Zunächst eine kleine Erinnerung, um den Stand der Dinge zu verdeutlichen: das Plakat der Guerrilla Girls am Eingang des Arsenals in Venedig, auf dem gefragt wurde, ob Frauen nackt sein müssten, um ins Metropolitan Museum zu gelangen. Ihre Argumentation war stichhaltig: Damals, in den 80er Jahren, gab es in dem New Yorker Museum weniger als fünf Prozent Künstlerinnen und 85 Prozent weibliche Akte. Man erinnert sich auch an den bissigen Humor der französisch-schweizerischen Künstlerin Agnès Thurnhauer, an ihre schönen Broschen, mit denen sie das ungerechte Vergessen anprangerte, indem sie Namen umdeutete, um Annie Warhol, Louis Bourgeois und andere wie Miss Van der Rohe zu feiern.
Die Zeiten haben sich zweifellos geändert. Um dem Ganzen noch einen zusätzlichen Anstoß zu geben, ist es vielleicht nicht unnütz, so weit zu gehen, eine Umkehrung vorzunehmen, wie bei der Ausstellung: „Elles font l’abstraction“ im Centre Pompidou, die noch bis zum 23. August läuft und in der ausschließlich Künstlerinnen – mehr als hundert an der Zahl – vertreten sind, um einen ganz anderen Blick auf das 20. Jahrhundert zu werfen (in diesem Fall auf die abstrakte bildende Kunst, man kann sich ihr Gegenstück in der figurativen Kunst vorstellen). Nein, unser Blick auf die Abstraktion bleibt mehr oder weniger derselbe; es ist die Funktionsweise der Kunst, ihre gesellschaftliche und im weiteren Sinne politische Verankerung, die in Frage gestellt wird. Und unser Wissen wird dank Christine Macel auf einen Schlag erheblich erweitert. Mit wenig beachteten oder gar unbekannten Malerinnen.
Der Gipfel für eine Frau war es, ihren Namen mit dem eines Mannes in Verbindung zu bringen – wie bei Sonia Delaunay-Terk oder Sophie Taeuber-Arp. Zu Beginn des neuen Schuljahres wird das Musée d’art moderne in Paris Anni und Josef Albers ausstellen. Auch eine Liebesbeziehung konnte diesen Zweck erfüllen. Es bleibt jedoch die Frage, ob beide als gleichwertig angesehen und behandelt wurden. So ist beispielsweise kaum bekannt, dass es nach Ansicht des Kunstkritikers Clement Greenberg notwendig war, die ersten All-Over-Werke Janet Sobel und nicht Pollock zuzuschreiben.
Lassen wir diese Aufzählungen beiseite. Und übertreiben wir es nicht mit den Aufzählungen, die sich im Verlauf der Ausstellung und ihrer zweiundvierzig Räume ohnehin aufdrängen würden (das führt übrigens zu schönen Dialogen und spannenden Gegenüberstellungen). Denn abgesehen von dem – durchaus begrüßenswerten – Bestreben, das Thema erschöpfend zu behandeln, bietet die Ausstellung noch weitere Vorzüge. Dazu gehört, dass sie sich unterwegs mit verschiedenen Problemen auseinandersetzt, angefangen bei der Definition selbst oder dem Wesen der Abstraktion. Und die Stile, Ausrichtungen und sogar die Impulse sind vielfältig und abwechslungsreich.
Fast schon von Anfang an – und chronologisch gesehen noch vor Mondrian und Kandinsky – die Abstraktion (ist es wirklich eine?) erweist sich als vom Spiritismus inspiriert, mit den Houghtons und Af Klint; man könnte weitere Namen hinzufügen, auch aus anderen Disziplinen als der Malerei, wie zum Beispiel dem Tanz mit Loïe Fuller. Damit berühren wir übrigens eine weitere Qualität, einen weiteren Vorteil der Ausstellung: Aufgrund ihres Themas musste sie sich zwangsläufig öffnen; vielleicht war das auch der Wille dieser Frauen oder eine Art der Erschließung von Bereichen, die vernachlässigt worden waren. Am Bauhaus waren die Meister ausschließlich Männer; die einzige Ausnahme bildete Gunta Stölzl, und zwar im Webatelier.
Zur Abstraktion gehören ebenso die Russinnen Exter und Gontscharowa, die beide schon sehr früh nach Paris ins Exil gingen, wie auch Rozanova und Popowa, die in Moskau blieben ; wie auch die amerikanischen Künstlerinnen der 1950er Jahre, die mit dem abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht werden, oder Eva Hesse und Louise Bourgeois, deren Werke sich stärker durch eine ausgeprägte physische und körperliche Dimension auszeichnen. Doch die Ausstellung erstreckt sich so weit wie möglich auch auf andere Kulturkreise und hebt gleichzeitig die traditionellen Grenzen zwischen High und Low Art auf.
Ein überaus eindrucksvolles Beispiel für all diese Erkundungen und Entdeckungen: Harmony Hammond, eine sehr engagierte amerikanische Künstlerin (insbesondere an der Seite von Nancy Spero), präsentiert im Beaubourg einen großen Teppich, „Floorpiece VI“ aus dem Jahr 1973, mit einem Durchmesser von über eineinhalb Metern, bestehend aus mit Farbe überzogenen Stoffstreifen; sie schuf ihre Werke, indem sie in der Mitte saß und die Stoffstreifen um sich herum verwebte. Weibliche Arbeit, wenn man so will, häusliche Arbeit, und in diesem Sinne beansprucht sie die abstrakte Kunst für sich. Es ist kein Zufall, dass wir uns in den 70er Jahren befinden. Damals haben andere Künstlerinnen, wie die schwedische Anarcho-Feministin Monica Sjöö, genau den entgegengesetzten Standpunkt eingenommen: Die abstrakten Experimente bezeichnet sie als spielerische Spielereien, die für zufriedene und erfolgreiche männliche Künstler charakteristisch sind; die abstrakte Kunst als eine Kunst, die vor allem weißen Männern der Mittelschicht vorbehalten ist.
