Im vergangenen Jahr war der luxemburgische Pavillon während der Architekturbiennale fast vollständig in Dunkelheit getaucht. Vor einem riesigen Bildschirm waren eine Mondlandschaft sowie Roboter für die Erforschung und den Abbau von Rohstoffen im Weltraum zu sehen. Dort wurden verschiedene Aspekte der Weltraumeroberung und des Space Mining vorgestellt. In diesem Jahr ist es genau umgekehrt. Im ersten Stock der Sala de Armi im Arsenale betritt man eine silberne, glänzende, metallische Umgebung, die letztlich weitaus futuristischer wirkt.
Hinter einem dicken, leicht schillernden grauen Vorhang betritt man einen Pavillon mit grellem Licht. Der Boden ist mit Metallplatten gepflastert, in die verschiedene Motive eingraviert sind: abstrakte Symbole, beschreibende Texte zum Projekt und Informationen zum Programm. Vier abnehmbare, auf Luftreifen montierte Glaswände sind mit technischer Ausrüstung bestückt: Mikrofone, Lautsprecher, Stromkabel, Metallstangen… Im Hintergrund zeigen zwei LED-Bildschirme den Zeitplan der bevorstehenden Performance an.
Der eilige Besucher wird nur das sehen. Wenn er ein paar Minuten verweilt, wird er Klänge, Geräusche und Stimmen hören – eine schwer zu beschreibende Kakophonie, von Musik ist hier keine Rede – und er wird spüren, wie der Boden vibriert. „Wir wissen, dass wir uns der Frustration des Publikums stellen müssen. Manche werden mehr Zeit hier verbringen als andere und mehr erleben. Es gibt verschiedene Ebenen der Auseinandersetzung, die es zu entdecken gilt: die Texte lesen, sich hinsetzen, zuschauen und zuhören“, räumt der Musiker und Klangkünstler Andrea Mancini bei unserem Treffen in Venedig ein. „Wir hatten Angst, aber wir sehen, dass die Menschen es verstehen und sich darauf einlassen“, ergänzt Alessandro Cugola, ausgebildeter Architekt und Mitglied des Kollektivs Every Island. Gemeinsam haben sie eine „immersive, intime, geborgene“ Umgebung geschaffen. Es bildet einen Rahmen für die dort aufgeführten Performances und für die dort angebotenen Klangexperimente. Die architektonische und technologische Gestaltung des Pavillons unterstreicht zudem das Konzept des „Work in Progress“.
„ Das ursprüngliche Projekt sah vor, einen Raum zu schaffen, um Künstler während der Biennale einzuladen. Einen Ort, an dem sie leben und arbeiten und gleichzeitig ihren kreativen Prozess präsentieren könnten “, erinnert sich Martina Genovesi, ein weiteres Mitglied dieses Kollektivs. Ihre Forschungen konzentrieren sich auf die Rolle der Performance in der Architektur, die durch die Gestaltung von Inszenierungen und temporären Installationen zum Ausdruck kommt. „Wir erleben eine Art ‚Übertragung‘ der Performance auf den Raum. Nicht im negativen Sinne wie eine Krankheit: Die Performer und Besucher, die sich in einer Umgebung bewegen, tragen dazu bei, diesen Raum zu verändern, bereichern ihn – sie stören ihn nicht“, erläutert sie.
Die Einladung weiterer Künstler war somit der Ausgangspunkt für die Überlegungen, die der Luxemburger Andrea Mancini und das Brüsseler Kollektiv Evry Island (zu dem auch Caterina Malavolti und Juliane Seehawer gehören) für den luxemburgischen Pavillon angestellt haben. Damit stellen sie den – letztlich romantischen und überholten – Begriff des „einzigen Künstlers, der ein einziges Kunstwerk schafft“ in Frage, wie Andrea Mancini es formuliert. Sie setzen sich für ein kollektives Schaffen ein, bei dem nicht feststellbar ist, wer was geschaffen hat, wer der Urheber und wer der Mitwirkende ist. „Diese Idee des Teilens ist eine schöne Botschaft, bei der die Künstler ihr Ego zurückstellen.“
Vier Performancekünstlerinnen werden daher im Laufe der Monate, die die Biennale dauert, zu einem Residenzaufenthalt eingeladen. Sie wurden vom Kollektiv gemeinsam mit der Kuratorin Joel Valabrega ausgewählt, die über langjährige Erfahrung im Bereich der Performancekunst verfügt, insbesondere im Mudam. Die Spanierin Bella Bâguena, die Französin Célin Jiang, die Türkin Selin Davasse und die Schwedin Stina Fors wurden aufgrund ihrer klangbasierten Arbeitsweisen und der Vielfalt ihrer Ansätze ausgewählt. „Die mündliche Überlieferung, der Klang und das Geräusch reichen bis zu den Ursprüngen der Kommunikation und der Weitergabe zurück. Die ausgewählten Künstlerinnen bedienen sich sehr unterschiedlicher Methoden der Kommunikation und der Klangerzeugung“, erklärt Martina Genovesi.
