Gemälde aus weiblicher Perspektive

Der Titel der von der Galerie Vis-à-vis in Metz organisierten Ausstellung – „8 Femmes“, in Anlehnung an den Film von François Ozon – erinnert uns daran, dass zwischen Kunst und kriminalistischer Ermittlung eine besondere Affinität besteht. Eine Verbindung, die der Historiker Carlo Ginzburg einst in seinem Artikel über das „indiziale Paradigma“ vertieft hat. Für diese ausschließlich von Frauen bestellte Ausstellung hat der Galerist Bernardo di Battista Künstlerinnen aus den unterschiedlichsten Bereichen zusammengebracht, darunter auch einige aus der Großregion: Claire Decet, Emmanuelle Potier, Sandra Lieners, Delphine Gigoux-Martin, Lucia Uni, Elsa Werth, Myriam Mechita und Dora Maar. Man betritt den Raum wie auf schmalen Planken und fragt sich zunächst, welche Überraschung Elsa Werth mit diesem doppelten, nachtblauen Wandbehang bereithält, der asymmetrisch und lückenhaft aufgehängt ist (auf der linken Seite fehlt ein Stück). Man erkennt hier deutlich das eigenwillige Universum der jungen Künstlerin, einer Stammgastin der Galerie, die bereits in einer ebenfalls doppelten Form einen (doppelten) runden Stecker ohne praktischen Nutzen präsentiert hatte (Short-circuit, 2022) oder auch eine auf das Nötigste reduzierte Ausgabe der Zeitung „Le Monde“, in der lediglich die Ländernamen erhalten geblieben sind („Un jour dans le Monde“, 4. Oktober 2019). Elsa Werth, die kürzlich den Preis der Pernod-Ricard-Stiftung gewonnen hat, hat zudem gerade erlebt, wie ihre schelmischen Werke in die Sammlungen des Centre Pompidou aufgenommen wurden.

In einem eher ikonoklastischen Stil hat Sandra Lieners zu diesem Anlass drei anonyme kleine Gemälde zusammengetragen, die sie zweifellos auf Flohmärkten erworben hat und die sie der Hölle eines Abkratzens mit Isopropylalkohol unterzogen hat, um die Intimität des Malgrunds zum Vorschein zu bringen. Eine rückwirkende Geste, die insbesondere die Landschaftsmalerei und die Stillleben dekonstruiert – also jene beiden Genres, denen Malerinnen bis vor kurzem zugewiesen waren. Die weiten Flächen, die auf zwei der Bilder zu sehen sind, wurden teilweise zerstört, um einer durch den Alkohol entstellenden Abstraktion Platz zu machen. Das dritte Bild lässt in seiner Mitte ein einfaches Quadrat zurück, das das als Untergrund dienende Holz zum Vorschein bringt, ungeachtet seines floralen Motivs. Ein kleines, persönlicheres Werk vervollständigt diese Sammlung überarbeiteter Ready-mades: Es handelt sich um eine Stickerei, die von der Großmutter der luxemburgischen Künstlerin angefertigt wurde und auf der pflanzliche Ornamente neben dem Pfeil eines Computerzeigers zu sehen sind. Diese Werke, die größtenteils beschädigt oder lückenhaft sind, stehen neben dem von Berthe Morisot geschaffenen Porträt von Madame Hubbard, einer intimen Szene, die die Frau in den privaten Bereich ihres Frauenhauses zurückversetzt. Lieners würdigt zwar eine der wenigen Frauen, die zur Zeit des Impressionismus Anerkennung fanden, hat dieses Gemälde jedoch als Vorlage genommen, um dessen Komposition zu verwischen, und dabei eine Technik wiederbelebt, die üblicherweise für den Hintergrund verwendet wird: „ Ich male sie weniger sichtbar, um sie sichtbarer zu machen “, erklärt Sandra Lieners. Less is more, so.

Für ihr einziges ausgestelltes Werk nimmt Claire Decet einen recht sexistischen Ausdruck als Ausgangspunkt: „Das ist aber eine schöne Pflanze!“ Und genau das stellt sie buchstäblich in ihrem eigens dafür geschaffenen Blumentopf dar, um das ganze „Misère verte“ (so lautet der Titel dieses Gemäldes aus dem Jahr 2012) offenzulegen – eines von vier Exemplaren dieser Serie. „Eine schöne Pflanze ist eine schöne und wohlgeformte Frau, eine hübsche, schlanke Frau. Mit wenigen Worten, die sich hinter einem Kompliment verbergen, hat die Frau gerade ihren menschlichen Status verloren und wird mit einer leblosen Zierpflanze gleichgesetzt. „Lächle und schweige oder das Syndrom der Zimmerpflanze“, lautet ihr Fazit. Eine Form der entmenschlichenden Verzerrung und Verdinglichung, die letztlich jede Frau auf ein stilles Naturbild reduziert. Etwas subtiler setzt sich Emmanuelle Potier mit der figurativen Darstellung auseinander, weniger als eine in einer natürlichen Ordnung verankerte Gegebenheit, sondern vielmehr als Ergebnis eines künstlichen Prozesses. Mithilfe von Photoshop schafft Potier eine Komposition aus heterogenen Fragmenten, eine Methode, die an die Collage oder die Fotomontage erinnert. Es gibt also kein vorab festgelegtes Einzelmodell, sondern eine Vielfalt von Elementen, die aus dem Internet entnommen wurden, um zu einer einzigartigen Endkomposition zu gelangen, in diesem Fall einem weiblichen Akt in Form einer Hirschkuh von erstaunlich harmonischer Einheit. So tritt die Weiblichkeit mehr denn je als soziales, historisches und kulturelles Konstrukt hervor. Diesem majestätischen Akt stehen die provokanten und virtuosen Kohlezeichnungen von Myriam Mechita gegenüber, einer weiteren Künstlerin, die sich der weiblichen Intimität widmet, oder auch die Seeigel-Nymphen der poetischen Lucia Uni.

Sie ist vor allem als Modell und Fotografin bekannt (sie hat unter anderem den Entstehungsprozess von „Guernica“ dokumentiert), ist Dora Maar auch eine bemerkenswerte Malerin, wie die beiden in der Ausstellung gezeigten Stillleben belegen, in denen Blumen und Früchte eher durch ihre gepunkteten Konturen als durch Linien und Textureffekte definiert werden. Sie stellt die Dinge durch Leere, Stille und Abwesenheit dar. Dora Maar existiert hier für und durch ihr malerisches Schaffen und nicht mehr als Geliebte, Zeugin oder Muse – was immer nur eine Begleitrolle darstellt. Die liebenswerte Dora, die es satt hat, für immer nur die Zweite zu sein, findet ohne Tränen Anklang bei den sehr wohl lebendigen Frauen, die sie umgeben und ihre Geste fortsetzen.