Dies lässt sich bis in die Antike zurückverfolgen, zumindest bis ins 19. Jahrhundert, das von griechischen und lateinischen Anspielungen geprägt war. In diesem Fall verdanken wir Nietzsche, dem Inhaber des Lehrstuhls für klassische Philologie in Basel, die antinomische Verbindung der beiden griechischen Götter, Apollon und Dionysos, die vereint und zugleich gegensätzlich sind, für die Entstehung der Tragödie, für die Charakterisierung des Geistes der Musik; und insbesondere werden sich die Dinge radikal von denen Wagners unterscheiden, der zu den wenigen Verfechtern des jungen Philosophen zählt. Nietzsches Formel wird sich durchsetzen, über die Musik hinausreichen und sich als geeignet erweisen, auf andere künstlerische Praktiken angewendet zu werden. Denn sie greift wesentliche Grundzüge oder Orientierungen auf.
Über die Musik hinaus also, ohne dass dabei die Verbindung unterbrochen wird, kann sie beim Besuch solcher Ausstellungen, angesichts solcher Lieblingskünstler, im Pariser Kulturleben eine Rolle spielen. Und wir beginnen mit einer Veranstaltung, die in Zukunft immer seltener zu sehen sein wird, da sie unglaublich kostspielig ist ; keine offizielle Institution könnte mit der Fondation Louis-Vuitton konkurrieren. Diese riesige Rothko-Retrospektive, eine Fülle von Kompositionen, die auf Rechtecke reduziert sind, mal in leuchtenden Farben, mal bis hin zum tiefsten Schwarz reichend. Es wird berichtet, dass Rothko seine Überraschung darüber zum Ausdruck brachte, zu hören, dass seine Bilder einen Eindruck von Frieden vermittelten; für ihn waren sie ein Riss, der aus der Gewalt hervorging.
Dennoch sollten wir sie dem Gott zuordnen, der den Himmel durchstreift, schon allein wegen des Lichts, das von ihm ausgeht. Und ganz konkret, falls es eines solchen Beweises bedürfte: Im Hinblick auf die Architektur der Tempel mit ihren Säulen ist es nicht abwegig, die unter dem Namen „Seagram Murals“ bekannten Gemälde dort anzusiedeln; sie sollten übrigens in den Augen des Künstlers einen „ Ort&“ schaffen sollten; sie landeten schließlich in der Sammlung der Tate.
Im Musée de l’Orangerie sieht man einerseits Monets „Seerosen“ mit ihren ruhigen, friedlichen Weiten, andererseits Nitschs „Schüttbilder“. Alles steht im Gegensatz zueinander, was die Farbgebung angeht, aber noch mehr in Bezug auf die Malweise, die Bewegung und die Lebendigkeit. Der Abwesenheit von Unruhe stehen Gesten von kräftigsten Verwirbelungen gegenüber. Die Farbe, mal flüssiger, mal pastoser, wird auf die Leinwand gegossen, geworfen – mit mehr Vehemenz als bei Pollocks Dripping; danach kommen die Übung, die Freude, die Sinnlichkeit des Verrührens, Knetens und Formens. Wirbel durchziehen die Oberfläche, es gibt Vorsprünge – oder sollte man eher von malerischen Ekstasen sprechen?
Das Centre Pompidou hat sich den Feierlichkeiten zum 100. Geburtstag des kanadischen Künstlers Jean Paul Riopelle angeschlossen – mit einer zwar überschaubaren, aber sehr ansprechenden Ausstellung. Der Maler war eng mit der Pariser Kunstszene verbunden, blieb aber seiner Heimat treu. Ein Beweis dafür ist das Triptychon „Mitchikanabikong“ aus dem Jahr 1975, dessen weiße Teile zeigen, dass Riopelles Heimat – ebenso wie die des Sängers Gilles Vigneault – kein Land mehr ist, sondern der Winter, Schnee; seine anderen, lebhafteren Teile hingegen sind in den Knoten des Ajaarag-Schnurspiels der Inuit gefangen.
Zurück zum Bois de Boulogne, wo die vielleicht vielleicht die faszinierendste, weil diese Werke kaum zu sehen sind, in den figurativen Gemälden Rothkos aus den 1930er- und 1940er-Jahren liegt, in einem Stil, in dem Surrealismus und Naivität miteinander wetteifern, bevor sich der Künstler der griechischen Mythologie zuwandte. Aber auch hier, und später nicht weniger, stellt sich die Frage, ob so viele Exponate nötig sind, und was die Besucherzahlen angeht, gibt es natürlich den viel zu großen Andrang. Jedem steht dieses Recht zu, doch es bleibt Bretons Wunsch, sich eine Nacht lang mit Gustave Moreau einschließen zu lassen, um dessen Schaffen und seine Geschöpfe im Schein einer Fackel (wieder)zuentdecken. Eine Reihe des Stock-Verlags hat diese Idee aufgegriffen: „Ma nuit au musée“ (Meine Nacht im Museum), und in der jüngsten Ausgabe führt uns Yannick Haenel zurück zur Francis-Bacon-Ausstellung, die vor einiger Zeit im Centre Pompidou stattfand. Der Arme, der in den ersten Stunden von einer Augenmigräne geplagt wurde, holt nun mit Tramadol auf; plötzlich wird alles hell mit „Water from a Running Tap“, und sehr schnell kommt er zu dem, was zählt : „ die Leere, die Bacons Bilder in mir aufreißen “. Ich schließe mit diesen Worten, wir sind erst am Ende des dritten Kapitels angelangt : „ Ich nehme an, dass es Ihnen genauso geht: Malerei ist nichts Statisches, sie ist ein Akt mit unmittelbaren Folgen, genau wie die Liebe. “
