In Delme: Rückkehr zur Salonmalerei

Es mag seltsam erscheinen, sechs Seiten voller Zitate und künstlerischer Verweise zu verfassen, um die Organisation einer internationalen Malereiausstellung im Centre d’art contemporain – La synagogue de Delme¹ zu rechtfertigen. Eine solche Vorsichtsmaßnahme seitens des Direktors dieser Einrichtung erscheint recht merkwürdig, wo doch jede Woche in Frankreich und anderswo Ausstellungen stattfinden, die die Vielfalt der Praktiken und die vielfältigen Formen ihrer zeitgemäßen Umsetzung offenbaren. Die Malerei, diese Kunst der Stille, verlangte nicht so viel ; Ob auf den Pfaden der Abstraktion oder der Figuration oder auch auf den undefinierten Wegen, die sich zwischen ihnen bahnen – die Malerei existiert tatsächlich, durchquert Jahrhunderte wie Kulturkreise und drängt sich uns in ihrer ganzen historischen und ästhetischen Selbstverständlichkeit auf.

Die Organisation einer Kunstausstellung im ländlichen Raum ist dennoch ein durchaus sinnvolles Vorhaben, das in unserer Zeit die große Tradition der Salons des 19. Jahrhunderts wieder aufleben lässt. Umso mehr, als diese Initiative in einem so lichtdurchfluteten Rahmen wie der Synagoge von Delme stattfindet, einem ehemaligen Gotteshaus, das 1881 von Otto Saup erbaut und 1993 aufgrund des Rückgangs der jüdischen Glaubensausübung was durch den Krieg und die Landflucht zu erklären ist (der letzte Gottesdienst fand 1978 statt). Ein perfekter Rahmen mit seiner orientalisch anmutenden Architektur und seinem besonders lichtdurchfluteten, stufenförmigen Innenraum, um Kunstwerke zu beherbergen und zur Geltung zu bringen. Insgesamt präsentieren ein Dutzend Künstler ihre Gemälde an diesem einzigartigen Ort; es handelt sich größtenteils um Nachwuchskünstler mit unterschiedlichen Stilen, ohne dass ein thematisches Band ihre Werke miteinander verbindet. Das Konzept ist also offen, auch wenn man gerne gewusst hätte, nach welchen Kriterien diese Künstler gegebenenfalls ausgewählt wurden. Von unterschiedlichem künstlerischem Wert vermittelt das Gesamtbild ein Porträt unserer Zeit und ihrer demokratischen Herausforderungen. So zum Beispiel die digitalen Gemälde von Audrey Couupé de Kermadec, die eine Lücke in der Darstellung queerer Frauen mit Migrationshintergrund schließen. Sie tut dies, indem sie auf eine Ästhetik zurückgreift, deren glänzende Texturen an Graffiti erinnern, und gleichzeitig synkretistische Bezüge herstellt, von der christlichen Ikonografie bis zur mittelalterlichen Literatur, wie in diesem Gemälde mit dem kreolischen Titel „Négligé fanm nwé ki queer sé on péché, repanti!“ (Schwarze und queere Frauen zu vernachlässigen ist eine Sünde, tut Buße!, 2022), in dem eine Rüstung, eine Hand beißende Schlange und die Austeilung der Hostie nebeneinander existieren. Anstelle der selbstbewussten Forderungen militanten Handelns zieht es die Künstlerin vor, imposante, aber zurückhaltende weibliche Figuren einzufangen, die in Momenten des Innehaltens, der Ruhe und der Zärtlichkeit festgehalten werden. Eine Möglichkeit, die Klischees über die queere Gemeinschaft zu entkräften, aber auch, Stellung zu beziehen gegenüber der kapitalistischen Tendenz zur Überproduktion, gegenüber dem Diktat, immer mehr leisten zu müssen – auf die Gefahr eines Burnouts hin! Ein weiterer bemerkenswerter Beitrag befindet sich im Obergeschoss des Gebäudes, wo den Frauen während der jüdischen Liturgie traditionell ein Platz zugewiesen wurde. Dort befinden sich zu beiden Seiten der Seitengänge zwei großformatige Ölgemälde von Cédric Rivrain, die sich in gedämpften Tönen, in einer Farbpalette aus Grau-, Grün- und Blassblau-Nuancen entfalten. Eines davon zeigt einen Mann in Kapuzenpullover und mit Rucksack, der seltsam isoliert in der bedrückenden Tristesse der Pariser Metro steht (Métro, 2023). Er betrachtet uns mit unbewegtem Blick, als wolle er uns nach dem Zustand des Menschen im 21. Jahrhundert befragen, der in einer automatisierten Umgebung auf ein winziges Teilchen reduziert ist. Diese figurative Fremdartigkeit erinnert an das Werk von Jean Rustin und Lucian Freud, ja sogar an das von Gilles Aillaud. Nur dass im Gegensatz zu Letzterem die gefangenen Tiere hier Menschen sind, die unerbittlich allein sind. Das zweite Gemälde von Cédric Rivrain ist ein Frauenporträt (Constance, 2024), das uns mit völlig nacktem Körper und kahlrasiertem Kopf gegenübersteht, sitzend auf einem Hocker neben einem Lichtschalter. Ein einfühlsames Porträt, vom Maler meisterhaft ausgeführt, bei dem der Besucher von der Kraft des Blicks der jungen Frau gefesselt wird, der zugleich intensiv und geheimnisvoll ist. Ein ähnlicher Eindruck von Fremdartigkeit stellt sich beim Betrachten der Acrylgemälde von Matthieu Palud ein, deren Gesichter ohne Pupillen zwischen Malerei und Skulptur (in diesem Fall der römischen Porträtmalerei) schwanken.

