Die Performance-Kunst hat auch bei uns Einzug gehalten

In Luxemburg gibt es keinen Raum – ob mit oder ohne Wände –, der ausschließlich der Performancekunst gewidmet ist. Die Konschthal wird in der kommenden Saison Künstler programmieren, die historische Performances wieder aufleben lassen. Das Casino Luxembourg – Forum für zeitgenössische Kunst – stellt durch Stilbé Schroeder berechtigte Fragen zum Stellenwert der Performancekunst im Allgemeinen. Und im Mudam wird im Oktober eine Ausstellung mit dem Titel „After Laughter Comes Tears“ eröffnet. Eine performative Ausstellung in vier Akten. Diese Ausstellung, die sich unter anderem der Performancekunst widmet, markiert die zweite Ausgabe der 2021 ins Leben gerufenen Mudam Performance Season. Sie wird als „performative Ausstellung“ konzipiert sein und Werke von 34 Künstlern vereinen, die in den Bereichen Performancekunst, Installation, aber auch Videokunst tätig sind. Der Titel bezieht sich auf den Song „After Laughter“ (1964) von Wendy Rene, einer amerikanischen Soul-Sängerin und Komponistin. Die Ausstellung gliedert sich wie ein klassisches Theaterstück in vier Akte. Sie bietet eine erweiterte Definition dessen, was Performancekunst ausmacht, indem sie Film und Installation, die Ausstellung selbst sowie deren Inszenierung direkt als performative Objekte einbezieht. Bemerkenswert ist die Verankerung der Performancekunst im musealen Raum, wo sie gewöhnlich als vorübergehendes, flüchtiges Ereignis auftritt.

Was die behandelten Themen angeht, wird die Ausstellung den Neoliberalismus – den Kapitalismus in seiner vermutlich letzten Phase, in der wir uns in unseren jeweiligen Gesellschaften bewegen, sei es in seiner konkreten Form oder in einer erhofften, erträumten Form – unter die Lupe nehmen. Da die Rechnung hoch ist und es so aussieht, als würden wir geradewegs auf eine große Wand zusteuern – nämlich die der Klimakrise und all ihrer Folgen –, sind die ungeheuren Widersprüche zwischen dem, was gesagt wird, und dem, was getan wird, dramatisch.

Eine der Kuratorinnen der Ausstellung, Joel Valabraga (die andere ist Clémentine Proby), versichert, dass Lachen – oder besser gesagt Humor – ein wenig von der sich abzeichnenden Tragödie ablenken und die Atmosphäre auflockern kann. Die Ausstellung beginnt unmittelbar nach den Parlamentswahlen. Wir werden die kitschigen und verstaubten Slogans aller politischen Parteien und ihre schlechten Plakate hinter uns gelassen haben. Sich vorzustellen, dass diese Ausstellung eine Art Ventil sein könnte, bleibt für die Blase des Publikums, das ihr folgt, zweifellos ein Traum. Das Lachen wird zwangsläufig gequält sein.

An dieser Ausstellung nehmen international renommierte Künstler teil, darunter Artur Zmijewski, Agnieszka Polska und Monira al Qadiri – jedoch kein luxemburgischer oder hier ansässiger Künstler. Das ist eine Feststellung. Die Diskussion darüber, ob Kulturinstitutionen eine gewisse Verantwortung dafür tragen, lokale Künstler zu unterstützen und ihnen zu mehr Bekanntheit zu verhelfen, ist eine andere. Darauf werde ich hier nicht eingehen.

Seit ihren Anfängen in den 1970er Jahren ermöglichen Performance-Kunstformen den Frauen eine Entfesselung und einen eindringlicheren künstlerischen Ausdruck. Sie positionieren sich in diesem Bereich insbesondere durch ihren Körper. Sie haben das Objekt, das sie einst waren, umgedeutet und es zu einem echten Gegenstand der Reflexion gemacht: Weiblichkeit, Stärke und Verletzlichkeit, Alter und Altern ebenso wie Macht. Leider wirken manche Performances heutzutage ein wenig wie ein Marketing-Gag, es fehlt ihnen an Tiefgang, und die Aktionen bleiben banal, obwohl sie als politisch und radikal angekündigt werden. Nicht jede kann Anne Imhof sein. Die Künstlerin, die 2017 auf der Kunstbiennale in Venedig den Goldenen Löwen erhielt, provoziert, schockiert, erfasst aber auch eine bestimmte Realität und spiegelt sie wider: die der Verlassenheit.

Die Performancekunst in Luxemburg hat ihren Ursprung nicht im Futurismus, sondern begann in den 60er Jahren mit Happenings, 70 mit Künstlerinnen wie Berthe Lutgen und Misch Da Leiden, allerdings in einer eher engagierten Form, die sich in die internationale Revolte gegen die etablierte Ordnung, den Postkolonialismus, das Patriarchat, die Homophobie, die Fremdenfeindlichkeit und die Frauenfeindlichkeit einreiht. Hervorzuheben ist, dass Berthe Lutgen 1968 Mitbegründerin der Künstlergruppe „Arbeitsgruppe Kunst“ und der „Groupe de Recherche d’Art Politique“ (GRAP) war. Im Jahr 1971 gründete sie in Luxemburg die „ Mouvement de Libération des Femmes “ (MLF) und unterrichtete von 1979 bis 1996 Kunst in Luxemburg. Diese beeindruckende Persönlichkeit der zeitgenössischen Kunst wurde kürzlich mit dem Lëtzebuerger Konschtpräis (2022) ausgezeichnet – ein Meilenstein.

