Spritz und Fächer

Es beginnt im TGV, der Luxemburg mit Südfrankreich verbindet. Dort trifft man auf eine erste bekannte Persönlichkeit aus der luxemburgischen Kulturszene: Anouk Wies, die lange Zeit den Cercle Cité leitete und nun für den Bereich Kultur an der Uni.lu zuständig ist. Weiter geht es bei der Ankunft im Hotel, wo wir Beryl Koltz begrüßen, die für das Markenimage des Landes verantwortlich ist. In einer Fachbuchhandlung tauschen wir einen Kuss mit der Schauspielerin und Regisseurin Sophie Langevin aus … Das ist jedoch noch nichts im Vergleich zu dem, was uns erwartet, sobald wir in der Chapelle de la Charité ankommen, einem Ort, der seit sieben Jahren der luxemburgischen Teilnahme an den Rencontres d’Arles gewidmet ist (nach einer Unterbrechung im letzten Jahr, als die Hommage-Ausstellung für Romain Urhausen im Espace Van Gogh stattfand). Dort hat man den Eindruck, in einem Gesellschaftsmagazin zu blättern: das gesamte Team von „Lët’z Arles“, die Leitungen und Vertreter von Kulturinstitutionen und des Kulturministeriums, der luxemburgische Botschafter in Frankreich, der Bürgermeister von Arles, der Direktor der Rencontres, eine ganze Reihe von Journalisten und Luxemburger, die in der Region Urlaub machen – aber letztendlich nur sehr wenige Künstler. Dagegen war die Großherzogin anwesend, um nach Cannes oder Venedig „ihre Unterstützung für die luxemburgische Kunst zu zeigen“ (vor allem, wenn sie in der Sonne stattfindet). All diese feine Gesellschaft fächelt sich Luft zu und trinkt Chandon-Spritz, wobei sie sich eher über die Hitze und die Mücken beschwert, als die Ausstellung zu kommentieren. Im Laufe der Jahre hat sich Arles zu einem unverzichtbaren Treffpunkt zu Beginn des Sommers entwickelt, mit denselben Gesichtern und denselben Gesprächen.

In diesem Jahr gibt es jedoch eine Neuerung: die Einführung des Luxembourg Photography Award. Das Akronym „Lupa“ ermöglicht es der Projektinitiatorin Florence Reckinger, mit Worten zu spielen: „ Lupa steht für Lupe, und genau das tun wir: Wir richten eine Lupe auf einen jungen Künstler und sein Werk, um es ins Rampenlicht zu rücken. Es steht aber auch für die römische Wölfin, die ihren Nachwuchs großzieht und beschützt “. Und die Vorsitzende von Lët’z Arles kommentiert ironisch die ausschließlich weibliche Zusammensetzung ihres Teams, „das es an Biss nicht mangelt“. Dieser Preis wird an zwei Künstler verliehen. Der eine, Daniel Wagener, stellt in Arles aus, und die andere, Rozafa Elshan, erhält ein Mentoring in Form eines dreimonatigen Aufenthalts in Zusammenarbeit mit der École nationale supérieure de la photographie in Arles.

