zwischen den Ebenen. Dieses Projekt nimmt Tag für Tag in enger Zusammenarbeit mit der lokalen Bevölkerung Gestalt an. p
