Lee Miller n’était pas seulement un mannequin à succès, mais aussi la muse du photographe d’avant-garde Man Ray. Aujourd’hui, son nom est surtout associé à ses réalisations remarquables en tant que photographe de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle a non seulement documenté le front et la libération de Paris, mais elle a également été l’une des premières à immortaliser l’horreur inimaginable des camps de concentration de Buchenwald et de Dachau. Ellen Kuras, qui a auparavant travaillé comme directrice de la photographie sur de nombreux longs métrages et documentaires, porte la vie de Miller à l’écran sous la forme d’un biopic intitulé Lee, avec Kate Winslet dans le rôle-titre.
Lee Miller est aujourd’hui considérée comme une pionnière de la photographie d’après-guerre. C’était une artiste qui a su, de manière remarquable, mettre en lumière les enjeux éthiques liés à la documentation visuelle de la guerre. Pour ce faire, elle a eu recours à des procédés stylistiques très proches de ce que Susan Sontag a qualifié d’« éthique du regard » dans son ouvrage *On Photography*. Souvent, Lee Miller évitait de montrer directement les horreurs de la guerre ou les représentait de manière non conventionnelle, voire décontextualisée. Aussi non conventionnel et avant-gardiste que fût le travail de Lee Miller en tant que photographe, ce biopic est, lui, extrêmement conventionnel, sans audace et sans inspiration. Une succession statique de scènes tournées dans les lieux biographiques connus – en Angleterre, en France et en Allemagne – structure ce film, sans que ces scènes ne permettent de rendre le personnage de Lee Miller vraiment tangible. Cela est déjà empêché par la voix off, introduite par l’intrigue principale qui met en scène une Lee Miller vieillissante de l’après-guerre et un jeune homme, Tony (Josh O’Connor). C’est ainsi, à travers des flashbacks, que l’on est plongé dans cette vie mouvementée, entre reportage et art, éthique et morale.
La directrice de la photographie et réalisatrice américaine Ellen Kuras s’attache d’abord à dépeindre Miller comme une femme aventureuse, optimiste, sexuellement libérée et ambivalente. Dans les années 1930, en Cornouailles, Lee est entourée d’artistes épris de liberté, tels que Paul et Nusch Éluard. Puis arrive l’artiste et collectionneur britannique Roland Penrose (Alexander Skarsgård), avec lequel Lee va vivre une histoire d’amour intense. Ils se livrent à une vie bohème débridée, tandis que les bulletins radio font état de la popularité croissante d’Adolf Hitler – personne, dans ces moments d’insouciance, ne songe à ce que l’Europe est sur le point de se précipiter au bord de la destruction totale. Mais la Seconde Guerre mondiale éclate avec l’invasion de la Pologne par l’Allemagne nazie. Plus l’Europe est entraînée dans ce conflit et en subit les conséquences, plus Lee Miller ressent le besoin de mettre ses talents au service des Alliés. Après quelques difficultés initiales, le Vogue anglais, représenté par la rédactrice en chef féministe Audrey Withers (Andrea Riseborough), publie les photographies d’inspiration surréaliste de Miller. Elles montrent des femmes portant des masques de protection ainsi qu’un mannequin élégant posant devant une carte indiquant les théâtres d’opérations. Les expériences de Lee en tant que reporter de guerre constituent l’essentiel du portrait cinématographique d’Ellen Kuras – mais *Lee* n’est pas un film sur les images de guerre ; il lui manque pour cela les niveaux de lecture plus profonds qu’Alex Garland avait encore explorés dans *Civil War* (2024). Seule la scène de son autoportrait emblématique dans la baignoire d’Hitler, dans son appartement de Munich, parvient à laisser entrevoir, dans une certaine mesure, le sens aigu de Miller pour la puissance de la mise en scène – son approche humoristique de la représentation et du renversement du pouvoir y est au moins suggérée.
Il est toutefois évident que ce travail photographique sur la guerre a dû mettre Miller à rude épreuve et lui laisser des traces profondes. C’est bien sûr l’expérience de la limite et de l’effort surhumain que représente la transposition des renoncements de l’être humain dans un langage photographique : des questions d’éthique et d’esthétique de la photographie se posent de manière particulièrement pressante à propos de l’œuvre de Lee Miller, mais ces tensions ne sont pas abordées dans Lee. De plus : ses dépressions, ses troubles de stress post-traumatique, son alcoolisme ainsi que sa fuite dans des fêtes débridées étaient des tentatives de refoulement de ces expériences, mais cela n’est pas non plus véritablement raconté dans *Lee*. Les images qui entourent Lee et qu’elle a capturées sont, chez Kuras, dépourvues de toute force dramatique ; elles ne transmettent pas l’intensité et l’immédiateté qui caractérisent tant les photographies de Miller. Même la forme cinématographique, les caractéristiques propres à l’image animée, ne sont pas vraiment mises en relation avec le sujet ni exploitées de manière captivante. Le fait que Miller ait longtemps été en conflit avec son œuvre, qu’elle ait conservé ses archives photographiques sous clé dans son grenier depuis les années 1950, tout cela ne nous est révélé que par un panneau explicatif à la fin du film – et donc bien trop tard.
