Le titre de son nouvel opus résume peut-être mieux que n’importe quel autre film de Ken Loach la personnalité de ce cinéaste britannique, aujourd’hui âgé de 87 ans. La carrière de Loach remonte à bien loin ; les racines de son cinéma remontent à son premier film, *Kes* (1969), qui a contribué à façonner la Nouvelle Vague britannique. Avec *The Old Oak*, ce vétéran du cinéma social-réaliste britannique, en étroite collaboration avec son scénariste Paul Laverty, poursuit son engagement de gauche : profondément ancré dans la tradition de ce courant cinématographique britannique des années 1960, il reste inébranlable et résolu. Un pub situé dans un ancien village minier près de Durham, dans le nord-est de l’Angleterre, lui sert de pivot pour son nouveau récit, qui, toujours dans une veine de réalisme social mais de manière moins déterministe, met l’accent sur le point de vue des prolétaires. TJ Ballantyne (Dave Turner) est le propriétaire de l’« Old Oak », qui risque la fermeture suite à l’arrivée de réfugiés syriens hébergés sans préavis dans le village. TJ fait bientôt la connaissance de la jeune Syrienne Yara (Elba Mari), qui s’essaie à la photographie. Une amitié se noue entre eux, mais elle suscite la jalousie des habitués du pub…
La misère de la classe ouvrière, qui voit désormais son identité menacée, déborde sur des problématiques culturelles et ethniques. Loach prend certes au sérieux les craintes et les inquiétudes des gens modestes face à une réalité quotidienne en pleine mutation, marquée par la pénurie de logements et les flux migratoires, sans pour autant les présenter de manière unilatérale. Selon Loach, plus la misère sociale est grande, plus les gens sont réceptifs aux idées antisémites. Ce qui frappe dans ce contexte, c’est le regard quelque peu condescendant et paternaliste que Loach porte sur l’ouvrier, qu’il oppose aux immigrés afin d’exploiter ce potentiel de conflit. Ce sont d’ailleurs les immigrés qui, de manière quelque peu stéréotypée à travers leur culture, provoquent la prise de conscience et le revirement de cet homme blanc aigri. Le rapprochement s’opère par le biais de la gastronomie ; Loach y célèbre le dialogue interculturel autour des repas partagés, qu’il relie à la grève des ouvriers de 1984. « Quand on mange ensemble, on reste solidaires », dit-on. Cette union s’enrichit ensuite de l’idée de résilience grâce à la foi et à l’Église, lieu d’espoir. C’est en raison de cette mise en avant de l’ouverture au dialogue entre les cultures qu’après *I, Daniel Blake* (2016) et *Sorry We Missed You* (2019), la critique implacable et rigoureuse du système dans *The Old Oak* n’est, tout au plus, qu’une composante secondaire. C’est pourquoi le film semble présenter des lignes de conflit plus adoucies ; c’est un film de réalisme social plus doux, qui, à certains égards, semble même plus proche du New British Cinema des années 1990. C’est désormais sans aucun doute le sens de Loach pour la persuasion larmoyante, visant à susciter de grandes émotions face au désespoir, qui prédomine ; cela se traduit également, contrairement à ses films précédents, dans le langage formel : La tendance à un style de mise en scène plus classique et dramatique est particulièrement évidente dans les passages où s’immisce une musique de film émotionnelle, ce qui est plutôt inhabituel chez Loach. Et depuis Charlie Chaplin, le fait qu’un chien soit aux côtés du héros semble être une constante du cinéma prolétarien à forte charge émotionnelle – cela vaut également pour *Feuilles mortes*, le nouveau film du réalisateur finlandais Aki Kaurismäki. S’inscrivant pleinement dans cette lignée cinématographique, ils incarnent l’amour silencieux de l’humanité qui traverse tous ces films. Les chiens restent aux côtés des défavorisés et en savent souvent plus que les humains ; ils pressentent même le malheur avant qu’il ne survienne. C’est également le cas ici, même si Loach imprègne ce lien de destin entre l’homme et l’animal d’un sentimentalisme omniprésent, ce que Kaurismäki ne fait pas de cette manière. Loach dépeint certes tout cela, comme à son habitude, avec simplicité et sobriété formelle, sans toutefois chercher à atteindre l’urgence de ses films précédents.