Da nur ein einziger Künstler ausgestellt wird, lässt sich der Raum der Kapelle, der ohnehin schon mit blumigen Teppichen, Altarbildern, Möbeln, barocken Skulpturen und massiven Säulen überfüllt ist, besser nutzen. Ein Ort, der umso schwieriger zu gestalten ist, als er mitsamt seinem Innenraum unter Denkmalschutz steht, was einen so hohen Schutzgrad bedeutet, dass man dort nicht einmal einen Nagel einschlagen darf. Ein Ort, der in völligem Kontrast zur Welt von Daniel Wagener steht, der so zurückhaltend ist, dass er es vorzieht, andere über seine Arbeit sprechen zu lassen. Die entweihte Kapelle ist dennoch voller Symbole und verfügt über nicht weniger als vier Altäre. Anstatt sich der Last der Geschichte und der Religion zu beugen, umgeht der Künstler die Hindernisse, verdeckt den Zugang zum Kirchenschiff und schafft seinen eigenen Altar, wodurch er den Ort mit der Gegenwart verbindet. „Er hat seine Installation bewusst in die Mitte platziert und damit den ursprünglichen Blickpunkt der Kapelle, den Altar, verdeckt“, erklärt Danielle Igniti, Kuratorin der Ausstellung. Sein neuer Altar, ein fünf bis sieben Meter hohes Industrieregal, ist – nicht ohne Ironie – dem neoliberalen Konsumkult gewidmet, „als eine neue Spiritualität“. Diese Konstruktion ähnelt einem Lagerraum eines Baumarkts, in dem Materialien gelagert werden, doch hier schmücken großformatige Fotos die Regale. Die Bilder mit ihren durchdachten Bildausschnitten zeigen Baustellen, Fassadenfragmente, Ziegelsteine, Fliesen, Pflanzen (echte und künstliche), Möbel und Fahrzeuge. Zahlreiche Details, die den bisweilen sehr fragwürdigen Geschmack der Bauherren veranschaulichen und Aspekte der Städte hervorheben, die man nicht mehr sieht oder lieber vergisst. Der Fotograf agiert wie ein Archäologe. Er gräbt, legt frei, entwurzelt und bringt die Spuren ans Licht, die wir auf unserem Weg hinterlassen – der niemals neutral ist. So hinterfragt er die sozialen und funktionalen Veränderungen des Ortes, indem er die übereinanderliegenden Schichten freilegt.

Die Installation zieht den Blick durch die satten und leuchtenden Farben auf sich, die der Künstler – der zugleich Drucker und Grafiker ist – bewusst eingesetzt hat. So entstehen fast abstrakte Szenen, in denen die Bilder durch ihre Anordnung miteinander in Dialog treten: Eine geflieste Wand steht neben einem Gitter, ein blauer Himmel schmiegt sich an eine azurblaue Wand, ein Stuhl und ein Regal scheinen aus demselben Holz zu sein. Sie setzen sich zudem mit dem Rahmen der Ausstellung auseinander: Die fotografierten Marmorplatten spiegeln die gemalten Marmorelemente der Kapelle wider, die abgebildeten Metallrohre eines Gerüsts erinnern an jene, die für das Gerüst selbst verwendet wurden. Andere Fotos liegen auf kleinen, abnehmbaren Rollwagen, die an Einkaufswagen aus Möbelgeschäften erinnern, als würden diese Fotos an einen anderen Ort transportiert werden – in ein Lager, auf den Schrott, auf eine Mülldeponie.

Die Installation trägt den Titel „Opus incertum“ – ein Begriff aus der römischen Mauertechnik, der den Bau von Mauern ohne Mörtel aus kleinen Blöcken, zerbrochenen Fliesen und zusammengewürfelten Ziegeln bezeichnet. Diese „unsichere Arbeit“ erweist sich oft als solider und dauerhafter als manche zeitgenössischen Kunstwerke. Eine Möglichkeit auch, den anonymen Arbeitern Tribut zu zollen, die unsere Gebäude und Städte errichten. Denn auf den Fotos ist kein Mensch zu sehen, und durch diese Abwesenheit verschafft Daniel Wagener ihnen wieder Sichtbarkeit. Als wolle er uns sagen: „Alles, was ihr seht, wurde tatsächlich geschaffen“, denn es braucht Hände, um diese städtischen Kulissen zu gestalten, an denen wir vorbeigehen, ohne sie zu sehen. Daniel Wagener verliert nie seinen Sinn für Humor (den die Kuratorin als „Brüsseler“ bezeichnet, da er dort lebt), der seine Aussage auflockert und die Realität dessen, was er zeigt, erträglicher macht. „Ich mag seine Art, die Welt zu betrachten, unsere Umgebung zu beobachten – mit einem ernsten und einem lachenden Blick. Ganz beiläufig liefert er uns eine schonungslose Interpretation unseres Stadtlebens“, erklärt Danielle Igniti. Sie bezeichnet diese Arbeit schließlich als „urbane Poesie, die das Nützliche veredelt“.

