Käthe Kollwitz und Albrecht Dürer sowie 18 weitere, weniger bekannte Grafiker werden von der Künstlerin Julie Wagener im Kupferstichkabinett der Villa Vauban zu einer außergewöhnlichen historischen Analyse anhand von Bildern zusammengeführt. Guy Thewes, Direktor der beiden Museen der Stadt Luxemburg, hatte die Idee, die 1990 geborene luxemburgische Illustratorin und Malerin zu bitten, für „The Things We Carry“, so der Titel der Ausstellung mit dem Untertitel „A look at what shapes a society – then and now“.
Diese Auswahl aus den 1.300 Bildern einer Privatsammlung, die kürzlich von der Villa Vauban im Saarland erworben wurde (daher der hohe Anteil an Werken deutscher Herkunft), unterstreicht das Engagement von Julie Wagener ebenso wie die fünf Siebdrucke, die sie für die Ausstellung angefertigt hat. So ist „Nothing is Safe Sacred or Sane“, das auch als Plakat dient (in Farbe, während es in der Ausstellung in Schwarz-Weiß präsentiert wird), ihre persönlichste Interpretation der Verunsicherung der Generation Z: Zwei Silhouetten – ein Mädchen und ein Junge ohne Gesicht – schweben und versuchen, voranzukommen. Man erkennt deutlich ihren Stil, aber auch die Fragestellungen, die ihr künstlerisches Schaffen prägen.
Denn die Frage ist von entscheidender Bedeutung: Wie kann man in einer globalisierten Welt, in der das einzige Ziel darin besteht, Kapital immer weiter und um jeden Preis zu vermehren, man selbst bleiben, sich orientieren, denken und handeln? Die Realität der heutigen Gesellschaft ist die Massenproduktion: Die Ausbeutung der einen zur Befriedigung der anderen; das Paradoxon des „grünen Wachstums“, eine schwache tatsächliche Umweltpolitik gegenüber dem trügerischen, aber beruhigenden guten Gewissen des Greenwashing; der Neoliberalismus, der Verlust des politischen Sinns und der populistische Aufschwung. Diese Missstände werden durch vier Siebdrucke veranschaulicht, die zugleich zeigen, wie Julie Wagener ihre Auswahl unter den zwanzig historischen Radierungen der Ausstellung getroffen hat.
Ausgehend von der Fertigungsstraße, auf der ein Kind mit naivem Lächeln, gekleidet als gieriger Pierrot, genüsslich konsumiert, während es gleichzeitig von der Billigproduktion buchstäblich verschlungen wird, lässt sich die Ausstellung linear durchlaufen. Oder man folgt seinem eigenen Weg durch die Erzählung der Missstände, die das menschliche Dasein betreffen und ihm antun. Der heutige exzessive Konsum lässt sich so mit sechs historischen Radierungen in Verbindung bringen, allen voran der Arbeiteraufstand. Käthe Kollwitz (1867–1945) schuf diesen Kaltnadelstich, „Sturm auf das Werk“, im Jahr 1897, zu Beginn der mechanischen Industrialisierung der Moderne und der Entstehung gewerkschaftlicher Strömungen. Die Arbeiter reißen Pflastersteine aus der Straße und schleudern sie gegen die Gitter des Arbeitgeberhauses. Andere, mittelloser und isolierter, schlugen zur gleichen Zeit in den Großstädten, die die Massen anzogen, ihren Lebensunterhalt mit kleinen Straßenshows. So etwa in „Der sitzende Mann mit einem Affen“ von Willem Vertommen (Ende des 19. Jahrhunderts) und „Die Künstler“ von Adolf Schinnerer aus den 1920er Jahren. Eine Lithografie einer Vorführung von Amateur-Seiltänzern, die unter Einsatz ihres Lebens hoffen, ein paar Cent zu ergattern.