Allerdings haben hier im Allgemeinen das Theater und anschließend die Musik eher als Katalysator gewirkt als die bildenden Künste ; auch wenn heute Theater-, Musik- oder Tanzaufführungen interdisziplinäre Darbietungen sind. Sie finden in der Regel in einem bestimmten Rahmen statt, selten in direkter Konfrontation mit dem Publikum und sicherlich weniger in radikaler Form, sondern eher flüchtig und dadurch umso überraschender. Möglicherweise ist dies der Grund für die Verwirrung rund um den Begriff „Performance“ (siehe den ersten Teil der Serie, Land vom 25.08.2023). Genau aus diesem Grund verwende ich den Begriff „Performance Art“ in der französischen Sprache.

Es gibt heute Künstler, die Performancekunst in ihre künstlerische Praxis einbeziehen. Trixi Weis, die im kommenden Oktober im Rahmen der Ausstellung „Hors-d’œuvre“ im Cercle Cité ihre Performance „Economy class“ präsentieren wird. Marco Godhino, der 2019 Luxemburg auf der Biennale in Venedig vertrat, verfolgt eine Praxis, die er als „performative Gesten“ , die in die Poesie eingebettet sind, die er zu verschiedenen Schlüsselmomenten zum Leben erweckt, insbesondere bei seinen Vernissagen, bei Vollmond oder ganz einfach bei sich zu Hause. Sophie Jung, die vor allem in der Schweiz tätig ist, nimmt ihre Tätigkeit als Performancekünstlerin regelmäßig wieder auf und identifiziert sich dabei eher mit einer Schauspielerin auf einer Theaterbühne, die vorbereitete Improvisationen aufführt. Dann ist da noch Mike Bourscheid, der ebenfalls Luxemburg 2017 auf der Biennale in Venedig vertreten hat und sich mit verschiedenen Identitäten, Körpern und deren Verkleidungen auseinandersetzt. Ich denke auch an Catherine Elsen, die Performancekunst betreibt, die anfangs dem Theater nahe stand und sich zunehmend im Rahmen erweiterter Realitäten orientiert. Dann Clio van Aerde (oft zusammen mit Aurélie d’Incau), die aus dem Theater kommt und seit kurzem in den Niederlanden Performancekunst studiert. Und schließlich ist da noch Aïda Schweitzer, die allein oder in der Gruppe zu Fragen des weiblichen Körpers und dessen vielfältigen gesellschaftlichen, politischen und historischen Implikationen performt. Im nächsten Jahr wird Andrea Mancini, ein Künstler, dessen Arbeit sich um performative Musik, Videokunst und Installationen dreht, als Vertreter Luxemburgs an der Kunstbiennale in Venedig teilnehmen.

Zum Abschluss dieser Reise durch die Performancekunst möchte ich noch einmal auf den Begriff selbst zurückkommen. Er entstand in den 70er Jahren, aber ich glaube nicht, dass irgendjemand in der Lage ist, seinen genauen Ursprung ausfindig zu machen. Eine Zeit lang nannten wir das noch nicht Performancekunst. Es handelte sich um Veranstaltungen, Aktionen, Happenings. Dazu gehörten auch die lebenden Skulpturen von Gilbert & George. Es gab Tanztheater, Gedichtlesungen und die „Partituren“ von Fluxus. RosaLee Goldberg, Kuratorin, Kritikerin, Historikerin und Dozentin, prägte in ihrem Standardwerk „Live Art 1909 to the Present“ den Begriff „Live Art“. Was das Wesen der Performancekunst betrifft, so betrachtet Goldberg die Performance als den Dreh- und Angelpunkt des kreativen Prozesses eines bildenden Künstlers. Im Rahmen von Performa (einer Organisation, die für ihr alle zwei Jahre an verschiedenen Orten und in verschiedenen Institutionen in New York City stattfindendes Performancekunst-Festival bekannt ist) begleitete Goldberg Künstler, die in den 1960er und 1970er Jahren, auf dem Höhepunkt des Konzeptualismus, in Erscheinung traten; sie betrachtete die Performance als eine Kunst, die sich dem kommerziellen Charakter widersetzte – eine Kunst, die weder gekauft noch verkauft werden konnte. Die Zeit und der unersättliche Kunstmarkt haben diese utopische Idee ad absurdum geführt. Heute verfügen Museen über Abteilungen für Performancekunst, und Universitäten betrachten sie als Forschungsgebiet, wenn auch getrennt vom Kanon der Kunstgeschichte. Genau darin liegt für Goldberg das Problem: Trotz dieser tatsächlichen Abgrenzung kann sie ein Beispiel nach dem anderen von bildenden Künstlern anführen, deren emblematische Werke aus Live-Aktionen hervorgegangen sind, die vor Publikum auf Theaterbühnen, in Kabaretts, auf der Straße oder vor einer Kamera entstanden sind. „Übrigens hat sogar Leonardo da Vinci Performancekunst betrieben“, erklärte sie.