Die Grenze ist fließend

„Die Rencontres d’Arles spiegeln den Bewusstseinszustand unserer Welt wider“, erklärt ihr Direktor Christoph Wiesner. Und tatsächlich war das Programm selten so nah am Dokumentarischen oder so weit entfernt von der künstlerischen Fotografie, die noch vor kurzem im Mittelpunkt stand. Mehrere Ausstellungen holen vergessene Bilder wieder ans Licht, inszenieren sie und beschreiben ihren Kontext. Sie wurden nicht aufgrund ihres künstlerischen Werts, der Qualität ihrer Bildausschnitte oder der Überlegungen zu ihrer Komposition ausgewählt, sondern wegen dessen, was sie über eine bestimmte Epoche oder bestimmte Orte aussagen und zeigen. So verhält es sich auch mit „Casa Susanna“, der beeindruckenden Sammlung von 340 Fotografien aus den 1950er- und 1960er-Jahren, die auf einem New Yorker Flohmarkt wiederentdeckt wurden. Diese Archivbilder erzählen die Geschichte eines lange Zeit verborgenen Amerikas, die Geschichte von Männern, die sich als Hausfrauen verkleidet haben. Keine extravaganten Drag-Queens, wie man sie heute sieht, sondern Figuren von vorbildlichen Ehefrauen in einem häuslichen Alltag, wie er in der Werbung jener Zeit dargestellt wurde.

Archive wie auch die des Studio Rex im Stadtteil Belsunce in Marseille, die Jean-Marie Donat in der Ausstellung „Ne m’oublie pas“ vorstellt. Hunderte von Frauen und Männern aus dem Maghreb und aus Subsahara-Afrika ließen sich dort fotografieren, um amtliche Dokumente zu erhalten oder ihrer Familie ein Andenken zu schicken. Dutzende von „Passfotos“ – solche, die man bei sich trägt, wenn man weiß, dass man die Person so bald nicht wiedersehen wird – prägen ebenfalls die Ausstellung. Auffällig sind die ernsten Blicke und Posen dieser Menschen, die im Exil leben. Ebenfalls im Archiv von „Entre nos murs“ zu sehen ist eine Ausstellung, die die Geschichte des Iran von den 1950er Jahren bis heute anhand des Baus, des Lebens und schließlich der Zerstörung eines Hauses in Teheran nachzeichnet.

Eine historische und soziologische Arbeit im „Land des Blutes“, in der Spencer Ostrander an die Schauplätze von Massenmorden zurückkehrt. Die Texte von Paul Auster erklären, warum diese Gewalt den Vereinigten Staaten innewohnt. Das genaue Gegenteil der Bilder, die Agnès Varda Ende der 1940er Jahre in Sète aufnahm. Sie fotografierte das lokale Leben im Arbeiterviertel Pointe Courte – die Grundlage für ihren ersten Spielfilm mit Philippe Noiret und Silvia Montfort.

Einige Jahre später verdeutlicht Saul Leiter die Bedeutung von Details und den kleinen Dingen des Alltags. Die Retrospektive seines Werks lädt – zwischen Schwarz-Weiß und Farbe – zu einem Streifzug durch die Straßen von New York ein, der aus kleinen, aneinandergereihten Bildfragmenten, ästhetischen Entdeckungen und optischen Erfindungen besteht.

Volksfotografie und Archivmaterial, vergessene Bilder oder dokumentarische Recherche – die Grenze zwischen all den Medien, die die Welt widerspiegeln, ist fließend.