Ein weiteres Symptom unserer Zeit, das mir beim Herumschlendern begegnet ist: die Gemälde von Ash Love, einer 1996 in Bordeaux geborenen und an der HEAD in Genf ausgebildeten Künstlerin, deren rechteckiges Format sich in eine Smartphone-Oberfläche verwandelt. Darin spiegelt sich unsere eigene existenzielle Leere wider, dargestellt durch zwei SMS-Nachrichten ohne offensichtlichen Zusammenhang, die natürlich in der kürzestmöglichen Form verfasst sind und mit pragmatischen Elementen wie Datums- und Zeitangaben vermischt sind. An anderer Stelle bildet ein schwarzes Gemälde, das mit einer Inschrift („Kündigung“) und zwei visuellen Elementen (Lippen im Emoji-Stil sowie ein Hund, der die Zunge herausstreckt) versehen ist, eine Art Rebus, durch den ein Gedanke allein durch die Verknüpfung schriftlicher und visueller Signifikanten zum Ausdruck kommt. Eine neue kritische Pop-Art, die unsere Alltagsgegenstände ins Visier nimmt ?

Zahlreiche weitere Werke gibt es anlässlich der Internationalen Malereimesse in Delme zu entdecken, die eine Vielzahl zeitgenössischer Techniken und Ausdrucksformen in den Vordergrund rückt. So sind beispielsweise die optisch und psychedelisch anmutenden Gemälde von Charlotte Houette zu sehen, bei denen die Oberfläche des Malgrunds sogar eingegraben wird (Secret egg / blue, 2024), oder die anmutigen und melancholischen Herbarien, die Louise Sartor auf Karton geschaffen hat (Incenso, 2024). Marilou Bal ihrerseits greift in Ölmalerei die digitalen Unvollkommenheiten des Internets auf und schöpft aus dieser Quelle einen Fundus an alltäglichen Bildern (Girl in pajamas, 2024), die sie auf diese Weise veredelt. Eine, gelinde gesagt, unpassende Mischung der Genres, zu der auch Nicolas Ceccaldi beiträgt – mit einem Gemälde, das vor einem Meereshintergrund eine aus „Star Wars“ entflohene Filmfigur zeigt. Nicht zu vergessen ist gleich zu Beginn des Rundgangs das wunderschöne Pferdemalerei-Wandbild von Jacent, das seinen Platz im Aron einnimmt, dem heiligen Schrein, der üblicherweise den Gesetzestafeln vorbehalten ist.