Ein Zeitsprung und ein Wechsel im Ausstellungskontext: Als roten Faden unserer Erzählung haben wir uns dafür entschieden, die prekäre Lage eines Paares, das im wörtlichen wie im übertragenen Sinne „gemästet“ wurde, „Ein Koch und seine Frau“, ein Holzschnitt um 1496 nach Albrecht Dürer (1471–1528), mit der „Landschaft mit Bauernhof“, gestochen um 1760 von Franz Edmund Weurotter. Es ist nicht bekannt, ob es sich um eine Darstellung von Zunftmitgliedern handelt (die 1.300 Stiche werden derzeit begutachtet, um sie genauer zu analysieren) oder um Gastwirte. Doch lange vor Pestiziden und extensiver Landwirtschaft war das Essen (oder Nichtessen) eine existenzielle Frage. Julie Wagener bezweifelt, dass es Lösungen gibt – weder heute noch in der Zukunft. Auch wenn sich viele individuell in dem selbstzufriedenen Lächeln des Mannes mit Stiefeln und Spaten auf ihrem Siebdruck wiedererkennen werden, der den Untertitel „Technology won’t save us“ trägt.
Das Werk „Das sterbende Pferd in einer Wüstenlandschaft“ von Nicolaes Visscher, ein Radierungsdruck aus der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, lässt sich mit dem Versuch der Selbstversorgung in „En Terre“ in Franken in Verbindung bringen, einem Holzschnitt, der erst 1925 von Rudolf Schiestl geschaffen wurde. War Bruno Godschmitt (1881–1964) vor einem Jahrhundert ein Vorbote des Wasserkriegs, der uns bevorsteht? Unser Vergleich mag gewagt sein. Die Lithografie von 1928 entstand ein Jahr vor weiteren „schlechten Zeiten“, die über Deutschland hereinbrechen sollten: Die Weimarer Republik stürzt in die Rezession. „We are not in the same boat“, ruft der Mann mit dem fröhlichen Gesicht, berauscht von seinem Reichtum, den Julie Wagener auf dem Tisch tanzen lässt.
Doch sie fährt fort: „We are in the same storm“. Es steht fest, dass wir dazu aufgerufen sind, für eine Politik zu stimmen, die so sehr in Verruf geraten ist – die Figur auf ihrem vierten Siebdruck hat die Züge von Dr. Strangelove aus dem Film von Stanley Kubrick –, dass der Populismus, der durch Desinformation und Verschwörungstheorien aktiv geschürt wird, kurz davor steht, die Oberhand zu gewinnen. Europa schließt seine Grenzen. Welche bessere Wahl hätte Julie Wagener treffen können, als auf die mythologische „Entführung Europas“ (Johann Jakob Frey, Radierung von 1732) zurückzugreifen? Hans Röhm (1877–1956) prangerte bereits 1921 mit den „Reitern der Apokalypse“ (Kaltnadelradierung) den Aufstieg des Faschismus an, Andreas Gering illustrierte 1916 den Krieg durch eine Flut, die über die Menschheit hereinbricht… Ohne damit sagen zu wollen, dass das materialistische Denken die bildliche Ausdrucksweise erschwert – abgesehen von Plakaten und Street Art –, steht fest, dass der Rückgriff auf Mythen und biblische Darstellungen in vergangenen Jahrhunderten ein unmittelbares Verständnis der „Verbrechen“ und deren göttliche „Strafe“ begünstigten.
Die Anbetung des Goldenen Kalbs: Erstes Gebot (Adriaen Collaert, Kupferstich, 1585 nach Marten de Vos), Verderbtheit und Gewalt auf der Erde vor der Sintflut, Vernichtung der Menschheit durch die Sintflut (Johann Sadeler, Stichelstiche, 1583) und natürlich Der Sturz der Verdammten (Kupferstich, 1642, Pieter Claez Soutman nach Peter Paul Rubens). Die Entscheidung für eine soziopolitische Analyse lässt den Stil außer Acht. Doch wie könnte man die expressionistische Machart der „Versuchung“ (Heinrich Kuch, Lithografie um 1922) mit ihren spitzen und schrägen Linien und Formen, den ungewöhnlichen Winkeln und der dramatischen Beleuchtung übersehen?
„The Things We Carry, A look at what shapes a society – then and now“ ist eine Ausstellung mit rund zwanzig historischen Bildern und fünf zeitgenössischen Illustrationen, die fünf Jahrhunderte des menschlichen Daseins beleuchtet und die man sich nicht entgehen lassen sollte. Die Ausstellung ist noch bis zum 16. März im Kupferstichkabinett der Villa Vauban zu sehen.