Der Titel „A Comparative Dialogue Act“ verdeutlicht den Charakter dieses experimentellen Projekts: eine Erkundung vielfältiger akustischer Sprachen und eine Reflexion über den Dialog. Um diesen Dialog zu bereichern, wurden die Künstlerinnen eingeladen, eine umfangreiche Klangbibliothek zu erstellen. Aus dieser gemeinsamen Sammlung schöpft jede Künstlerin, um eine Klanglandschaft zu schaffen, die ihre Performance begleitet. „Das Ziel ist es, die Zusammenarbeit anzuregen und durch die Interpretation der von den anderen Künstlerinnen bereitgestellten Klänge eine Gemeinschaft aufzubauen“, fügt Andrea Mancini hinzu.
Die Wochen der Biennale werden je nach Anwesenheit der Künstler in Residenz in verschiedene Phasen unterteilt. „Während der Residenzen entwickeln die Künstler ihre Klänge und ihre Performance. Zwischen diesen Phasen werden die Klänge abgespielt. Auf zwanzigminütige, eher chaotische Dialoge folgen Wiederholungen der Performances, die klarer sind“, erklärt der Luxemburger. Die Gravuren auf den Platten der Plattform können „wie eine Excel-Tabelle, ein Kalender oder eine Karte verstanden werden. Die verschiedenen Symbole stehen für bestimmte Sequenzen“, ergänzt Alessandro Cugola.
Die in Berlin lebende türkische Künstlerin Selin Davasse trat als Erste anlässlich der Einweihung des Pavillons auf. In ihren Aktionen bedient sie sich unterschiedlichster literarischer, stimmlicher und gestischer Techniken, wobei sie „verschiedene narrative Ichs“ verkörpert, meist Tiere, die von der Gesellschaft ausgestoßen wurden. Man sah sie die Perspektiven einer Taube, eines Wurms und schließlich einer Maus darstellen. Trotz der Ironie ihrer Texte spricht sie sehr politische Themen wie Individualismus, Wettbewerb, Äußerlichkeiten und die Situation der Frau an.
Zum Abschluss der Biennale wird eine CD mit einem Teil der Klangkompositionen veröffentlicht. Das Kollektiv hofft, das kreative Abenteuer mit weiteren Performern und Performerinnen fortzusetzen, die die Klangbibliothek weiter bereichern, neu interpretieren und wieder einbinden würden. In Venedig war die Rede davon, die Fortsetzung des „Comparative Dialogue Act“ im Mudam zu programmieren, was Bettina Steinbrügge diese Woche gegenüber der Zeitung „Land“ bestätigte: „Wir planen derzeit, den Pavillon im nächsten Jahr im Mudam wieder zu aktivieren.“
Dies wird nicht nur eine interessante Fortsetzung der Erfahrungen in Venedig sein, sondern auch eine Möglichkeit, das wegweisende Projekt der Audiolabs weiterzuführen. In den Jahren 2002 und 2003 hatte das Mudam vier von Designern entworfene Strukturen erworben, um Musik und Klangkreationen „auszustellen“. Schon damals war es eine Herausforderung, Klanglandschaften eine greifbare Form zu verleihen. Heute verbindet der mutige Entwurf des luxemburgischen Pavillons die Notwendigkeit, Klänge zu visualisieren, mit dem Bestreben, über die erkennbare Persönlichkeit des Schöpfers hinauszugehen.
